Para los tontos soñadores
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Al igual que toda forma artística, el cine es una espacio perfecto para expresar toda clase de sentimientos e ideas muchas veces abstractas que requieren de ciertos elementos muy puntuales para relucir justo como su autor lo quiere. Cosas como dar un salto de fe en busca de un sueño o dejar de lado la opinión negativa de terceros sobre algo que de verdad amamos, son sólo algunos de los temas que se tratan en La La Land, musical dirigido por Damien Chazelle quien también nos entregó a la espectacular Whiplash, que desborda pasión en cada una de sus escenas y que por supuesto, está dirigida para todos aquellos que han sido acusados de ser unos locos sin razón que persiguen ideales que se antojan imposibles desde casi cualquier punto de vista.
La La Land es una verdadera locura en casi todos sus apartados, pues cuentan con matices sumamente interesantes a nivel de guión y desarrollo de personajes, mientras que su cinematografía, es una de las más impresionantes de los últimos años, esto claro, sin mencionar el grandísimo trabajo que sus protagonizan hacen en la parte de actuación gracias a una dirección impecable. A pesar de que suene de los más trillado del mundo, estamos frente a una cinta que te hace reír, llorar, emocionarte hasta los huesos y por supuesto, poner en perspectiva tu vida y cuáles han sido sus prioridades hasta ahora, todo enmarcado por una conmovedora historia de amor que se aleja de los clichés clásicos del género como pocas lo han conseguido en el pasado.
Amor y mucha música
Creo que antes que nada es importante aclarar que a pesar de que en efecto, La La Land es un musical hecho y derecho, la realidad es que en ningún momento abusa de cómo es que aplica la música para acentuar los eventos que se nos están contando. Lo que quiero decir es que a pesar de que la parte musical es esencial para toda la experiencia que representa esta película, la mayor parte de sus escenas se desarrollan de una manera tradicional, es decir, sin que los personajes estén bailando o cantando.
Dicho esto, te puedo decir que el guión de La La Land es uno de los más elegantes y mejor llevados de los últimos años, pues logra desarrollar a sus dos personajes principales de una manera sumamente especial y simple. Lo más interesante es que la película arranca contándonos dos historias que se van construyendo de manera paralela y a la vez, de formas diferentes, esto hasta alcanzar un punto en el que las dos se entrelazan para volverse una misma y a partir de ahí, despegar hacia nuevos y muy interesantes horizontes en términos narrativos.
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La La Land nos cuenta la historia de Mia, una actriz frustrada que simplemente no encuentra el camino para hacerse de un nombre en Hollywood o al menos conseguir trabajo dentro de la industria, y de Sebastian, un pianista que igualmente vive en Los Angeles que se encuentra en una especie de depresión, pues el Jazz, su más grande pasión, está muriendo poco a poco sin que nadie haga algo al respecto. Por su misma situación y por supuesto por voluntad del destino, estos dos soñadores se encuentran en cierto punto y caen perdidamente enamorados.
Puede que a partir del momento en el que los dos protagonistas se unen, La La Land parezca tomar un rumbo bastante predecible con todo y lo geniales que son cada una de las situaciones que los personajes viven gracias a sus muy marcadas personalidades, no obstante, la forma la que se nos presenta el tercer acto y en general todo el desenlace de la cinta es simplemente espectacular, pues además de que la historia da un giro sumamente inesperado, se toma un rumbo bastante más complicado e ingenioso del que muchos nos estábamos imaginando cundo nos encontrábamos disfrutando de esta aventura.
Como te decía, La La Land hace uso de actos musicales para resaltar alguna de las situaciones que está poniendo en pantalla, pero la realidad es que cada una de ellas se siente adecuada y en ningún momento forzada, incluso diría que quienes no gusten del género, podrán apreciar estas escenas que de sólo recordarlas, me hacen querer salir en este momento corriendo al cine para verlas de nueva cuenta.
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La La Land es una película con un guión excelentemente bien escrito y muy sincero, esto sin dejar lado sus ambiciones. Tal vez la idea de ir al cine a ver otra historia de amor llena de cursilerías te parezca la peor idea del mundo, pero te aseguro que estamos frente a una obra que además de no ser melosa ni empalagosa, logra transmitir justamente lo que son sus dos protagonistas: pasión por todo lo que pasa a su alrededor, esto claro, con las implicaciones negativas que se tienen al vivir de manera tan intensa. Y tiene jazz, mucho jazz, esto sin mencionar que cada una de las piezas compuestas por Justin Hurwitz son memorables y ni qué decir del tema interpretado por John Legend. El jazz nunca falla en el cine.
Actuaciones entrañables
Como seguramente ya sabes, La La Land está protagonizada por Emma Stone y Ryan Gosling, dos de los actores que más auge están teniendo actualmente en Hollywood y que normalmente con cada uno de sus trabajos, nos demuestran que pueden dar más y más. Sin lugar a dudas, un musical de esta escala y complejidad sería un gran reto para sus carreras como artistas y para fortuna de todos nosotros, nos vuelven a dejar claro que estamos lejos de conocer sus verdaderos límites de interpretación.
Me parece que lo más adecuado es hablar del gigantesco trabajo de Emma Stone dándole vida a Mia. Como te comentaba, este personaje trata de una apasionada actriz y escritora que se mudó a Los Angeles en busca de poder hacer su sueño realidad. Al igual que con la mayoría que intenta algo así, la frustración se apodera de ella, llevándola por diferentes momentos muy intensos de su vida. La ganadora del Golden Globe justamente por La La Land, no sólo demuestra la habilidad que tiene para convertirse en diferentes personas, pues en algunas escenas tiene que actuar que actúa por el papel que está interpretando, sino que nos enseña que es una elegante bailarina y una cantante bastante decente.
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La verdad es que cuando me enteré que Ryan Gosling había aceptado formar parte de algo como La La Land en un papel protagónico, no pude evitar sentir algo de preocupación, pues a pesar de ser gran admirador de las capacidades como actor de a quien también veremos en Blade Runner 2048 este año, la idea de verlo bailando y cantando no me cuadró del todo. A pesar de que en efecto, la cantada no es lo de este sensacional actor, sin ser malo, la verdad es que como bailarín se defiende y pues en las partes de pura actuación, una vez más demuestra que está para grabar con letras de oro su nombre en la historia del cine.
