Hay que agradecer a Justin Kurzel por su descarado atrevimiento al decidir adaptar una obra de más de 400 años, en una lengua que constantemente está evolucionando por lo que su comprensión e interpretación mutan a través del tiempo, y más aún con el valor agregado de uno de los literatos más representativos en la historia de la humanidad y el más importante en lengua inglesa: William Shakespeare.

En el cine, cuando adaptas una película, siempre estás a expensas de que el espectador juzgue y compare con la obra original; tomando en cuenta de que Macbeth es una obra escrita a entre 1599 y 1606, el resultado final se resume a lo que el director entendió de la obra teatral y el mensaje que nos quiere comunicar, que básicamente es el mismo pero con una comunicación ad hoc al siglo XXI.

Cabe destacar que las obras de William han sido traducidas y adaptadas de manera escrita en varias ocasiones para que el contexto vaya avanzando conforme lo hace la humanidad; imagínense intentar leer Macbeth o Hamlet en su idioma original, sería una empresa bastante complicada. Pero bueno, yendo al grano, Kurzel (sí, el director que prepara la película de Assassin’s Creed en 2016) hace lo que pocos, atreverse a ser criticado por la academia pero con un filme sólido y con fórmula ganadora.

Que no les extrañe que después de ver esta película –un poco pesada, por cierto– los protagonistas estén envueltos en alguna nominación para ser galardonados en los diferentes festivales de cine, o al menos como deseo personal, sí deseo verlos contendiendo por algo importante.

LA HISTORIA

Macbeth (Michael Fassbender) es un hombre justo, honesto, valiente y bravo General del ejército escocés que al finalizar una desgarradora batalla, es visitado por tres mujeres, brujas, entes, profetas o representaciones metafóricas del destino. Macbeth compartía batallas con su mejor amigo Banquo (Paddy Considine), sin embargo, la aparición de esta extrañas mujeres cambia el panorama de Escocia ya que augura el reinado de Macbeth y a Banquo un nuevo honor y descendencia con esperanzas de realeza, en pocas palabras, engendrará reyes.

A su regreso a casa, Macbeth va directo con su esposa, Lady Macbeth (Marion Cotillard), y le cuenta acerca de las profecías que estas extrañas apariciones le vaticinaron. La esposa de este valiente general es fomentada por estos relatos para tener un hambre enfermo de poder, tanto que busca persuadir a su marido para realizar acciones barbáricas en contra de su rey.

Duncan (David Thewlis), Rey de Escocia, es agradecido con Macbeth, ya que el guerrero dio su espada y valor a favor de la monarquía, por lo que se convierte en uno de los hombres de confianza de Duncan, el thane de Cawdor. Macbeth está a sólo un peldaño para ser rey de Escocia, sólo le falta asesinarlo, aún sabiendo que si fallan pueden ser condenados a muerte.

El resultado final es un hombre incorruptible que termina siendo corrompido por su mujer, toda la honestidad y esos valores fueron suprimidos junto con el asesinato a sangre fría de Duncan en sus propios aposentos y frente a la mirada pasmada de su hijo Malcolm (Jack Reynor), quien logra escapar lejos.

Obviamente Macbeth debe de tener una coartada, pero Macduff  (Sean Harris), thane de Fife, sospecha que algo no anda bien, sospecha de un atentado al rey de Escocia, así que decide emigrar a otros territorios.

Tras este episodio, Macbeth toma el control de la monarquía, siendo acechado constantemente por fantasmas que empujarán a la obsesiva demencia al otrora hombre honesto y que hará todo lo que sea necesario con tal de conservar su prosapia.

LA INSANA MENTE DE MACBETH

Interpretar a cualquier personaje de Shakespeare es un honor para los actores, sobre todo en teatro, y más si hablamos de Macbeth, ya que la bondad minada a través de las palabras de una mujer, sabiendo que  el único responsable de sus acciones es él mismo. El amor que le tiene a ella, a su futura descendencia y a su futuro inmediato lo obliga a cometer contra su voluntad el regicidio.

Su mente está condenada a sufrir los constantes atisbos de espectros que cayeron en sus manos y las epifanías que buscan atormentarlo con cada movimiento estratégico que hace para que su culpa crezca, evidentemente es demasiado tarde. Todo esto sólo lo obliga a ahogarse en su propia locura hasta que ocurra su destino final.

Michael Fassbender consigue dividir por completo las diferentes etapas de personalidad que sufre su personaje durante el largometraje, que por cierto por su mismo dinamismo no necesita estar dividida en actos a pesar de ser una adaptación bastante apegada.

Michael no es el único que evoluciona durante el filme, su compañera Marion Cotillard también tiene una destacada participación al pasar de ser la mala influencia a la mujer arrepentida. A Lady Macbeth la culpa sí la corroe, de ser una cómplice del siniestro se convierte en una testigo de las atrocidades de su marido, atrocidades en serio, tan impresionante como para alcanzar la redención ante la desesperanza. Ambos actores lo hacen grandioso.

DE LA VISTA NACE EL AMOR

Los diálogos de la película son pesados, propias de la obra literaria, pero van acompañados por una fotografía muy exquisita y meticulosa. La mezcla del slow motion, uno que otro flair bien hecho, mucha corrección de color y filtros fríos, van justificados de buena manera mientras procesamos el guión que estamos escuchando, de tal manera que llega a ser una delicia visual que acompaña lo lenta que puede llegar a parecer a algunos la cinta.

Me agradan los encuadres que le realizan a Fassbender para enaltecer su actuación y sobre todo las acciones clave de la trama que desencadenan la ira de Macbeth. Al ser una película cruda, la narrativa visual también se centra en el sufrimiento de las personas, víctimas, sentimientos, sensaciones, un trabajo muy humano y empático.

Claro que hay peleas, distan de ser hollywoodenses –gracias por eso–, pero los combates son breves y épicos; no esperen ver una coreografía al estilo de El Señor de los Anillos o de 300, esto es más real, hechos que sí podríamos ver en una batalla, pero con el temple de guerreros necesario para dar espectáculo. No sólo el guión es drama, también lo es visualmente.

CONLUSIÓN

Macbeth es la muestra de que sí se pueden llegar a hacer adaptaciones buenas de obras literarias a cine. Hay que estar conscientes de que no es lo mismo consumir un producto destinado a la lectura que uno destinado a la televisión o cine, son cosas totalmente diferentes. Justin Kurzel logró realizar algo dificilísimo, el guión es súper fiel a la obra, y aún así nos entrega un trabajo de calidad con actores a la altura.

Revivir uno de los clásicos del escritor inglés hacía mucha falta a pesar que ya la hemos visto en repetidas ocasiones por grandes directores como Roman Polanski o la de Orson Welles, es una historia universal que no le es ajena a nadie, por lo que ustedes podrán sacar sus propias conclusiones acerca de lo similar de la película a la tragedia. La película es estética, te podría parecer cansada si no estás familiarizado con el lenguaje que se utiliza, y su lentitud podría llegar a pesar en algún momento del filme, pero retoma su camino con energía. Una película cruda, fría, algo sádica, con música ambiental (o a veces nada de música) y con actuaciones precisas. Está llena de monólogos que se hacen dinámicos gracias a los cambios de tomas, elemento clave para no hacer difícil la comprensión del filme.

El cine y la industria no se iban a quedar con los brazos cruzados sin tener una película de Steve Jobs que no estuviera a la altura o fuera digna de un personaje tan importante en la historia de la tecnología; fue alguien tan influyente que revolucionó la forma en cómo usamos las computadoras entre otros dispositivos creados por Apple en la actualidad. Después del gran fracaso que fue la cinta Jobs del 2013 con Ashton Kutcher, Universal Studios decidió abordar la vida de Jobs desde otra perspectiva y con un elenco de primer nivel para completar la misión de realizar una buena cinta que contara la vida personal, profesional y el carácter tan fuerte y explosivo que tenía Jobs. Aquí mi opinión.

Tres momentos clave en la carrera de Jobs

Steve Jobs es una cinta que narra tres eventos principales como los más importantes en la carrera del difunto: 1984 presentación de la Macintosh, 1988 presentación de Next (otro sistema de cómputo), y 1998 con la presentación de la iMac. A lo largo de los 120 minutos que tiene de duración es que vemos los momentos de tensión previo a cada una de las presentaciones al mundo y prensa de sus productos. Esto fue retratado de una muy buena manera considerando que Steve siempre acostumbró a millones a seguir de cerca sus keynotes por el peculiar estilo que tenía para conducirlos. Hay muy buenas escenas con tomas de los teatros completamente llenos y las reacciones de la gente en cada uno de los eventos.

Comencemos por el primero, 1984. La cinta fue planeada para explicar de manera clara las tres etapas que definieron el rumbo y vida de Steve como lo había mencionado. A mediados de los años 80 la expectativa era muy alta por la nueva Macintosh, computadora que al final vendió pocas unidades y fue un fracaso comercial que lo llevó a salir de la compañía expulsado por la misma junta debido a la crisis que causó su inversión, la cual era sostenida por la Apple II. Previo a su presentación es donde se introduce el conflicto de la paternidad, de la cual los seguidores de Steve saben que se negó a ser el padre de una niña de nombre Lisa (computadora que nombraría así), concebida con Chrisann Brennan.