Mi gran “pero” no solo con el tema de personajes y cómo es que estos se desarrollan dentro de la cinta, sino en general de La La Land, es que si bien cuenta con dos personalidades entrañables de los que te enamoras en poco tiempo, nunca supo cómo incluir a un personaje secundario de peso que de verdad importara a cómo es que se desarrollan los hechos. Claro que es un gusto ver el rostro de J.K. Simons, pero su participación es extremadamente limitada. Puede que se argumente que en realidad, los protagonistas están tan bien logrados que no requirieron de soporte, sin embargo, creo que fue una buena oportunidad que se desaprovechó.
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Dejando de lado lo anterior, la realidad es que La La Land cuenta con actuaciones que sobresalen como pocas veces nos toca ver en el cine, esto claro, gracias a que además de que cuenta con actores extremadamente talentosos, luce un espectacular guión que los llena de matices y que los va desarrollando en ritmo perfecto para que nosotros como espectadores, vayamos sintiendo los cambios que éstos tienen a lo largo del viaje.
City of stars…
El cine tiene la peculiaridad de poder contar historias sin la necesidad de usar tantas palabras, pues puede echar mano de imágenes que como dice el dicho, muchas veces dicen más que todos los textos del mundo juntos. Después de Whiplash, nos quedó claro que Damien Chazelle es un director que valora justamente esto y para La La Land, unió fuerzas con el fotógrafo Linus Sandgren (Joy, American Hustle), quien entregó un trabajo sumamente destacado que seguramente dará bastante de qué hablar.
Lo primero que vale la pena resaltar sobre la cinematografía de La La Land es que constantemente nos presentan escenas bastante amplias en las que no se dice una sola palabra, sin embargo, todo lo que ocurre en ellas es justamente para seguir con el hilo de la historia de la película. También tenemos momentos mucho más contemplativos y hasta íntimos, mismos que creo, sirven para entablar una relación más fuerte con los personajes. La fotografía de un largometraje no sólo debe ser para hacerla lucir bien, sino para apoyar a la narrativa que se está intentando desarrollar ante nosotros.
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Además de lo anterior, La La Land utiliza recursos cinematográficos sumamente bellos y muy bien logrados. Uno de los que más disfruté y que por fortuna es bastante constante, son los cambios de iluminación en tiempo real para resaltar ciertos elementos. Hay partes en la que un personaje está narrando alguna situación y poco a poco, todo lo que está a su alrededor se oscurece hasta dejar al sujeto en cuestión contrastando perfectamente gracias a la luz que se le pone encima. Es brillante la manera en la que se utilizó todo esto para darle profundidad a la atmósfera en general de la cinta.
Por si todo lo anterior no fuera suficiente, también tenemos una dirección artística espectacular. La elección de cada uno de los colores que vemos en pantalla es perfecta, y sirve justamente para resaltar ese sentimiento optimista y de sueños que La La Land refleja desde que arranca. La forma en la que se retrató a una Los Angeles actual es impresionante, pues muchas veces hace que esta ciudad luzca más bella de lo que es en la realidad.
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La La Land es un autentico dulce para la vista, asunto que la convierten en algo que vale solamente la pena por los logros en los apartados que acabo de describir.
¿Posibilidades en el Oscar?
Justo como pasa todos los años, durante enero y febrero, la cartelera de una región como la nuestra se pone verdaderamente interesante, esto gracias a que las distribuidoras de películas se animan a traer filmes de altísima calidad gracias a que éstos comienzan a recibir reconocimientos muy prestigiados de todos los frentes. Luego de haber sido la estrella de la última entrega de los Golden Globes, La La Land sin lugar a dudas, se perfila para ser una de las grandes en los próximos premios Oscar.
Al menos en la parte de actuaciones, Ryan Gosling y Emma Stone seguro figurarán en las lista de nominados, incluso con fuertes posibilidades para llevarse una de las estatuillas doradas. Mismo caso del apartado de dirección, en donde Damien Chazelle cuenta con una gran oportunidad de levantar el primero de estos galardones en su carrera.
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Seguramente también veremos a La La Land contendiendo en la parte de guión, mientras que en la de fotografía, creo que es una de las grandes favoritas. Como consecuencia de lo anterior, me sorprendería no verla en un lugar de honor siendo nominada a Mejor Película y ni qué decir de la parte musical, en donde seguramente estará recibiendo algún premio.
Al final, ganar en algo como los Oscar puede ser bastante efímero para la mayoría, sin embargo, estar presente en un evento tan visto en todo el mundo, sirve para que quien pone el dinero para estas producciones, se anime a seguirlo haciendo y así, nosotros podemos volver a disfrutar de cine de tan alta calidad.
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Por esta razón vamos al cine
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La forma en la que cada uno de nosotros vemos al entretenimiento depende completamente de cómo es que nos comportamos como personas, esto sin ser malo o bueno necesariamente. Para muchos de nosotros, el cine es más que mero entretenimiento casual, pues creo, es una gran oportunidad de sumergirnos en mundos que no podríamos conocer de otra manera y por supuesto, experimentar sentimientos tan básicos como la alegría o la tristeza a través de los ojos de alguien más. La La Land es justamente eso, una película que celebra al séptimo arte como pocas lo consiguen, es la razón por la que algunos pagamos una entrada para olvidarnos un rato de la realidad y así, entrar a un mundo lleno de color.
Creo firmemente en que sin importar cuál sea tu perfil o visión del cine, La La Land es algo a lo que le debes de dar la oportunidad, pues sin lugar a dudas, la podemos catalogar dentro del canon o estándares que se usan para definir lo que es buen cine y lo que no lo es. La verdad es que por más que le he dado vueltas al asunto, no veo cómo es que alguien no pueda apreciar una obra tan bien lograda como la que tenemos enfrente, pues se nos cumple en absolutamente todos los apartados e incluso intenta revolucionar en algunos de ellos, asunto que evidentemente, es mucho más evidente para quienes aman soñar al punto de dar un salto de fe al vacío con tal de estar más cerca de sus pasiones en el día a día.
Llegó el día, luego de que su estreno se retrasara algunas semanas en nuestra región, por fin tuvimos la oportunidad de ver la película de Assassin’s Creed, apuesta de Ubisoft y 20th Century Fox por buscar el éxito de la millonaria franquicia también en la pantalla grande.
No podemos ser ajenos a todo lo que ha sufrido esta cinta luego de su estreno en varias regiones, la película protagonizada por Michael Fassbender y dirigida por el australiano Justin Kurzel sufrió fuertemente en taquillas quedándose por debajo del presupuesto destinado a su producción y la recepción tanto por la crítica como por los fans se quedó muy por debajo de las expectativas. Algo nos quedó claro, esta cinta no vino a hacer una diferencia respecto a lo mal que les suele ir a las películas inspiradas en videojuegos, y ahora que nosotros también hemos podido verla estamos listos para darles nuestro veredicto.
Una nueva mirada a Assassin’s Creed, ni para el fan ni para el casual
Seguramente muchos de ustedes se estén preguntando ¿qué fue lo que falló? ¿realmente es tan mala como dicen? ¿me va a gustar si soy fan de la serie? Podemos responder a sus preguntas desde nuestra perspectiva, inicialmente les puedo decir que efectivamente no es la mejor película que se pudo hacer inspirada en la millonaria franquicia de videojuegos, vayámonos por partes.
Me parece que el principal problema de la cinta es algo que se pretendía que fuera una de sus principales bondades: se mantuvo en un punto medio en el que ni siquiera me parece que sea completamente clara o relevante para quienes desconocen por completo la franquicia de los videojuegos, pero por otro lado sufre bastante tratando de explicar cosas que los fans damos por hecho sin lograrlo con claridad y además carece de la profundidad que hubiéramos esperado los seguidores de la serie al tocar temas como el Fruto del Edén. No defiendo absolutamente la cinta ni digo que la mayor parte de sus críticas no estén justificadas, per me parece que los números tan bajos que recibió vienen de muchos que desconocen absolutamente lo que ya vivimos los videojugadores, pero ¿por qué entonces en lugar de hacer algo completamente enfocado a los fans como lo que pasó con Warcraft la cinta se quedó a medias y no le cumple ni al sector casual ni al entusiasta?
La película de Assassin’s Creed nos presenta la historia de Cal Lynch (Fassbender), un convicto sentenciado a muerte por sus crímenes que es capturado por Abstergo al descubrir que uno de sus antepasados es la clave para encontrar el Fruto del Edén, artefacto que inexplicablemente dentro de la cinta –pues los jugadores conocemos perfectamente sus orígenes– contiene la clave para controlar el libre albedrío y de esta manera erradicar a los Asesinos una vez que esté en la mano de los Templarios.
De esta manera, la cinta toma algunos de los elementos básicos de la franquicia como la lucha eterna entre Asesinos y Templarios, la vivencia de recuerdos genéticos en un rarísimo –y a mi parecer como fan, innecesario– Animus y la presencia de artefactos sobrenaturales y misteriosos como el Fruto del Edén mismo. Todos esos elementos se condensaron en una película que retrata la historia de un nuevo personaje para la franquicia, aunque ¿qué tanto se atendió a los fans con todos esos elementos?
La película presenta un nuevo protagonista con sus propios recuerdos genéticos que lo llevan a revivir los eventos de su antepasado del siglo XV, Aguilar de Nerha, que vivió justo en tiempos de la Inquisición española como uno de los últimos protectores del Fruto del Edén. Algo que como fan no me agradó tanto es que la franquicia dentro de los videojuegos se ha caracterizado por lo bien que se siente jugar con la historia –recordemos incluso el lema “history is our playground” en merchandise oficial de la franquicia como ropa– y la verdad es que la cinta deja mucho qué desear en ese sentido.
No podemos quejarnos de lo bien logradas que están las secuencias de acción que bastante estudiaron los emblemáticos movimientos de los asesinos, lo bien que lucen las persecuciones y lo vistosos que son casi todos los momentos en que la cinta nos presenta las aventuras de Aguilar, desafortunadamente la presencia de este nuevo Animus con forma de brazo mecánico lleno de proyectores a los lados para que en le presente vean lo que se está recordando sólo nos distrae y nos saca de la emoción de la acción en entornos históricos; de igual forma me parece que la cinta realmente no aprovecha muy bien el rico entorno histórico en el que se sitúan las aventuras de Aguilar de Nerha, siendo que al volcarse casi en su mayoría a la lucha interna de Callum Lynch en el presente y la búsqueda de su propósito como Asesino en potencia termina opacando esa curiosidad histórica que tanta identidad le da a la serie dentro de los videojuegos.
Dicho lo anterior mi principal inconformidad se derivó de que Callum Lynch –al igual que Desmond Miles– es un personaje que no sabe muy bien su propósito y ni siquiera es alguien que sea consciente de que por sus venas corre el legado de los Asesinos, pero no me gusta mucho cómo la película se centra muchísimo en el conflicto interno del protagonista en lugar de realmente explotar la riqueza del entorno histórico en una aventura que juegue con esos temas de forma inteligente, o que aproveche a su favor elementos fantásticos como el Fruto del Edén para ofrecer una trama interesante, en lugar de todo eso se llega a tornar aburrida al no terminar de desarrollar bien sus personajes que tenían potencial, dejando todas su excelentes secuencias de acción como destellos fugaces que hacen referencia a los videojuegos pero al final dentro de la trama casi salen sobrando al no haber un argumento sólido que haga que todos esos momentos tengan la oportunidad que deberían y que derivan en una historia muy plana con poca emoción.
No les voy a hacer spoilers, pero hay un momento de la cinta en que todo comienza a ser más interesante en el momento en que acaba ese conflicto interno de Callum y se convence de su propósito como Asesino; seguramente al crítico de cine y al cinéfilo casual que no conoce de la franquicia le parecerá ridícula la trama pero el fan de los videojuegos podría encontrar emocionantes los momentos en que vemos por fin un interesante enfrentamiento entre asesinos y templarios, desafortunadamente es un momento corto y fugaz que incluso se ve opacado por un final que me pareció bastante apresurado y desaprovechado considerando las emocionantes secuencias de sigilo y asesinatos que vemos en los videojuegos y que extrañamos en la película.