Este problema es una de las partes centrales a lo largo de la cinta que nos muestra el conflicto emocional que siempre mantuvo Steve consigo mismo, y la desgastada relación que había entre él y la madre por cuestiones económicas. La historia nos explica cómo es que logra reconciliarse años después con su hija gracias a la insistencia de Joanna Hoffman, jefa de Mercadotecnia y quien siempre estuvo a lado de Steve durante muchos años. Es la única persona que toleró su fuerte y explosivo carácter.

Kate Winslet, una vez más en otro gran papel

Hablando de Joanna, este papel tan primordial no lo pudo interpretar de mejor manera Kate Winslet. La actuación de la ganadora del Oscar es soberbia y quizá es de lo mejor que tiene toda la película. Ante cada situación y momento Joanna es la conciencia de Steve. Kate sin duda se convierte en otro de los protagonistas de la película por su excelente trabajo y la mano derecha de Steve para la comunicación tanto de su persona como de sus productos. Recordemos que la relación con la prensa era fundamental para Steve y Joanna era la encargada de ello.

Continuando con el paso del tiempo, en 1988 nos cuentan el momento en que Steve utilizó el lanzamiento de la computadora Next (de la compañía que fundó él), que más allá de ser otro fracaso en términos comerciales para su carrera y la industria, todo era un plan fríamente calculado durante casi una década para que al final Apple lo viera como su oportunidad de regresar al éxito tras perder presencia y terreno en el mercado que era devorado por competidores como IBM y Windows gracias al sistema operativo que tenía en desarrollo.

Casi una década le tomó a Apple darse cuenta de que necesitaba a Steve de regreso. Una vez conseguido esto, Steve tomaría las riendas de la compañía como CEO para desarrollar el producto que cambiaría por completo la historia de los equipos de cómputo que además de ser eficientes revolucionaron en su diseño y estética. En 1998 Jobs y Apple lanzarían al mercado la iMac, sistema que cambió la historia y rumbo de la compañía que cosecharía muchos éxitos a futuro (que es la actualidad).

Los personajes alrededor de Steve Jobs

Obviamente las intervenciones de otros personajes que fueron fundamentales en la carrera y vida de Steve se hacen presentes en la trama en las diferentes etapas que vivió tanto en Apple como en Next y esos momentos ayudan a conectar cada una de las etapas de Steve y los conflictos que tuvo con algunas de las personas que trabajo de cerca a lo largo de los años. Por ejemplo, Steven Wozniack (interpretado por Seth Rogen), tiene fuerte presencia a lo largo de la cinta para contarnos cómo es que en algún momento ambos tomaron caminos diferentes para después tener un enfrentamiento durísimo en cuanto al papel que cada uno jugó en Apple. Si bien relacionamos a Seth Rogen con papeles en películas de comedia, aquí se sale de su zona de confort para realizar una buena actuación.

Otro de los personajes que tiene un papel relevante en la cinta es el de John Sculley (interpretado por el gran Jeff Daniels). Sculley llega a Apple gracias a Steve para ser CEO y era reconocido por su gran trabajo al frente de la marca Pepsi y por elevar las ventas de la misma en aquella década. Si bien lo contado en la película dista de estar apegado a la realidad de cómo ocurrieron las cosas, vemos cuál fue el papel que jugó Sculley en la tensa salida de Jobs de Apple y que nunca lograron reconciliar las cosas. De hecho, hasta la fecha el mismo John se arrepiente de no haber recuperado la amistad con Steve antes de que falleciera.

La difícil tarea de Fassbender al interpretar a Jobs

Steve Jobs era una persona difícil, complicada. Era un visionario. Sin embargo, muchos de los que trabajaron con el han dicho que además de tener un fuerte temperamento, a veces carecía de las mejores formas de trato con las demás personas pero también se ha dicho que era un motivador excepcional y que gracias a ello es que Apple logró crear tantos producto tan innovadores. Michael Fassbender hace un estupendo trabajo en cuando a la actuación e interpretación. Puede que la caracterización no sea lo más importante pero se nota que el actor estudio a fondo tanto la personalidad como ciertos gestos que tenía Steve. A lo largo de la película logra transmitir la ambición y pasión que tenía en cada uno de sus proyectos. De hecho, se veía así como el director de una orquesta sinfónica, así lo define en una de las partes de la cintas y lo perfeccionista que era en todo momento.

El gran resultado de Danny Boyle y Sorkin

Algo a destacar es el estupendo trabajo en términos de dirección y guión. Se nota el gran talento tanto de Danny Boyle (Trainspotting) como de Aaron Sorkin (Social Network) para lograr realizar una cinta dramática, con un gran peso en la personalidad de cada uno de los protagonistas en las distintas situaciones. De las cosas que mejor hace Steve Jobs es justo en dirección y cómo retrata cada momento importante gracias a un muy buen trabajo también en la fotografía. Quizá el único aspecto que se queda por debajo de los anteriores es la parte sonora ya que nos hubiera encantado ver algo del estilo de lo que fue en Social Network de hace algunos años.

Realidad o ficción

Uno de los puntos por los que ha sido criticada la película es por la falta de veracidad en cuanto a los hechos y situaciones que se retrata en la cinta. Muchos de los personajes están lejos de la realidad según allegados a Steve y a la compañía en aquel entonces. Incluso Steven Wozniack como John Sculley y Chrisann Brennan han dicho que las cosas no sucedieron como se contaron en la película. Sin embargo, el mismo Aaron Sorkin tuvo varias pláticas con Lisa Brennan-Jobs (hija de Jobs), para conocer detalles importantes que plasmaría en la realización del guión.

Comentarios finales

Steve Jobs es una gran cinta gracias a las actuaciones y dirección. De eso no hay duda. Boyle logró crear una estupenda película de alguien que fue tan importante y que revolucionó la industria de la tecnología y computación. Sin embargo, el fundamento de falta de veracidad en lo hechos es uno de sus aspectos negativos que deben considerarse. Pero debemos entender que a lo largo de la cinta se mantiene el drama y tensión en cada una de las situaciones y momentos presentados pero también decidieron sólo concentrare en tres momentos particulares para contar la trayectoria de Steve y su papel en Apple.

No cuenta nada de su pasado, cómo fue que fundó Apple, ni se muestra mucho de las reuniones y juntas creativas que tenía con cada uno de los equipos. Es una película enfocada totalmente en él, en su forma de ser, de pensar y los preparativos previo a cada una de las presentaciones de productos y los problemas a solucionar que surgían antes de éstas. A pesar de que carece de argumentos, más material y omitir momentos de su vida como CEO, la cinta brilla por cómo retrataron a Steve Jobs en ciertos momentos y su filosofía de ver y entender la vida según su perspectiva.

Hace veinte años la historia del entretenimiento y de la animación se transformó cuando en los cines recibimos Toy Story, cinta animada que no sólo fue un parteaguas por ser el primer largometraje producido por completo con animación tridimensional por computadora, sino que también nos presentó una conmovedora, divertida y fresca historia que tendría madera para ser explotada por más de dos décadas mientras se veía crecer a una generación completa. El equipo detrás del guión original de Toy Story fue semillero de un equipo de ensueño de directores de cine que nos han demostrado que cuando vemos la palabra “Pixar” en el título de una cinta, es sinónimo de verdadera calidad en todos los sentidos, películas que suelen rozar las calificaciones perfectas y que son razón suficiente para que un un momento de su historia, los estudios animados de Walt Disney en crisis optaran por comprar a Pixar y poner a su líder creativo, John Lasseter, a la cabeza de todos los estudios de animación de Disney.

Teniendo lo anterior como escenario, es emocionante saber del estreno de una nueva cinta de Pixar, pues aunque el estudio ha tenido sus tropiezos es difícil verles cosas negativas entre sus trabajos. Este 2015 es la primera vez en que Pixar publica dos cintas en un solo año, y eso se debe a que The Good Dinosaur fue un proyecto que se retrasó en varias ocasiones hasta que finalmente la semana pasada se estrenó en los cines.

The Good Dinosaur es la primer película en la que el artista y actor de voz Peter Sohn toma el rol de director, para que se den una idea de sus trabajos, además de colaborar como story artist en una muy amplia variedad de películas de Pixar, Sohn fue director del cortometraje Partly Cloudy, aquella historia en que un grupo de cigüeñas repartían una gran variedad de cachorros a sus familias en el reino animal.

La combinación de dinosaurios conviviendo con humanos no es algo nuevo pero sí el punto de partida para esta nueva cinta de Pixar, sobre el papel suena muy bien pero ¿qué tal la ejecución ya sobre la cinta? En esta reseña te platicamos sobre los aciertos y errores de la película.

Dinosaurios parlanchines y miedosos

La propuesta de la película gira en torno a que el meteorito que impactó la tierra y causó la extinción de los dinosaurios en realidad no tocó el planeta y en lugar de ello pasó de largo para dar paso a una realidad alterna en la que los dinosaurios viven mucho más civilizados, con conductas como el uso de la agricultura, administración de ganado y muchas otras actividades que podríamos relacionar con los primeros humanos de la tierra, en este caso abordado más en el tono de un clásico western. De entrada todo lo anterior puede sonar sumamente absurdo, pero va por completo con la magia de Pixar de animar lo inanimado y civilizar lo incivilizado: juguetes, automóviles, ratas, peces, etc.