El resultado final es una cinta que me parece que cumple más al fan de la serie que al público casual quien la encontrará poco digerible y nada relevante en las motivaciones de la lucha entre Asesinos y Templarios, pero como ya les he comentado en varias ocasiones, me parece que al fan más entusiasta de la serie decepcionará la poca profundización en la mitología de la franquicia, escenas muy vistosas en entornos históricos pero poco aprovechamiento de la temática de época que nunca sale de un segundo plano distante y finalmente un personaje que pierde más tiempo buscando su identidad que realmente ofreciéndonos las emociones que pudiéramos esperar de la adaptación cinematográfica en la que muchos teníamos puestas nuestras esperanzas.
En resumen…
Como videojugador, fan de Assassin’s Creed, puedo decirles con toda sinceridad lo siguiente:
A favor…
-Secuencias de acción muy bien logradas en entornos históricos bien recreados –es notorio su enorme presupuesto.
-Un nuevo capítulo en la historia de la saga que retoma temas clásicos como la lucha por el Fruto del Edén.
-Un enfrentamiento entre asesinos y templarios que podrá ser hasta ridículo para el cinéfilo casual pero satisfactorio para el fan de la serie.
En contra…
-El Animus rompe mucho de lo que hemos visto en la saga, no me parece lo más adecuado.
-De poco sirven las vistosas secuencias históricas si realmente el principal enfoque recae en el conflicto interno de Callum Lynch y lo que sucede en Abstergo contemporáneo.
-Se profundiza poco en la mitología de la franquicia, me parece que en atención al público casual que disfrutaría la película en el cine, a quien tampoco se atiende bien justificando la trama como pudiera haberse esperado.
-Sus escenas de acción no le quitan un ritmo cansado que llega a tornarse aburrido. Su historia es muy plana y con escasas emociones.
-Se introducen varios personajes que pudieron haberse desarrollado pero al final se dejan en un plano irrelevante que nunca llega a madurar.
Mentiría si les dijera que como fan de la serie que la película de Assassin’s Creed me pareció un insulto o no disfruté nada de la misma, podría decirles por el contrario que luego de las primeras semanas en las que casi todo fue una oleada de negatividad hubo cosas rescatables que posiblemente me llevarían a verla en otras ocasiones. Por otro lado también les mentiría si les dijera que es la película que rescata a las cintas inspiradas en videojuegos pues con todo el dolor de mi corazón debo decirles que Assassin’s Creed estuvo lejos de levantar esa bandera que siempre se ha quedado por los suelos.
Vuelvo a la reflexión de los primeros párrafos en la que me parece que en un intento por quedarse en un punto medio de lo que pudiera esperar el amante del cine de acción y por otro lado el amante de los videojuegos, no se cumplió a ninguno de los dos sectores al cien por ciento; pero podría decirte que si eres fan de la franquicia no dejes de darle una oportunidad para que tengas tu propio veredicto, no creo que la pases terrible en el cine pero debes ser consciente que muy posiblemente no llene tus expectativas.
Al igual que toda forma artística, el cine es una espacio perfecto para expresar toda clase de sentimientos e ideas muchas veces abstractas que requieren de ciertos elementos muy puntuales para relucir justo como su autor lo quiere. Cosas como dar un salto de fe en busca de un sueño o dejar de lado la opinión negativa de terceros sobre algo que de verdad amamos, son sólo algunos de los temas que se tratan en La La Land, musical dirigido por Damien Chazelle quien también nos entregó a la espectacular Whiplash, que desborda pasión en cada una de sus escenas y que por supuesto, está dirigida para todos aquellos que han sido acusados de ser unos locos sin razón que persiguen ideales que se antojan imposibles desde casi cualquier punto de vista.
La La Land es una verdadera locura en casi todos sus apartados, pues cuentan con matices sumamente interesantes a nivel de guión y desarrollo de personajes, mientras que su cinematografía, es una de las más impresionantes de los últimos años, esto claro, sin mencionar el grandísimo trabajo que sus protagonizan hacen en la parte de actuación gracias a una dirección impecable. A pesar de que suene de los más trillado del mundo, estamos frente a una cinta que te hace reír, llorar, emocionarte hasta los huesos y por supuesto, poner en perspectiva tu vida y cuáles han sido sus prioridades hasta ahora, todo enmarcado por una conmovedora historia de amor que se aleja de los clichés clásicos del género como pocas lo han conseguido en el pasado.
Amor y mucha música
Creo que antes que nada es importante aclarar que a pesar de que en efecto, La La Land es un musical hecho y derecho, la realidad es que en ningún momento abusa de cómo es que aplica la música para acentuar los eventos que se nos están contando. Lo que quiero decir es que a pesar de que la parte musical es esencial para toda la experiencia que representa esta película, la mayor parte de sus escenas se desarrollan de una manera tradicional, es decir, sin que los personajes estén bailando o cantando.
Dicho esto, te puedo decir que el guión de La La Land es uno de los más elegantes y mejor llevados de los últimos años, pues logra desarrollar a sus dos personajes principales de una manera sumamente especial y simple. Lo más interesante es que la película arranca contándonos dos historias que se van construyendo de manera paralela y a la vez, de formas diferentes, esto hasta alcanzar un punto en el que las dos se entrelazan para volverse una misma y a partir de ahí, despegar hacia nuevos y muy interesantes horizontes en términos narrativos.
La La Land nos cuenta la historia de Mia, una actriz frustrada que simplemente no encuentra el camino para hacerse de un nombre en Hollywood o al menos conseguir trabajo dentro de la industria, y de Sebastian, un pianista que igualmente vive en Los Angeles que se encuentra en una especie de depresión, pues el Jazz, su más grande pasión, está muriendo poco a poco sin que nadie haga algo al respecto. Por su misma situación y por supuesto por voluntad del destino, estos dos soñadores se encuentran en cierto punto y caen perdidamente enamorados.
Puede que a partir del momento en el que los dos protagonistas se unen, La La Land parezca tomar un rumbo bastante predecible con todo y lo geniales que son cada una de las situaciones que los personajes viven gracias a sus muy marcadas personalidades, no obstante, la forma la que se nos presenta el tercer acto y en general todo el desenlace de la cinta es simplemente espectacular, pues además de que la historia da un giro sumamente inesperado, se toma un rumbo bastante más complicado e ingenioso del que muchos nos estábamos imaginando cundo nos encontrábamos disfrutando de esta aventura.
Como te decía, La La Land hace uso de actos musicales para resaltar alguna de las situaciones que está poniendo en pantalla, pero la realidad es que cada una de ellas se siente adecuada y en ningún momento forzada, incluso diría que quienes no gusten del género, podrán apreciar estas escenas que de sólo recordarlas, me hacen querer salir en este momento corriendo al cine para verlas de nueva cuenta.
La La Land es una película con un guión excelentemente bien escrito y muy sincero, esto sin dejar lado sus ambiciones. Tal vez la idea de ir al cine a ver otra historia de amor llena de cursilerías te parezca la peor idea del mundo, pero te aseguro que estamos frente a una obra que además de no ser melosa ni empalagosa, logra transmitir justamente lo que son sus dos protagonistas: pasión por todo lo que pasa a su alrededor, esto claro, con las implicaciones negativas que se tienen al vivir de manera tan intensa. Y tiene jazz, mucho jazz, esto sin mencionar que cada una de las piezas compuestas por Justin Hurwitz son memorables y ni qué decir del tema interpretado por John Legend. El jazz nunca falla en el cine.
Actuaciones entrañables
Como seguramente ya sabes, La La Land está protagonizada por Emma Stone y Ryan Gosling, dos de los actores que más auge están teniendo actualmente en Hollywood y que normalmente con cada uno de sus trabajos, nos demuestran que pueden dar más y más. Sin lugar a dudas, un musical de esta escala y complejidad sería un gran reto para sus carreras como artistas y para fortuna de todos nosotros, nos vuelven a dejar claro que estamos lejos de conocer sus verdaderos límites de interpretación.
Me parece que lo más adecuado es hablar del gigantesco trabajo de Emma Stone dándole vida a Mia. Como te comentaba, este personaje trata de una apasionada actriz y escritora que se mudó a Los Angeles en busca de poder hacer su sueño realidad. Al igual que con la mayoría que intenta algo así, la frustración se apodera de ella, llevándola por diferentes momentos muy intensos de su vida. La ganadora del Golden Globe justamente por La La Land, no sólo demuestra la habilidad que tiene para convertirse en diferentes personas, pues en algunas escenas tiene que actuar que actúa por el papel que está interpretando, sino que nos enseña que es una elegante bailarina y una cantante bastante decente.
La verdad es que cuando me enteré que Ryan Gosling había aceptado formar parte de algo como La La Land en un papel protagónico, no pude evitar sentir algo de preocupación, pues a pesar de ser gran admirador de las capacidades como actor de a quien también veremos en Blade Runner 2048 este año, la idea de verlo bailando y cantando no me cuadró del todo. A pesar de que en efecto, la cantada no es lo de este sensacional actor, sin ser malo, la verdad es que como bailarín se defiende y pues en las partes de pura actuación, una vez más demuestra que está para grabar con letras de oro su nombre en la historia del cine.
Mi gran “pero” no solo con el tema de personajes y cómo es que estos se desarrollan dentro de la cinta, sino en general de La La Land, es que si bien cuenta con dos personalidades entrañables de los que te enamoras en poco tiempo, nunca supo cómo incluir a un personaje secundario de peso que de verdad importara a cómo es que se desarrollan los hechos. Claro que es un gusto ver el rostro de J.K. Simons, pero su participación es extremadamente limitada. Puede que se argumente que en realidad, los protagonistas están tan bien logrados que no requirieron de soporte, sin embargo, creo que fue una buena oportunidad que se desaprovechó.
Dejando de lado lo anterior, la realidad es que La La Land cuenta con actuaciones que sobresalen como pocas veces nos toca ver en el cine, esto claro, gracias a que además de que cuenta con actores extremadamente talentosos, luce un espectacular guión que los llena de matices y que los va desarrollando en ritmo perfecto para que nosotros como espectadores, vayamos sintiendo los cambios que éstos tienen a lo largo del viaje.
City of stars…
El cine tiene la peculiaridad de poder contar historias sin la necesidad de usar tantas palabras, pues puede echar mano de imágenes que como dice el dicho, muchas veces dicen más que todos los textos del mundo juntos. Después de Whiplash, nos quedó claro que Damien Chazelle es un director que valora justamente esto y para La La Land, unió fuerzas con el fotógrafo Linus Sandgren (Joy, American Hustle), quien entregó un trabajo sumamente destacado que seguramente dará bastante de qué hablar.
Lo primero que vale la pena resaltar sobre la cinematografía de La La Land es que constantemente nos presentan escenas bastante amplias en las que no se dice una sola palabra, sin embargo, todo lo que ocurre en ellas es justamente para seguir con el hilo de la historia de la película. También tenemos momentos mucho más contemplativos y hasta íntimos, mismos que creo, sirven para entablar una relación más fuerte con los personajes. La fotografía de un largometraje no sólo debe ser para hacerla lucir bien, sino para apoyar a la narrativa que se está intentando desarrollar ante nosotros.
Además de lo anterior, La La Land utiliza recursos cinematográficos sumamente bellos y muy bien logrados. Uno de los que más disfruté y que por fortuna es bastante constante, son los cambios de iluminación en tiempo real para resaltar ciertos elementos. Hay partes en la que un personaje está narrando alguna situación y poco a poco, todo lo que está a su alrededor se oscurece hasta dejar al sujeto en cuestión contrastando perfectamente gracias a la luz que se le pone encima. Es brillante la manera en la que se utilizó todo esto para darle profundidad a la atmósfera en general de la cinta.
Por si todo lo anterior no fuera suficiente, también tenemos una dirección artística espectacular. La elección de cada uno de los colores que vemos en pantalla es perfecta, y sirve justamente para resaltar ese sentimiento optimista y de sueños que La La Land refleja desde que arranca. La forma en la que se retrató a una Los Angeles actual es impresionante, pues muchas veces hace que esta ciudad luzca más bella de lo que es en la realidad.
La La Land es un autentico dulce para la vista, asunto que la convierten en algo que vale solamente la pena por los logros en los apartados que acabo de describir.
¿Posibilidades en el Oscar?