Sin hacerles spoilers la historia se centra en Arlo, un apatosaurio que vive con su familia pero diversas situaciones lo llevan a separarse de su lecho de confort para enfrentarse a un viaje en el que tendrá que superarse a sí mismo para sobrevivir; en ese viaje se topa con varios simpáticos personajes, incluyendo un pequeño niño humano que tiene toda la actitud de ser su mascota, con animaciones que más que recordarnos a un humano podrían compararse con las de un perrito.

El mercado al que ataca esta producción es definitivamente el infantil, y aunque cintas recientes del estudio como Inside Out logran ese perfecto equilibrio entre poseer elementos que lleguen a los adultos en específico mientras se envuelven en una historia familiar, The Good Dinosaur si parece haber volcado por completo su atención ante las audiencias conformadas por los más pequeños de la casa. Como siempre en estas cintas hay una moraleja, y en este caso nos encontramos con una historia que posee un par de momentos desgarradores no tan bien abordados como en otras cintas de Disney o Pixar pero que finalmente dejan al expectador con un mensaje dirigido por completo a la reflexión sobre el significado del miedo, su importancia en nuestras vidas y la manera en que debemos de superarlo para poder salir adelante ante cualquier situación.

En la película reconocemos errores y aciertos, vamos pues primero con las malas noticias.

Las malas noticias

El peso que carga The Good Dinosaur en sus hombros no es muy ligero luego del legado de Pixar, es más, resulta difícil la recepción de la cinta luego de que apenas hace unos meses recibiéramos Inside Out con resultados sumamente positivos. Aunque pudiéramos pensar que esa fue la razón por la que esta nueva cinta nos dejó sabores mixtos, se debe más bien a errores básicos en algo tan importante como el guión de la película.

Cuando vemos los personajes, la historia y la ejecución general de The Good Dinosaur en la pantalla grande nos damos cuenta por qué la película fue retrasada tanto tiempo, algo no funcionaba bien y terminó de todos modos fallando en el resultado final.

Vámonos por partes.

En primer lugar el protagonista de la historia dista muchísimo de compararse con esos personajes de Pixar que han marcado no sólo la historia del estudio, sino ya la de Disney como empresa en general. Con una personalidad que resulta en muchas ocasiones hasta desesperante –con una voz que definitivamente no le ayduda–, Arlo intenta representar la manera en la que el miedo no controlado puede causarnos fuertes problemas, pero a lo largo de los minutos de la cinta y con todo y que el personaje va madurando poco a poco no llega a enamorarnos como lo han hecho otros personajes del estudio.

El guión en general de la película se siente roto, lo que deriva en una historia entretenida pero para nada memorable ni tan sobresaliente como el de otras cintas de Pixar que han sido realmente un parteaguas por su historia entre las películas animadas contemporáneas. Tiene momentos desgarradores y que nos recuerdan a cintas como The Lion King o The Jungle Book pero la diferencia es que la ejecución de esos picos de la historia no se compara con la manera en que los vimos en las cintas mencionadas.

Dicho lo anterior tenemos la historia de un viaje en el que los villanos están prácticamente ausentes y cuando aparecen son casi completamente olvidables mientras que los protagonistas aunque llegan a tener destellos de la construcción característica de Pixar, no logran cuajar como hubiéramos deseado. En ocasiones la cinta parece ser un western con granjeros y cuatreros, en otros momentos busca ser sumamente conmovedora, su humor cambia radicalmente con momentos extrañísimos que nos agradaron pero que no terminamos de entender cómo podrían haberse condensado en una historia completamente sólida.

Dicho lo anterior nos encontramos en que lo que aleja a The Good Dinosaur de las calificaciones que rozan la perfección en otras cintas del estudio es un guión que claramente cuenta con deficiencias que resultan en una película que si bien es divertida en varios momentos puede no ser tan enganchante ni interesante. Se siente extraño porque en ese guión fragmentado hay partes que pintaban para conformar una historia memorable, de esas que siempre le aplaudimos a Pixar, pero al final se ve que muchos elementos se salieron de control y no se sabe muy bien a qué dirección quisieron ser llevados.

Las buenas noticias

Fuera de lo anterior, The Good Dinosaur es una película técnicamente impecable, a tal grado que nos sorprende el nivel que ha alcanzado el estudio de Disney en su animación. Desde las texturas, efectos climáticos, el agua, nubes, hierba, animaciones faciales y otra gran cantidad de elementos, no podemos dejar de reconocer lo maravillosamente bien que luce la cinta.

No exagero si digo que The Good Dinosaur tiene quizá los mejores paisajes que he visto en una película animada y que reflejan la calidad no sólo del equipo de dirección artística de Pixar, sino también de la tecnología que hace posible estos impecables escenarios que nos hacen que lo que más se disfrute de la película sean precisamente esos momentos de contemplación de los entornos que nos transmiten esa esencia que ha hecho grande al estudio. Combinemos lo anterior con un soundtrack adecuado y el resultado son tomas que podrían hacernos olvidar por unos minutos las evidentes fallas que resaltábamos en los párrafos anteriores.

Otro elemento que me gustó y que se me hace por lo general algo muy acertado en las películas de Pixar son los momentos en los que la comunicación verbal pasa a un segundo plano y todas las expresiones de una escena pasan al simple lenguaje corporal de los personajes. Dejando a un lado la personalidad de algunos personajes que no nos agradó bastante, me parece que el humor en general tiene momentos bastante agradables y que van en la línea de Pixar que tanto nos agrada, eso también es una ventaja que se disfruta abundantemente.

En general, aceptable

No puedo decirles que The Good Dinosaur es una mala película porque sería mentir, de hecho, puedo decirles que disfruté la cinta como un buen momento familiar y estoy seguro que será agradable principalmente para una gran parte de la audiencia infantil que se quedará con una buena moraleja como ya es costumbre en las películas de Disney. Con momentos conmovedores, cómicos y divertidos la película se apega a lo que podemos esperar de una cinta de la empresa de Mickey Mouse y es algo que para muchos –yo me incluyo– puede ser sumamente disfrutable.

En la otra cara de la moneda, The Good Dinosaur sí nos deja algunos vacíos que se sienten todavía más resaltados por el tipo de películas que nos suele entregar Pixar desde el punto de vista de su guión y su narrativa; entre las películas contemporáneas del estudio podría estar entre las más olvidables y sus personajes entre los menos memorables.

Me gusta mucho que The Good Dinosaur conserva la calidad técnica y dirección artística que han hecho que las obras del estudio sobresalgan entre todas las cintas animadas del mercado, pero también me gustaría que la innovación y la construcción del guión mejorara en futuras producciones para tener de nuevo esas historias inolvidables a las que nos tiene acostumbrados Pixar.

La recomiendo para disfrutarse en familia, pueden pasar un rato agradable y si son fans de Pixar conviene que le den una oportunidad en la pantalla grande siempre y cuando consideren que no se encuentra entre las más grandes obras del estudio.

Una carta de amor a los fanáticos

Al igual que en prácticamente todos los medios de entretenimiento allá afuera, el cine es fuertemente criticado por su supuesta falta de ideas frescas y originalidad, sobre todo si hablamos de algo como Hollywood. En muy buena parte, existen argumentos sólidos para sostener lo anterior, pues vemos a las productoras más importantes del mundo aplicando la misma fórmula una y otra vez, causando que ciertos nombres que gozaban de respeto dentro de la industria, se vayan desgastando poco a poco. Hace no mucho, Star Wars cambió de manos a unas por demás cuestionables como los son las de Disney, sin embargo, con The Force Awakens, la casa de Mickey Mouse nos demostró el gigantesco respeto que tiene por la saga cinematográfica más importante de todos los tiempos.

Como fanático de esta franquicia desde que tengo uso de memoria, mi emoción por el famoso Episode VII se mezclaba continuamente con una preocupación por lo que se pudiera intentar con esta nueva era para Star Wars, pues el reto era por demás complicado en todo sentido. Para mi grandísima fortuna y la de millones que quieren con especial cariño a las creaciones de George Lucas, J.J Abrams fue el hombre correcto para revivir de manera épica a una de las mejores historias que jamás se nos haya contado, dejando claro la forma en la que se puede dejar satisfecho a los viejos seguidores, atraer nuevos y encima de todo eso, entregar una película brillante por donde se le vea.

El review que estás a punto de leer está completamente libre de spoilers, cosa que para serte sincero, me costó mucho trabajo lograr. De hecho decidí hacer casi completamente de lado el tema de la sinopsis, pues pienso que lo mejor es contarte cómo fue mi maravillosa experiencia con The Force Awakens.

Sin poder respirar ni un segundo

Creo que no hay mejor manera de comenzar con esta crítica que hablándote del guión y la forma en la que lleva la narrativa de toda la cinta. Esta parte, muy probablemente era la que menos nos debería de haber preocupado desde un inicio, pues estaba a cargo de nadie más ni nadie menos que de Lawrence Kasdan, quien se convirtió en leyenda por su trabajo con Star Wars: The Empire Strikes Back.

“Es como subirte a una montaña rusa” es la mejor manera de describir lo que uno vive en The Force Awakens. La película simplemente no se detiene un segundo. Cada escena, cada diálogo y cada momento de ella es interesante. Cuesta trabajo poder procesar todo lo que se pone en pantalla, pues cuando uno apenas te estás recuperando de cierto impactante evento, el siguiente ya está sobre ti.