Justo como pasa todos los años, durante enero y febrero, la cartelera de una región como la nuestra se pone verdaderamente interesante, esto gracias a que las distribuidoras de películas se animan a traer filmes de altísima calidad gracias a que éstos comienzan a recibir reconocimientos muy prestigiados de todos los frentes. Luego de haber sido la estrella de la última entrega de los Golden Globes, La La Land sin lugar a dudas, se perfila para ser una de las grandes en los próximos premios Oscar.
Al menos en la parte de actuaciones, Ryan Gosling y Emma Stone seguro figurarán en las lista de nominados, incluso con fuertes posibilidades para llevarse una de las estatuillas doradas. Mismo caso del apartado de dirección, en donde Damien Chazelle cuenta con una gran oportunidad de levantar el primero de estos galardones en su carrera.
Seguramente también veremos a La La Land contendiendo en la parte de guión, mientras que en la de fotografía, creo que es una de las grandes favoritas. Como consecuencia de lo anterior, me sorprendería no verla en un lugar de honor siendo nominada a Mejor Película y ni qué decir de la parte musical, en donde seguramente estará recibiendo algún premio.
Al final, ganar en algo como los Oscar puede ser bastante efímero para la mayoría, sin embargo, estar presente en un evento tan visto en todo el mundo, sirve para que quien pone el dinero para estas producciones, se anime a seguirlo haciendo y así, nosotros podemos volver a disfrutar de cine de tan alta calidad.
Por esta razón vamos al cine
La forma en la que cada uno de nosotros vemos al entretenimiento depende completamente de cómo es que nos comportamos como personas, esto sin ser malo o bueno necesariamente. Para muchos de nosotros, el cine es más que mero entretenimiento casual, pues creo, es una gran oportunidad de sumergirnos en mundos que no podríamos conocer de otra manera y por supuesto, experimentar sentimientos tan básicos como la alegría o la tristeza a través de los ojos de alguien más. La La Land es justamente eso, una película que celebra al séptimo arte como pocas lo consiguen, es la razón por la que algunos pagamos una entrada para olvidarnos un rato de la realidad y así, entrar a un mundo lleno de color.
Creo firmemente en que sin importar cuál sea tu perfil o visión del cine, La La Land es algo a lo que le debes de dar la oportunidad, pues sin lugar a dudas, la podemos catalogar dentro del canon o estándares que se usan para definir lo que es buen cine y lo que no lo es. La verdad es que por más que le he dado vueltas al asunto, no veo cómo es que alguien no pueda apreciar una obra tan bien lograda como la que tenemos enfrente, pues se nos cumple en absolutamente todos los apartados e incluso intenta revolucionar en algunos de ellos, asunto que evidentemente, es mucho más evidente para quienes aman soñar al punto de dar un salto de fe al vacío con tal de estar más cerca de sus pasiones en el día a día.
Seguimos sin encontrar la película inspirada en videojuegos que realmente sorprenda tanto a los cinéfilos como a los que amamos los juegos, hace poco veíamos que Assassin’s Creed se quedó muy por debajo de las expectativas y hace unas semanas listábamos el triste destino de la mayoría de estas películas que parecieran estar destinadas al fracaso como productos realmente buenos.
En el mismo artículo que revisábamos el destino de estas cintas nos dábamos cuenta que independientemene de que la crítica las haya aplastado, en cuestiones de inversión/ganancia el panorama fue muy distinto, así nos explicamos por qué estamos 15 años después de la primer cinta de Resident Evil con una sexta película que pone punto final a esta franquicia cinematográfica que arrancó con bajos presupuestos y con el paso de los años gracias a su buen desempeño en taquilla fue ganando confianza para seguir siendo expandida con una mayor inversión.
Con todo y lo criticable que ha sido la historia general que ha planteado Resident Evil en el cine y la manera en que sólo ha tomado como inspiración algunos de los videojuegos para seguir su propio rumbo, la saga ha sido constante –muy a su manera si quieren– en una historia que se ha construido para su universo cinematográfico. Ha llegado el momento en que Milla Jovovich y su esposo Paul W.S. Anderson, director de estas cintas, le tienen que decir adiós a los zombies en esto que, a menos que haya un rebooth –algo que vemos posible dada la popularidad de la franquicia–, sería el final de esta saga cinematográfica compuesta por seis películas.
Una saga en la que hemos visto el paso de los años
Les voy a ser sincero, pese a que realmente han sido malas películas –y hasta ofensivas para fans entusiastas de Resident Evil– he de admitir que como muchos de ustedes les seguí la pista a lo largo de esta década y media, y es que algo que he observado es que conforme fue avanzando el tiempo se alejaron cada vez más del videojuego siguiendo su propio camino; afortunadamente no hemos visto de forma explícita a Alice en los juegos y lo que sí es una lástima lo desechables y terribles que han sido las interpretaciones de algunos de los personajes emblemáticos de la saga dentro de los juegos que han sido prestados para estas entregas en la pantalla grande. Eso sí, nadie puede reclamarle que realmente siguió su historia y eso es algo positivo si consideramos que cuando tratas de quedarte en medio de los videojugadores y de los que buscan diversión en el cine, como Assassin’s Creed, las cosas pueden salir todavía peor.
A lo largo de su historia, la saga Resident Evil en el cine experimentó con varias temáticas que nos dejaron frente a la misteriosa Alice como “producto rebelde” de Umbrella; fueron muchos capítulos en los que pudimos ver cuál era la conspiración detrás de la liberación del T-Virus desde el punto de vista del universo de las películas, identificamos a villanos muy marcados y Alice se topó con decenas de personajes secundarios cuya misión era simplemente ir muriendo poco a poco a lo largo de los filmes en un cliché que se sigue repitiendo.
Resident Evil también se ha movido hacia varias modas por las que ha pasado el cine, recordemos, por ejemplo, cuando en Resident Evil Afterlife el 3D era lo que más se promovía y muchas de sus escenas estaban orientadas a explotar estos efectos. Además de seguir tendencias, hemos visto un crecimiento muy fuerte en cuanto al presupuesto que se nota se le ha inyectado a la franquicia, algo que es notorio principalmente en las escenas de acción y los efectos especiales.
Podemos decir que, a nivel de producción no le vamos a pedir algo radicalmente distinto a la línea que ha seguido la saga pero sí notamos el paso de los años, un poco más de presupuesto y una empresa que le sigue invirtiendo recursos para dar gusto a su fans con todo y que varias de sus escenas CGI sigan siendo terribles.
Acción desenfrenada, regreso a casa, exagerada y plagada de clichés
Es fácil que a lo largo de esta década y media te hayas perdido entre todos los giros que tomó la serie; que si ya todo mundo tiene clones y no sabes quién es quién, que si encuentran un misterioso laboratorio con más pistas sobre Alice y los villanos principales, entre muchos otros giros retratados en guiones que por lo general han estado llenos de huecos y al final del día resultan olvidables y poco relevantes. Seamos sinceros, quizá lo que te mantiene entretenido es la acción y la tensión en las que Milla Jovovich ha sido la estrella.
En esta ocasión nos encontramos con Alice en Washington en una nación prácticamente extinta pero con una pista que la hace regresar a los restos de Racoon City y en específico al búnker de Umbrella donde todo comenzó para buscar una cura definitiva para la humanidad. En ese viaje nos encontramos con montones de escenas innecesarias e injustificadas de acción que si bien no aportan mucho a la narrativa al menos cumplen el objetivo que tiene la cinta de ofrecernos un rato entretenido lleno de balazos y los movimientos característicos de Alice que agradecerán los fans de la saga.
Podemos decir que en el lado positivo tenemos a personajes como la Alice de Milla Jovovich y la Claire de Ali Larter que tienen todo lo que podrían esperar quienes le han dado seguimiento a la serie y que llegan a entregarnos uno que otro momento disfrutable, eso sí, la resolución de las situaciones sigue siendo igual de exagerada que en toda la saga pero ni siquiera se ve como un fallo, por el contrario casi se puede percibir la intención de hacerla así a propósito siendo coherentes con el rumbo que se le dio a toda la franquicia de sus inicios en la pantalla grande.
Volviendo al primer párrafo de este apartado puedo decirte que si eres de los que se perdieron entre tantos rumbos que fue tomando la serie con el paso de los años, al menos tenemos la buena noticia que este capítulo final se deja de rodeos, vuelve a donde comenzó todo y por fin ata muchos cabos sueltos para dar una conclusión. No más misterios, aparentemente es el fin de lo que comenzó hace década y media.
Si realmente le seguiste la pista a estas películas te alegrará saber que tienen bastante fan service, principalmente relacionados con la película que comenzó todo hace quince años, y eso, en mi caso, al menos la hizo más disfrutable que algunas de las últimas entregas.
Muchos se preguntarán ¿qué hay del personaje de William Levy? Como muchos lo hubieran previsto el personaje del actor cubano con alta popularidad en México es completamente olvidable y poco relevante.
Comentarios finales ¿vale la pena verla?
La Gran Muralla de China, es una de las construcciones más importantes de la historia de la humanidad. Tardaron siglos en construirla y es por ello que después de más de un milenio, se mantiene en pie hasta nuestros días casi intacta. Originalmente se construyó para impedir el paso de ejércitos invasores, pero ¿qué dirías si una sección de ella se creó para repeler a enormes monstruos? Esa es básicamente la premisa en la que gira la nueva película de Universal Pictures: La Gran Muralla. Antes de que vayas a verla este fin de semana, te compartimos nuestra reseña SIN SPOILERS.
Una de las películas más grandes de China
Estamos frente a una de las producciones más importantes de China de los últimos años. Desde que comenzó su pre-producción, se planteó para que fuera una épica película con un elenco internacional, que resaltara parte de la colorida cultura oriental y de sus tradiciones. Todo ello combinado con una historia llena de fantasía y mucha acción.
Para tal labor, se eligió al destacado director de cine Zhang Yimou, quien tiene en su currículum varias cintas que han sido reconocidas por la crítica a nivel internacional gracias a su calidad narrativa y visual. Pero sobretodo por darnos una visión colorida de su cultura. Entre los ejemplos más destacados de su obra, tenemos a las galardonadas cintas como Hero y House of Flying Daggers. Además de que fue el encargado de dirigir las ceremonias de apertura y clausura de los juegos Olímpicos de Beijing en 2008. Así que no se trata de un director cualquiera.
Una nueva versión de la historia
La trama gira en torno a dos mercenarios europeos (Damon y Pascal), quienes llegan provenientes de occidente a tierras extrañas en busca de una nueva arma que los podría hacer millonarios: la pólvora. Pero en su camino, descubrirán que una región de China está siendo atacada por terribles bestias que salen cada 60 años para alimentarse de los humanos.
La única defensa del ejército Chino es la Gran Muralla que defienden con sus vidas para evitar que los monstruos ataquen una importante ciudad, ya que si logran superar la barrera, nada impedirá que su poder aumente y sigan su camino hasta conquistar el mundo.
Los dos europeos, serán vistos como invasores, pero gracias a que otro explorador británico (Dafoe) quien ha vivido ahí por varias décadas, es quien les ayuda a comunicarse con los líderes del ejército Chino ya que les ha enseñado inglés.
Así que como te imaginarás, tendrán que encontrar la forma de evitar ser encarcelados y aportar su talento de combate para sumarse a la causa contra los monstruos.
Actuaciones
Se eligieron a los actores chinos más destacados del momento como la bella Jin Tiang y el veterano Andy Lau. Puede que sus nombres no te suenen familiares, pero al verlos en pantalla te serán familiares.
Para ser atractiva a nivel internacional, se contrató al actor Matt Damon quien es el protagonista de toda la película y se le unen nombres importantes como el ganador del Oscar, Willem Dafoe y el latino Pedro Pascal (a quien recordarán por su participación en las series Game of Thrones y Narcos).
El personaje de Matt Damon es un experto guerrero y el mejor arquero que te puedas imaginar. Hace quedar a Robin Hood como un amateur gracias a sus habilidades, las cuales no se justifican en la historia y simplemente parecen ser naturales. Y aunque no se explica tampoco con claridad de qué país es proveniente, su acento no está muy marcado y suena como norteamericano.