La historia es simplemente brillante y encaja a la perfección con todo el universo ya establecido antes de The Force Awakens. Cuando Episode I, II y III fueron estrenados, muchos se quejaron de se sentían como si hubieran sido hechas para otra saga y, a pesar de que no con concuerdo totalmente con dicho asunto, te puedo decir que este Episode VII es una secuela genuina de lo que vimos a finales de los años setenta e inicios de los ochenta.

Estoy seguro que al igual que todo el trabajo de Kasdan, el guión y en general la forma en la que The Force Awakens lleva la narrativa, serán objeto de estudio para todos los que estén interesados en el tema. Es un deleite la forma en la que cada uno de los eventos se va entrelazando con su predecesor y con su sucesor, esto mientras normalmente, encuentra conexión perfecta con todo el universo de Star Wars.

Seguro que esto te sonará por demás trillado y desgastado, pero Star Wars: The Force Awakens es una cinta en la que literalmente -subraya “literalmente”- lloras, te ríes, saltas del asiento de emoción y tu piel se pone de gallina gracias a las tonadas de la épica música creada por John Williams.

Te repito. No importa qué tan avanzado seas en el tema de Star Wars, el guión y cómo es que éste se va desenvolviendo a lo largo de 135 minutos, teniendo varios plot twists que te volarán la mente, es verdaderamente magistral. Simplemente me faltan adjetivos y palabras en general para describirte lo genial que es esta película si se le analiza desde ese punto.

Perfecta conjunción entre lo nuevo y lo clásico

Como te comentaba al inicio de este review, Hollywood se encuentra en una franca tendencia a revivir absolutamente todo lo que esté a su alcance, pues la nostalgia es un muy poderoso aliado de todo lo que tenga que ver con comercializar un producto; sin embargo, existen formas de conseguir que cada elemento de un proyecto de este tipo, conviva sanamente.

Star Wars: The Force Awakens consigue justamente eso; es decir, que los nuevos conceptos que son introducidos para esta trilogía, encajen a la perfección con los ya instituidos, mismos que muchas veces son considerados como sagrados por los fanáticos más añejos.

Por supuesto que lo más representativo y tangible de todo lo anterior son los personajes. Aquí, conocemos a individuos como Finn, el cual, es utilizado como hilo conductor y de conexión de una manera que pocas veces vemos en el cine. La forma en la que éste funciona es verdaderamente curiosa, pues básicamente podríamos decir que es el representante de todo aquel que no estaba tan al pendiente de lo que es Star Wars, pero que a la vez, consigue ganarse el corazón de los que ya llevan tiempo en esto.

A lo que me refiero es que Finn es un personaje que normalmente, no sabe qué es lo que está haciendo, ni siquiera tiene claro por qué es que está en cierta situación. Poco a poco va descubriendo cuál es su papel en todo este universo pero sobre todo, va conectando a otros personajes entre ellos. Es bastante complicado poderte dejar este punto tan claro sin meterme con los famosos spoilers, pero espero que me haya dado a entender.

La otra nueva adición es Rey. Este personaje es absurdamente interesante y estoy seguro, será tema central de que quienes ya vieron The Force Awakens. Creo que si estás buscando cómo es que un personaje se debe desarrollar a lo largo de una historia, ésta es una más que perfecta opción, pues además de ir creciendo casi al mismo tiempo que toda la narrativa de la cinta, se va volviendo más y más compleja. Prepárate para enamorarte profundamente del trabajo de la bellísima Daisy Ridley.

A pesar de que Finn y Rey se han convertido en unos de mis favoritos de todo Star Wars, creo que la sorpresa se la llevó Poe Dameron interpretado por Oscar Isaac. Cuando este personaje fue presentado en los avances y tráilers de The Force Awakens, pensé que sería un piloto más de la franquicia que al final, aportaría muy poco si de trascendencia real hablamos; no obstante, me alegra decirte que estaba completamente equivocado.

Al igual que con los otros dos, me encantaría poderte platicar mucho más sobre Poe, pero lo mejor será que lo vivas por ti mismo. Lo que sí te puedo decir es que la forma en la que está escrito este personaje y cómo es que interactúa con su entorno, harán que fácilmente se convierta en uno de los más queridos y hasta de culto de toda la historia de Star Wars.

Durante The Force Awakens conocemos a muchos más seres que jamás habíamos tenido la oportunidad de ver, cada uno con su propia esencia que nos causa querer saber más de ellos en cuanto tengamos la oportunidad. ¿Y, BB-8? Este androide es una autentica maravilla que se ganará tu amor en un minuto. No diré más de este héroe redondo que sin duda alguna, se ha convertido en un nuevo ícono de Star Wars.

Mención honorífica para Maz Kanata, personaje de Lupita Nyong’o que simplemente no pudo haber estado mejor logrado.

Sí, tenemos nuevos personajes que en poco tiempo se convertirán en leyendas de esta saga, pero ¿cómo fue el regreso de los héroes que nos han acompañado por tanto tiempo en cientos y cientos de interpretaciones de Star Wars?

Para no hacerte el cuento tan largo, te diría que la respuesta a la anterior pregunta se resume en una palabra: “épica”. Esto no lo digo solo por el maravilloso fan service que tenemos constantemente, más bien lo digo porque cada uno de ellos se siente perfectamente conjugado con la nueva historia y nuevos personajes, logrando que como espectadores, nos podamos dar cuenta fácilmente de que nos encontramos frente a leyendas vivientes que aún tienen mucho que dar.

Leia es sensacional, Han Solo y Chewbacca se robarán de nueva cuenta tu corazón, C3PO te llevará de regreso al pasado, mientras que Luke y R2-D2… bueno de estos dos mejor no te digo nada, pues te estaría arruinando The Force Awakens completa. En resumen, puedes estar completamente tranquilo si es que te preocupaba que a estos personajes se les faltara al respeto de alguna forma, pues pasa todo lo contrario, son honrados magistralmente por el equipo de J.J Abrams.

Imponentes villanos

Puede que los héroes sean muy amados por los fanáticos, sin embargo, si te pones verdaderamente objetivo, te das cuenta de que en realidad, los villanos son los que marcan el rumbo que han tomado cada una de las entregas de Star Wars, incluso en cosas fuera del cine como los cómics, series de TV o videojuegos.

Simplemente no podemos comenzar a hablar del lado obscuro de The Force Awakens de otra manera. Kylo Ren es la nueva amenaza para toda la galaxia que le hace justicia al hype que se creó a su alrededor desde que lo conocimos en ese primer avance en video. Su presentación es magistral, pues sirve para dejarnos muy claro cuáles son sus capacidades como individuo, pero sobre todo como antagonista.

Como seguro ya sabes o te imaginas, su identidad es uno de los plot twits más importantes de la película, incluso me atrevería a decir que de toda la franquicia. Su actitud, acciones y hasta forma de hablar y caminar, lo hacen uno de los villanos más brillantes que jamás me haya tocado ver en el cine. Tenía mucho tiempo que no de los llamados “malos” no me hacían sentir miedo y odio hacía él de manera tan genuina.

Por su parte, General Hux se siente justo como lo es: un apasionado y muy radical líder de la First Order que sueña con ver el regreso del Imperio Galáctico y la instauración del fascismo en la galaxia de nueva cuenta. Hablando de esta más que interesante nueva facción antagónica, creo que su verdadera esencia y el temor que provoca, reside en el arma que tiene a su disposición, misma que cuando seas testigo de sus capacidades, creeras que la Death Star era una mala broma. Me encanta cómo es que el concepto de súper villanos con súper armas, puede ser explorado de nueva cuenta en Star Wars sin sentirse predecible o desgastado.

Tal vez el único “pero” sería Captain Phasma, personaje del que según yo, se esperaba mucho más de lo vimos en Episode VII. Como sea, sospecho que será bastante más importante en las siguientes dos cintas.

Puede que Rey y Kylo Ren sean personajes que darán mucho de qué hablar, no obstante, creo que si nos referimos a grandes incógnitas de The Force Awakens, simplemente no hay una más importante que la de Snoke, Supreme Leader de la First Order que toma el papel de Palpatine como el titiritero que está detrás de todo el argumento no solo de la película, sino de la trilogía entera. Este villano es brutalmente misterioso y a la vez interesante. Lo anterior lo digo porque en sus breves apariciones, cada uno de sus diálogos responde preguntas, pero abre una decena más de ellas.

Simplemente no podría estar más contento con los villanos que nos fueron presentados en The Force Awakens, pues cada uno de ellos se siente adecuado, bien escrito pero sobre todo, perfectamente bien ejecutado. Así deben ser los antagonistas, que te hagan sentir algo en el estómago cada vez que aparecen.

Técnicamente impecable

Los efectos especiales siempre han sido uno de los puntos centrales en cada una de las entregas de Star Wars. Con la segunda trilogía, vino la fuerte crítica de que se abusó de la tecnología CGI para crear los escenarios en los que se desarrolla todo, pues por momentos, nos hacía sentir que la situación era bastante artificial. Al ser una cinta de 2015, The Force Awakens echa mano de esto, sin embargo, también utiliza un montón de técnicas clásicas que seguramente, muchos agradecerán.

La fotografía, dirección de arte, mezcla de sonido, edición y prácticamente todos los departamentos técnicos de Episode VII, son impecables y muy difícilmente encontraremos algo qué reprocharles, pues como te decía, se consiguió un balance perfecto entre stunts, explosiones reales y modelos de cosas como el Millenium Falcon totalmente tangibles, con el uso del CGI para crear personajes y escenarios enteros.

Cada una de las escenas de acción te tendrá al borde del asiento gracias a su magnífica ejecución por el excelente uso de recursos cinematográficos escogidos en los momentos exactos, como lo son estos violentos zooms a cierto objeto distante que nos hace sentir como si estuviéramos viendo un video casero.

Durante los primeros minutos de la cinta, vemos una persecución absurdamente emocionante, de hecho no recuerdo ninguna otra secuencia de este tipo que me haya asombrado de tal manera. Lo anterior es una constante a lo largo de toda la película.

Puede que la Academia de Ciencias Cinematográficas en toda su sabiduría -sarcasmo- decida no premiar a The Force Awakens en categorías artísticas, pero en las técnicas, simplemente no tiene contendiente. No importa si eres de los que no gusta de Star Wars, vale la pena pagar un boleto con tal de experimentar algo como es esta nueva entrega.

El potencial narrativo que deja es insuperable

Al tratarse del inicio de una trilogía completamente nueva, el terreno que dejará The Force Awakens es uno de los puntos en los que más nos tendríamos que fijar, pues sobre él, se construirá el resto de la historia.

Como te comentaba hace unos párrafos, la cantidad de incógnitas y cabos sueltos que deja Episode VII es verdaderamente considerable. Lo mejor es que prácticamente todos ellos, pintan para tener un desenlace por demás épico. Obviamente que no podemos tocar este tema sin meternos con spoilers, por lo que creo que será mejor dejar esto para otro tipo de contenido. Lo que sí te puedo decir es que esta cinta deja todo listo para un arco histórico que no tengo duda, será memorable en todo sentido.

Me resulta casi imposible poder predecir cuál será el rumbo que tomará la narrativa en Episode VIII, sin embargo, ya tengo algunas teorías que valdría la pena tocar en un futuro. Como sea, creo que podemos estar completamente seguros de que a pesar de que J.J Abrams no estará como director en las siguientes cintas, el terreno y las bases son tan sólidas, que las otras personalidades que estarán a cargo, tan solo tendrán que ejecutar las ideas ya establecidas para que la cosa no baje de calidad.

La novena sinfonía de J.J Abrams

Después de habernos entregado un montón de cintas de ciencia ficción que rápidamente se volvieron de culto, creo que oficialmente podemos decir que J.J Abrams es una leyenda del género que está entre nosotros. ¿Cuántas personas pueden decir que revivieron con mucho éxito Star Trek y Star Wars?

El trabajo de este director y de todo su equipo con Star Wars: The Force Awakens es por demás sobresaliente y destacable. Episode VII es la mejor película que he visto en los últimos cinco o seis años sin temor a equivocarme, incluso puede que me esté quedando corto. Un guión supremo, narrativa fantástica, nuevos personajes memorables, el épico regreso de los clásicos, técnicamente impresionante y muchas otras cosas más, hacen de esta cinta una verdadera obra maestra la cual, simplemente no puedo esperar para ver decenas de veces más.

¡Star Wars no pudo haber regresado de mejor manera!

*Por favor, ten respeto de quien no ha tenido la  oportunidad de verla y evita poner spoilers en los comentarios.

No hay nada más adecuado que sentirse niño en navidad, sin importar lo que te haga volver a esa inocencia de la infancia, por lo que nos sentimos contentos de cerrar muy bien el año con una película que le hace justicia a su legado. El pasado 25 de diciembre se estrenó en los cines The Peanuts Movie, y su toque inocente acompañado del planteamiento de situaciones cotidianas de la infancia quedaron muy acorde con la época del año en que la cinta llegó.

Quizá fue el cuidado de los propios herederos del legado de Charles M. Schulz lo que desembocó en que esta película se sienta completamente fiel y apegada al trabajo de los cómics de Snoopy y Charlie Brown. Seis años después de que se lanzara el último cómic original de Peanuts y de la muerte de su creador, su hijo Craig Schulz le presentó la idea de una película inspirada en el trabajo de su padre a su hijo guionista Bryan Schulz, de esta manera la familia del creador del cómic llevó la idea a BlueSky Studios (Ice Age, Rio) para su desarrollo pero bajo la condición de que ellos deberían estar completamente a cargo del control de calidad de esta producción. Así la cinta que dirigió Steve Martino (Ice Age: Continental Drift)resultó en un trabajo tan limpio y fino del que seguramente el mismo Charles M. Schulz estaría completamente orgulloso, una reinterpretación de las planas tiras del cómic clásico que tanto en su animación como en su guión respetan el legado de tan importante ícono en la industria del entretenimiento.

El paso perfecto del 2D al 3D

Lo que más llama la atención de The Peanuts Movie es lo bien lograda que está su animación, y aunque muchos temíamos por la forma en que se vería la adaptación del mundo bidimensional de Charlie Brown al 3D, el resultado fue bastante satisfactorio. Con un estilo propio y colorido, el equipo de BlueSky logró de forma muy fina introducir profundidad a los personajes planos de Schulz en una cinta que de forma muy acertada conserva las expresiones y animaciones clásicas de los personajes como si los personajes hubieran saltado directamente del cómic a la pantalla. Esas expresiones exageradas y graciosas de Charlie Brown, Snoopy, Woodstock y todos sus amigos se conservan en una película a la que además se agrega una actuación de voz bastante decente para dar vida en la pantalla grande a los personajes.

Humor blanco y guión digerible

En la película se entrelazan dos historias llenas del humor clásico de la serie, una por el lado de la cotidianidad de Charlie Brown y la otra completamente imaginativa en la mente de Snoopy. Charlie Brown es el típico niño sin suerte al que todo lo malo le pasa pero tiene un gran corazón y su fiel perro Snoopy que en ocasiones inclinan la balanza a su favor; la película nos presenta una historia de Charlie cuando a su pueblo llega un nuevo personaje que le transforma la vida con situaciones que a todos alguna vez nos pasaron cuando éramos niños. Al igual que en los cómics no estamos ante historias dramáticas o grandes plot twists, sino que simplemente nos enfrentamos a la vida diaria de un grupo de niños que nos presentan diversas situaciones desde la perspectiva infantil que se tiene de los adultos de forma muy cómica; Charlie y sus amigos son como un pequeño ejemplo de una sociedad de gente madura pero con el toque inocente y gracioso de los niños.

Mientras que la historia de Charlie nos hace reír a los adultos con sus peripecias y deja a las jóvenes audiencias un gran mensaje de hacer siempre lo correcto por tus amigos, la historia que se imagina Snoopy y se mezcla con la película nos presenta grandes cantidades de humor blanco muy bien pensado. Tanto Snoopy como Woodstock y los demás pajarillos son personajes mudos, por lo que recurrimos al humor clásico que se deriva de las simples animaciones y expresiones de los personajes en situaciones que nos recuerdan los clásicos dibujos animados mudos que nos contaban una historia sin la necesidad de una sola palabra; en la cinta tampoco hay la necesidad de recurrir al humor simplón y absurdo que suele abarrotar las producciones animadas contemporáneas.

En general se siente un guión bastante coherente y fiel a la serie derivado del trabajo de Craig y Brian Schulz.

Diversión para chicos y grandes

Quienes le siguieron la pista a los cómics de Peanuts en su tiempo se sentirán como en casa con esta película que está plagada de fan service, por lo que resultará atractiva para un público adulto que creció con los clásicos cómics y que reconocerán a cada uno de los personajes del cómic de más de 60 años de antigüedad con los rasgos únicos de sus personalidades que enriquecen el humor de la cinta.

Por otro lado, la temática general de la película apela a las generaciones más jóvenes y les presenta por qué Snoopy y Charlie Brown sobrevivieron al paso de los años y se convirtieron en un ícono de la cultura popular. Su formato simple y digerible busca que los personajes de Schulz trasciendan hacia una nueva generación sin dañar el toque muy fino de la fuente original.

Comentarios finales

Simple, inocente y divertida. La adaptación de los cómics de Charlie Brown a esta nueva película animada de Blue Sky Studios brilla en su animación, su guión, su humor y su ritmo. Tanto chicos como grandes podrán disfrutar el lenguaje del humor simple y bien encaminado que resulta en un festival de risas de inicio a fin con una historia que en lugar de buscar ser dramática o conmovedora resulta interesante por retratar episodios cotidianos al puro estilo del poco suertudo Charlie Brown.

Entre las bondades más altas de la cinta está el conservar esas animaciones planas y bidimensionales que hicieron brillar los cómics que nos quedaron como legado de Charles M. Schulz, al tiempo de tener un guión bien cuidado por su hijo y su nieto que le hace justicia a la esencia de la serie. Retratar la inocencia de las distintas situaciones cotidianas que nos muestra y hacernos sentir niños a los adultos es un gran mérito que merece reconocimiento.

No podemos omitir también el gran trabajo en el soundtrack de la película por parte de Chritophe Beck y el pianista David Benoit, que con piezas orquestadas finas y toques de Jazz le dan el sazón adecuado a la inocente historia que se nos presenta.

Sin duda una de las mejores películas animadas que nos dejó 2015 y perfecta para esta temporada, completamente recomendable.

El instinto primario de Iñárritu

La carrera y en general la vida de cualquiera que se quiera dedicar a hacer arte, normalmente está más llena de tragos amargos que de momentos dulces, esto gracias a la misma naturaleza de los medios, los cuales, son cápsulas de elitismo muy bien definidas que, para rematar, dependen en gran forma de un motor comercial que constantemente los está empujando a horizontes no tan deseables. A pesar de ser más una industria que un circulo artístico como tal, Hollywood cumple con varias de las características antes mencionadas, mismas que de una u otra manera fueron superadas por Alejandro González Iñárritu, prueba de ello es The Revenant, su más reciente propuesta cinematográfica.

Si a todo lo anterior le añades la incompresible, pero enorme desventaja de ser mexicano gracias a los prejuicios que siguen muy arraigados dentro de la cultura estadounidense, es inevitable pensar que en efecto, Iñárritu está haciendo algo verdaderamente bien para haberse ganado la posición de privilegio que actualmente ocupa. The Revenant es una muy buena película que cumple en prácticamente todos sus aspectos, sin embargo, algunos vicios de su director, que buscó encontrarse con su forma más primaria como cineasta, la frenan de ser una obra verdaderamente redonda, y ni hablar de haber superado a la más que maravillosa Birdman.

Interesante narrativa sobre un guión simple

Para la mayoría de las personas, simplemente no hay aspecto más importante en el cine que las historias que nos cuenta y cómo es que nos las cuenta, dejando de lado un poco aspectos artísticos secundarios y técnicos, cosa que se me hace un poco irresponsable, pero no del todo incorrecta.

The Revenant está ambientada en el nevado y muy bello noreste de Estados Unidos alrededor del año 1820. La historia gira alrededor de Hugh Glass (Leonardo DiCaprio), un cazador y explorador experto que se encuentra trabajando para una compañía americana que intenta extraer recursos de la región, esto mientras grupos nativos también luchan por el control de varias de estas regiones.

Tras una escena más que increíble en donde una tribu indígena ataca el campamento de los estadounidenses y de la cual, te hablaré a detalle más adelante, el protagonista sufre el ataque de un oso grizzli que lo deja muy mal herido. Debido a esto, sus compañeros sobrevivientes no tienen más opción que abandonarlo a su suerte para ellos poderse salvar. Durante dicho acontecimiento, sucede algo clave para la historia que le da forma a todo el argumento de la película, el cual, me atrevería a decir que se basa en la figura de John Fitzgerald, antagonista interpretado magistralmente por Tom Hardy.

The Revenant es una historia de venganza y supervivencia que cuenta con una ejecución verdaderamente destacable en casi todo sentido; no obstante, cuando uno se detiene a pensar las cosas por un segundo, te puedes dar cuenta que muchos elementos de esta área, se han visto una y otra vez en el cine, esto sin mencionar que desde el segundo en el que la narrativa toma rumbo, sabes perfectamente cómo será su desenlace.

Siempre he sido de los que defienden la idea de tener guiones simples pero muy bien estructurados. The Revenant hace justamente eso, pero de alguna forma, consigue hacernos sentir que algún giro inesperado o alguna sorpresa le hubieran venido bien a la película en general. Sé perfectamente que la historia está basada en hechos reales, sin embargo, me es imposible no imaginarme a un Iñárritu con ganas de salirse de la caja para presentar algo que tomara por sorpresa a su audiencia.

No me mal interpretes, The Revenant cuenta con varios momentos muy emocionantes que seguro te harán brincar del asiento en el cine. Es verdaderamente impresionante como es que te hace sentir en contacto con el lado más primitivo del hombre y cómo es que este tiene una gigantesca capacidad para aferrarse a la vida.

Todo el tema de la respiración y preservación del ser son de suma importancia para la película, incluso me atrevería a decir que de ahí es donde el guión busca sustentarse y en general, explicarse. Te repito que para muchas personas, puede que esta historia ya se nos haya contado varias veces, pero me parece de suma importancia resaltar que en la parte narrativa, es decir, cómo es que los eventos se desenvuelven, Iñárritu y compañía presentan cosas verdaderamente interesantes.

Arrastrándose sobre la nieve

Me parece que es un muy buen momento para contarte sobre uno de los problemas más importantes con los que cuenta The Revenant. A pesar de que en sus entrevistas y actos públicos, González Iñárritu siempre se refiere al cine de manera bastante ligera y casual, sus obras nos dicen que este medio artístico en realidad, no tiene nada de ligero y casual para él. Incluso pienso que es uno de los directores de Hollywood que más en serio se toman su papel, al punto de caer en algunas pretensiones considerables y fáciles de ver que, a su vez, hacen que sus obras normalmente sufran de vicios en muchos aspectos.

En mi opinión, el ritmo de la narrativa de una película es un aspecto por demás importante, tan importante como no dejar huecos dentro del guión o tener secuencias coherentes. The Revenant arranca de manera increíblemente intensa y consigue mantenerte cautivo por más de media hora, esto a través de distintos recursos cinematográficos que no solo tienen que ver con acción, sino con diálogos interesantes y muy bien escritos, por ejemplo.

Para infortunio de todos nosotros, llega un punto en el que se siente como si la cinta hubiera entrado a un terreno lleno de pesado lodo que no la dejan seguir con el ritmo que llevaba. Estoy consciente de lo increíblemente complicado que es conseguir tener sumergida a la audiencia durante todo un largometraje, sobre todo si consideras que éste dura dos horas y media; no obstante, creo que cuando The Revenant se empieza a frenar, es por una razón muy puntual: Iñárritu comenzó a abusar de algunos recursos (en su mayoría visuales) que al principio se sentían frescos, pero que después de varios intentos, comenzaron a cansar.

Sin arruinarte nada de la historia, te puedo decir que hay secuencias de hasta 20 minutos en las que nos vemos nada más que al personaje de DiCaprio arrastrándose sobre la nieve mientras agoniza de dolor. Entiendo que uno de los objetivos de The Revenant era ponernos en contacto con el instinto primario de la supervivencia humana llevada niveles verdaderamente extremos, sin embargo, creo que se hubieran podido ahorrar bastante siendo un poco más abstractos. Sumado a lo anterior y por evidentes problemas de tiempo, vemos cómo Glass comienza a tener saltos de recuperación inexplicables, lo que evidencia algunos huecos en el guión.

Si no soportas las películas contemplativas, habrá momentos en los que sentirás que The Revenant no acabará nunca. En caso de que tu caso sea al revés, estamos seguros de que disfrutarás intensamente de los más que preciosos paisajes reales que se nos presentan gracias a la inigualable fotografía que apoya de manera muy importante a toda la parte artística del largometraje.

Impactante fotografía y deslumbrantes efectos visuales

The Revenant podrá ser criticada por casi todo lo que nos presenta en pantalla, sin embargo, puedo estar seguro de que nadie podrá decir nada en contra de la impecable, perfectamente bien lograda y hasta revolucionaria cinematografía del también mexicano, Emmanuel Lubezki.

Sin exagerar, te puedo decir que cada escena, cada momento y cada secuencia de The Revenant, es una verdadera pintura y obra de arte. Es verdaderamente impactante lo que se logró en materia de fotografía utilizando solo luz natural y escenarios completamente reales. Siempre me ha gustado decir que la narrativa necesita forzosamente del apoyo de otros elementos para poder cautivar de una manera mucho más especial a la audiencia, y al igual que en todas las películas en las que trabaja, el trabajo del Chivo logra precisamente eso, hacer que la historia que se nos está contando se sienta tangible y verdadera.

Puede que en Birdman hayamos visto un asunto experimental de largas secuencias que a más de uno nos voló la mente, pero creo que en The Revenant, vemos una cinematografía mucho más madura y consolidada que hará que cualquiera pierda el aliento ante la majestuosidad de la naturaleza. Una vez más, la película hacía todo lo posible por hacernos sentir cerca de nuestro lado más humano y hasta animal. El uso de recursos como close ups extremos al rostro de los actores en momentos intensos, incluso al punto de ver cómo se apaña la lente de la cámara, están muy bien logrados.

Cuando vi que The Revenant aparecía en la categoría efectos visuales, un sentimiento de incertidumbre se apoderó de mi, pues ignorantemente pensé que en la única escena en la que de verdad se había echado mano de efectos especiales, era en la que Glass es atacado por un oso grizzli. Mi sorpresa fue que dicha secuencia no es la única que hace uso de estos recursos, sino que a lo largo de toda la cinta, vemos momentos en los que la tecnología apoya a la narrativa de la obra.

Me atrevo a decir que The Revenant cuenta con algunas de las mejores escenas de acción de los últimos años, no solo por el ritmo y forma en la que se están desenvolviendo, sino por la crudeza con la que presentan la violencia. Es verdaderamente increíble poder sentir tan de cerca el miedo y sufrimiento de los personajes que están en pantalla pues al final, creo que el cine y cualquier expresión artística de eso se trata, se hacernos sentir cosas, ya sean positivas o negativas.

The Revenant es una de esas películas que valen mucho la pena ver solo por la parte visual y técnica, esto claro sin mencionar que de igual forma, cuenta con una grandísima banda sonora y una mezcla de sonido por demás destacable. No podría recomendar más ver esta película en una pantalla IMAX o en la más grande que esté a tu alcance.

Oscar por acumulación de tarjetas

Una de las más grandes incógnitas de The Revenant es si podrá ser la plataforma definitiva para que de una vez por todas, Leonardo DiCaprio se pueda hacer un reconocimiento por parte de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Este maravilloso actor va por su sexta nominación al Oscar en febrero que los galardones celebren su entrega número 88, y la pregunta del millón es ¿Al fin lo veremos levantando la cotizada estatuilla dorada?

Vamos por partes. DiCaprio hace un muy sobresaliente trabajo interpretando a Hugh Glass, personaje muy humano con el que rápidamente cualquiera se puede identificar por los simbolismos y contrastes que trae consigo mismo. Muy probablemente, sea el trabajo que más esfuerzo físico demandó en toda la carrera del actor, pues vale la pena recordar que todas las escenas fueron grabadas en locaciones reales a temperaturas muy bajas.

A pesar de lo anterior, creo que si nos vamos a un ámbito artístico más crudo, podemos decir que no es la mejor actuación que le hemos visto a DiCaprio por diferentes razones, la principal de ellas tiene que ver con lo plano que puede ser el guión por momentos, cosa que no le ayudó a que su personaje pudiera crecer de una manera más importante.

Si eres de los lleva tiempo siguiendo los premios Oscar, sabrás que la Academia suele premiar trayectorias y no solo actuaciones o trabajos específicos. A lo largo de la historia, hemos visto a un sin fin de actores y miembros de producción que luego de su quinta o sexta nominación, por fin terminan levantando el galardón, esto a pesar de que la obra por la que lo están recibiendo, no haya sido la mejor propuesta de su carrera. Creo que eso es lo que pasará con DiCaprio este año. Puede que The Revenant no sea su trabajo más destacable, pero estoy seguro de que su carrera será premiada el día de la entrega.

Otro que compite por el Oscar y al cual, le veo grandes posibilidades es Tom Hardy, quien como ya te comentábamos casi al inicio de esta crítica, interpreta magistralmente a John Fitzgerald, el villano de la historia. El trabajo del actor inglés es verdaderamente genial, pues consigue llevar a su personaje a zonas que pocos nos imaginábamos, incluso me atrevo a decir que termina siendo mucho más interesante que el protagonista, esto gracias a que su desarrollo es mucho más cercano al de cualquier persona común. Lo que quiero decir es que este antagonista es de esos pocos a los que les crees pero aún más importante, es de esos por los que es fácil sentir una muy fuerte empatía.

De igual forma, creo que el joven Will Poulter cumplió de manera muy importante interpretando a Bridger, mientras que Domhnall Gleeson hizo algo apropiado con el papel de Captain Andrew Henry.

En la parte de actuación creo que The Revenant logra todo lo que se propone, sin embargo, no puedo evitar pensar en que un mejor desarrollo de personajes e interacciones un poco más cercanas entre ellos, habría hecho que en general, hubiéramos tenido una película más sólida en todo sentido.

De los 12 premios Oscar a los que está nominada The Revenant, creo que tiene grandes posibilidades en Mejor Actor por lo que te comenté de DiCaprio. Fotografía  es una victoria más que cantada, mientras que Tom Hardy podría dar la sorpresa en Mejor Actor de Reparto. Seguramente terminará llevándose un par de premios técnicos, pero veo complicado que se quede con Mejor Director o Mejor Película.

La completa consolidación artística

The Revenant no es la mejor película de Alejandro González Iñárritu, sin embargo, creo que puede representar su definitiva consolidación en uno de los medios más competidos de todo el mundo. Ojo, no estoy diciendo que el director mexicano haya alcanzado su maduración absoluta, pues como te decía a lo largo de esta reseña, sigue cayendo en vicios muy importantes que le hemos visto en toda su carrera que lo mantienen a unos pasos de ser ese cineasta al que prácticamente no se le puede reprochar nada.

Con todo y sus problemas de guión y de ritmo, recomiendo ampliamente que este fin de semana vayas a ver The Revenant al cine. Te aseguro que lo que pagues por un boleto valdrá completamente la pena, pues tan solo en la parte visual, la película es un verdadero deleite. En estos momentos, lo único que determinará el futuro de Iñárritu serán sus propias ambiciones, pues luego de los años que ha tenido dentro del medio, no hay figura de Hollywood que se negaría a trabajar con él. Del lado de Lubezki, me encantaría verlo trabajando con otros directores de renombre.

La octava de Tarantino

Al igual que pasa con prácticamente todas las expresiones artísticas, las formas de hacer cine son por demás variadas, pues en realidad, solo dependen de la imaginación de quienes se dedican a este maravilloso medio. El problema es que al ser una industria multimillonaria con niveles de riesgo bastante considerables, se debe seguir cierta fórmula  para poder lanzar productos exitosos dentro de lo posible. A pesar de esto, tenemos a varios directores que constantemente se salen de la caja para presentarnos propuestas que sientan frescas en todo sentido. Sin temor a equivocarnos, Quentin Tarantino es uno de ellos y por fin, ha llegado su más reciente película, The Hateful Eight.

Por ahí dicen que cada vez que Tarantino estrena película, el cine se pone especialmente bueno y luego de una espera que se tuvo que alargar más de lo planeado por la famosa filtración del guión, The Hateful Eight por fin está entre nosotros. La octava obra de este amado cineasta es muchas cosas, pero te puedo asegurar que la diversión se impone sobre todas ellas, esto gracias a la maravillosa forma en la que está escrita, actuada y por supuesto, dirigida.

Guión supremo, pero poco arriesgado

Como te comentaba hace unos párrafos, las formas de contar historias dentro del cine son de lo más diversas, por lo que sobresalir con cierto estilo, es algo verdaderamente complicado. Sin temor a equivocarnos, podemos decir que Tarantino es de los pocos cineastas que han sabido hacerse de un nombre gracias a su muy peculiar forma de hacer largometrajes, esto gracias a un talento nato que se fue desarrollando de manera mucho más natural que el de otros de sus colegas, pues vale la pena recordar que el padre de Pulp Fiction, no tuvo formación académica en este arte.

Uno de los puntos que más me preocupaba de The Hateful Eight tenía que ver justamente con su guión, pues vale la pena recordar que hace un par de años, éste se filtró a través de internet, provocando que muchos lo pudieran leer antes de que la cinta se comenzara a rodar. A pesar de que en un inicio, todos pensamos que se trataba de algo falso, Tarantino salió a confirmarlo y anunciar que la película se tendría que retrasar, pues la historia sería escrita de nueva cuenta para eliminar los efectos de la lamentable filtración.

Lo anterior nos hizo pensar que el filme podría sufrir de manera importante en este apartado, pues para cualquier autor, el tener que cambiar su idea original por algo como lo que pasó, puede ser devastador. Para fortuna de todos los que admiramos a este cineasta y más que destacado guionista, The Hateful Eight encontró el camino para presentarnos una historia completamente impredecible, llena de giros inesperados y por supuesto, todo el toque de este autor que tantas veces nos ha maravillado.

The Hateful Eight nos cuenta la historia de ocho (o más) personajes que se ven en la penosa necesidad de tenerse que refugiar en una posada durante una más que intensa tormenta de nieve en Wyoming. Todo el argumento de este maravilloso western se desarrolla poco tiempo después de la Guerra Civil estadounidense, por lo que los temas de racismo y clasismo social, están muy presentes. En un inicio, la idea de ver a un grupo de personas metidas en un mismo lugar durante tanto tiempo, puede resultar poco interesante, sin embargo, cada diálogo y cada escena de la película están tan bien escritas y ejecutadas, que se consigue mantener la atención del espectador todo el tiempo.

Como era de esperarse en una película de Tarantino, los anacronismos están presentes, mismos que se ven combinados de manera verdaderamente sublime con bruscos cambios en el rumbo de la historia. The Hateful Eight es una de esas cintas en las que simplemente no sabrás qué pasará en los siguientes 30 segundos. Parte de lo anterior se da gracias al excelente trabajo que se hizo con cada uno de los personajes y el estatus quo que cada uno debe mantener. Debido a la época en la que está ambientada la obra, vemos fuertes contrastes y conflictos entre quienes participan en ella.

La narrativa es otro de los puntos más fuertes que le vimos a The Hateful Eight, pues consigue mantener un ritmo verdaderamente intenso a lo largo de las más de tres horas que dura la película. Además de contar con grandes diálogos y en general situaciones por demás interesantes, el filme tiene esos toques muy a la Tarantino que todos sus fanáticos agradecerán. Si eres de los que está esperando escenas de acción llenas de tensión, que se ven perfectamente enmarcadas por violencia de lo más cruda, te podemos asegurar que pasarás un rato más que sensacional con esta cinta.

Al ser un escritor y cineasta en general tan sincero y con tan pocas pretensiones, normalmente las obras de Quentin Tarantino consiguen sus objetivos artísticos como muy pocas lo logran. The Hateful Eight cuenta con un guión supremo pero que muy probablemente, algunas personas lo sientan poco arriesgado. Lo que quiero decir es que el autor se mantuvo increíblemente fiel al estilo y fórmula que tan buenos resultados le han dado a lo largo de su carrera. Seguro que algunos agradecerán enormemente esto, pero creo que hubiera sido muy bueno que se tomara algunas libertadas y por supuesto riesgos, para presentar algo un tanto más innovador.

A la parte narrativa prácticamente no hay que recriminarle, pues funge de excelente manera para hacer que el guión brille, dándole un ritmo y desenvolvimiento por demás destacable.

Ocho (o más) auténticos locos

Los personajes de todas las películas de Quentin Tarantino siempre se han convertido en figuras memorables que forman parte de la historia de este fantástico medio. Puede que algunos no encuentren a su Teniente Aldo Raine de Inglourious Basterds o a su Vincent Vega de Pulp Fiction en The Hateful Eight, pero te podemos asegurar que cada una de las personas que vemos en pantalla dentro de esta obra, se siente relevante, muy bien escrita y actuada de gran manera por sus interpretes.

Creo que lo mejor será empezarte a contar del sensacional trabajo que hizo Kurt Russell interpretando a John Ruth, un caza recompensas que estamos seguros, se robará el corazón de más de uno, esto gracias a una actitud increíblemente badass pero con cierto toque de bondad. Puede que una de las explicaciones por las que no vemos a este actor nominado al Oscar, tenga que ver con lo complicado que es diferenciar el puesto que ocupa dentro de la historia, pues al ser una cinta que se centra en tantos personajes, cuesta trabajo decir quién es protagonistas y quién es de apoyo.

Después del trabajo de Russell, mi corazón me dice que el segundo mejor de toda la cinta fue Samuel L. Jackson, pues hay que aceptar que muchas películas valen la pena solo con tal de ver en acción a este actor. En esta ocasión, quien también nos deleitó en Django Unchained interpretando a Stephen, ahora le da vida al Major Marquis Warren, un veterano de la guerra civil que cuenta con contrastas verdaderamente interesantes, siendo pierda angular de toda la historia.

A lo largo de su carrera, hemos visto que Tarantino no gusta tanto de escribir personajes femeninos (con sus claras excepciones), no obstante, cuando alguno de estos salta a escena, normalmente es brillante. En The Hateful Eight vemos a Jennifer Jason Leigh interpretando a Daisy Domergue, una bandida por la que se ofrece una enorme recompensa. El trabajo de esta actriz es tan bueno, que le valió una nominación al premio Oscar por Mejor Actriz de Reparto. Esta es una de esas antagonistas por las que uno siente odio y repudio en todo momento pero que a la vez, aprendes a amarla por lo sincera que es dentro de su maldad.

El resto del elenco está compuesto por nombres como el de Walton Goggins, quien la verdad me sorprendió enormemente por lo bien que interpretó al Sheriff Chris Mannix, Tim Roth como Oswaldo Mobray, Michael Madsen como Joe Gage, Bruce Dern haciendo al General Sandy Smithers, James Parks en el papel de O.B Jackson y por supuesto, el mexicano Demián Bichir como Bob. Hablando de manera especifica sobre el trabajo de este último, te puedo decir que en un inicio lo sentí un tanto irrelevante para toda la historia, sin embargo, conforme ésta se iba desenvolviendo, se comenzó a ganar un mucho mejor lugar.

Sin arruinarte nada de la película, te podemos decir que además de estos personajes, tenemos la participación de algunos más que también son puntos claves para toda la historia. En caso de que hayas contado, te podrás dar cuenta que hace unos párrafos de hablé de nueve y no solo ocho figuras como el título de la cinta sugiere, esto tiene una muy importante razón que evidentemente no te revelaré para no arruinarte la experiencia.

En general, podemos decir que cada uno de los personajes que vimos en The Hateful Eight nos produjo algún tipo de sentimiento, asunto que habla de lo fantástico que es el guión de la película, el cual, incluso llega a jugar con elementos de misterio muy bien colocados que muchas veces harán que como espectador, te revuelques de la curiosidad por saber quién hizo tal cosa y por qué es que lo hizo, algo como si estuvieras jugando Clue, por ejemplo.

Muy interesante cinematografía

Al ser un cineasta que no recibió educación académica en dicho arte, Tarantino suele hacer experimentos muy interesantes de todo tipo en cada una de sus películas, no solo con cosas como el guión y la narrativa, por ejemplo, pues suele sorprendernos con elementos como la fotografía. Para The Hateful Eight, el director decidió utilizar la Ultra Panavision 70, cámara que fue muy importante en los años cincuenta y parte de los 60 que tiene la capacidad de filmar en 70 mm, asunto que además de darle una gran calidad a la imagen, hace que esta luzca de una manera muy especial, sobre todo cuando hay poca luz. Procura verla en IMAX.

Muchos pensarían que algo como la cinematografía en una película que 90 por ciento del tiempo se desarrolla dentro de una obscura cabaña no sería cosa tan importante, sin embargo, te podemos decir que esto juega un papel por demás crucial, incluso ayuda a que la narrativa se sienta más intensa en algunos puntos. Te voy a poner un ejemplo. Hay cierta escena en la cinta en la que está a punto de pasar algo muy importante, sin embargo, esto ocurre de manera pausada. Para aumentar la emoción de la secuencia, Tarantino y su fotógrafo jugaron con el desenfoque y enfoque constante de dos planos diferentes en los que están pasando dos eventos muy interesantes.

Además de lo anterior, se hizo un especial trabajo para que la iluminación se sintiera escasa, pero suficiente como para no perder detalle de cada una de las gesticulaciones y en general situaciones que vemos en The Hateful Eight. Las pocas escenas que vemos en el exterior, se sienten adecuadas, luciendo paisajes nevados verdaderamente bellos que contrastan muy bien con la obscura paleta de colores que vemos dentro de la obscura y fría posada.

Dura más de tres horas

The Hateful Eight es una cinta verdaderamente larga, de hecho dura tres horas con siete minutos, asunto que para como están las cosas, seguro causará que más de uno la sienta por demás cansada. Como ya te expresé a lo largo de toda esta reseña, el ritmo de la cinta es verdaderamente genial y si eres de los que disfruta del trabajo de Tarantino, este tiempo se te irá muy rápido.

Puede que el final se haya alargado un poco más de lo que debía, pues creo que hay cierto punto en el climax en el que en mi opinión, hubiera sido mejor cortar todo de tajo para tener un impacto mucho más importante en nosotros los espectadores. Sí, estamos frente a una cinta bastante larga, pero que en ningún momento cae en el tedio o en pretensiones fuera de lugar que la debilitan como obra cinematográfica.

Lo del tiempo lo comento porque actualmente vivimos rodeados de personas que simplemente no pueden poner atención a algo por más de 10 ó 15 minutos, y que seguramente, una película de más de tres horas en el que la narrativa se mueve por medio de diálogos y no tanto de escenarios o locaciones, se les hará no tan digerible.

¿Posibilidades en los Oscar?

Sabemos que The Hateful Eight se estrenó en Estados Unidos en diciembre del año pasado, pero como siempre, nuestro mercado tuvo que esperar hasta ahora para poder disfrutar de ella, esto debido a que las cadenas y distribuidoras de cine de Latinoamérica, normalmente esperan a que La Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas anuncie a sus nominados a los premios Oscar para decidir qué películas traer a cartelera.

The Hateful Eight tiene tres nominaciones a los premios Oscar que se llevarán acabo a finales del siguiente mes de febrero. Como te decíamos, Jennifer Jason Leigh está entre las que luchan por el galardón a Mejor Actriz de Reparto con algunas posibilidades, con todo y que tiene que vencer a Alicia Vikander por The Danish Girl y a Kate Winslet por Steve Jobs.

Como te decíamos, la fotografía de The Hateful Eight es por demás destacable en casi todo sentido, sin embargo, creemos que tiene cero posibilidades contra lo que hizo Emmanuel Lubezki en The Revenant. Además, competirá por el Oscar a Mejor Score por el excelente trabajo de Ennio Morricone en la música, el cual, tendrá que derrotar al mismísimo John Williams.

Ojalá que también hubiera sido considerada en Mejor Dirección o hasta en Mejor Película, pero pues habrá que esperar para ver si es que La Academia en toda su sabiduría, reconoce la nueva propuesta de Tarantino.

Tarantino no es para todos

Quentin Tarantino es un cineasta muy peculiar para cualquier estándar de Hollywood, asunto que evidentemente, convierte su trabajo en algo que no todo el mundo puede digerir de buena manera. The Hateful Eight es una cinta que cumple al pie de la letra la fórmula que ha hecho tan grande a este director a lo largo de ocho películas, por lo que resulta muy complicado recomendarla a alguien que no guste de este tipo de películas, sobre todo si uno toma en cuenta la duración del largometraje.

En conclusión, te podemos decir que The Hateful Eight es una cinta muy bien lograda que cumple cada uno de sus objetivos, sobre todo los que apuntan al nicho de mercado que disfruta de todo el trabajo de Tarantino, con todo y que el guión es poco arriesgado. Si eres de los que pertenece a este grupo, tienes que ir el siguiente fin de semana (5 de febrero en México) a ver esta película que antes que cualquier cosa, es una experiencia llena de diversión que no se anda con pretensiones sin sentido.