Su acompañante es un soldado español quien habla también perfecto inglés sin acento e incluso en ocasiones habla en español sin motivo alguno. No sabrás si es un simple colega, su mejor amigo o el porqué cambia de motivaciones tan rápidamente.
Mientras que en cuanto a Willem Dafoe, es un actor consagrado de Hollywood y aquí tiene un papel muy olvidable. Lejos están sus interpretaciones que lo convirtieron en uno de los más importantes de la industria.
Efectos Visuales y diseño visual
En cuanto a la fotografía hay dos campos que contrastan bastante.
Por una parte, el diseño visual es espectacular, tal como vimos en las películas anteriores del director. Las unidades del ejército chino se dividen por colores, usando armaduras que los distingue en rango y labor en la batalla. Es un deleite ver los detalles en los vestuarios, la arquitectura y en las armas de la película. Todo ello se debe a que el equipo de producción quiso resaltar lo mejor de su cultura.
Mientras que los efectos especiales destacan por ser malos. El diseño de los monstruos parece genérico y no logran infundir verdadero temor. No ayuda el hecho de que todas las criaturas son creadas por CGI, lo que las hace ver muy falsas y con animación exagerada. Nunca creerás que los actores tienen frente a ellos a terribles monstruos capaz de matarlos con un golpe.
Conclusiones
Puede que la atención de todo el mundo esté puesta sobre la próxima película de la Liga de la Justicia en cines en cuanto al universo de personajes de DC Comics se trata. Pero hay más proyectos que adaptan las historias que leemos en las viñetas de historieta a otros medios. Tal es el caso de Warner Bros. Animation, quienes nos presentan la película animada número 27 de la compañía de comics y la segunda en tener una clasificación R (sólo para adultos). Se trata de Justice League Dark que se estrenará el 17 de febrero en Blu-ray. Te decimos qué tal está en nuestra reseña SIN SPOILERS.
¿Quiénes son estos personajes?
Para conocer de dónde provienen estos personajes y cómo encajan con los más populares, tenemos que mencionar lo que ocurrió en el amplio mundo de los comics. En el año 2011, DC Comics decidió hacer “borrón y cuenta nueva” de todo su universo, contando el origen de nueva cuenta de todos sus personajes en 52 diferentes comics. A ese evento se le llamó The New 52. Una de las razones principales de ello, fue para que las nuevas generaciones de lectores se identificaran con los personajes y tuvieran personalidades un poco más actuales.
Justice League Dark es un grupo de anti-héroes que surgió del nuevo concepto del universo. No son personajes nuevos, de hecho algunos de ellos han existido por muchas décadas. Son personajes casi desconocidos para la mayoría de la gente, cuyos poderes e historias se basan en el ocultismo y en la magia, con muchos elementos místicos o mitológicos.
Y a pesar de que el comic lleva el nombre de Justice League, no tienen nada que ver con la otra Liga conformada por Superman, La Mujer Maravilla, Linterna Verde, etc. Sus integrantes simplemente se unen sin tener una organización como tal para enfrentar a enemigos y situaciones paranormales.
Incluso hay una película live-action en planes, que puede no ser parte del Universo Expandido de DC Comics como Man of Steel o Batman v Superman. En el proyecto de la adaptación cinematográfica está involucrado el mexicano Guillermo del Toro, él ha supervisado el guión y la preproducción de la misma, pero sólo la producirá.
Un trabajo para héroes bizarros
En cuanto a la trama, inicia con extraños acontecimientos alrededor del mundo, donde personas comunes y corrientes comienzan a tener visiones de extrañas criaturas que los quieren asesinar, llevándolos a cometer actos de asesinatos involuntarios.
Los integrantes de la Liga de la Justicia están desconcertados ya que hay poco que ellos puedan hacer. Es por ello que Batman decide buscar ayuda con “otro tipo de héroes”, para investigar qué es lo que ocurre y cómo pueden detener los acontecimientos.
En su camino se encontrará con personajes como Zattana (experta en magia e ilusiones), John Constantine (detective de lo sobrenatural), Boston Brand (fantasma de un trapecista que hizo un pacto con un demonio), Etrigan the Demon (demonio mitológico que ha habitado por 5 siglos dentro del cuerpo del caballero Jason Blood) y Swamp Thing (ser de la naturaleza que la puede usar a su favor).
A pesar de que Batman es quien une al equipo (y es quien aparece en la portada), en realidad podría decirse que él es un personaje secundario. La historia recae sobretodo en Constantine, quien sí tiene las habilidades para luchar contra los demonios y encontrar las pistas correctas. Mucho de la trama tiene que ver con seres o situaciones que el ojo humano normal no puede ver, es por ello que el Caballero Nocturno llega a parecer un simple acompañante.
La historia es interesante, no tiene problemas en cuanto a contenido, pero sí un poco sobre narrativa. Hay situaciones que se extienden demasiado o que no llegan a justificar el tiempo invertido en ello. Con 75 minutos de duración, se siente que pudo haber sido contada en una hora o un poco menos.
Por parte de la violencia, sí hay algunas situaciones que podrían ser consideradas no aptas para menores, pero creemos que no justifica su clasificación para adultos. Pudo haber más violencia y lenguaje explícito sin llegar a ser exagerado.
Animación
El trabajo visual estuvo a cargo de Warner Bros. Animation, quienes en cuanto a películas animadas directo a DVD o Blu-ray basadas en personajes de DC Comics, han estado ocupados mucho últimamente.
Entre las películas animadas de héroes más destacadas del estudio en los últimos años, tenemos cintas como Superman: Doomsday, Batman: The Dark Knight Returns, Justice League: Throne of Atlantis y Batman: The Killing Joke, por mencionar algunas.
Es un estilo de animación muy similar al que han estado usando desde la serie animada de Batman desde los 90. De hecho, ha cambiado muy poco, sólo el diseño de los personajes se ha modificado. Pero no es una calidad que podríamos ver en una pantalla de cine.
Sí cuenta con un elenco de voces de lujo. Comenzando con el personaje de Constantine quien es interpretado por Matt Ryan, el mismo actor que hace el papel en la serie de TV. Batman es interpretado por Jason O’Mara, el cual le ha prestado su voz en series y películas animadas por varios años.
Camilla Luddington es Zatanna, a ella la recordarás por su papel de Lara Croft en los últimos juegos de Square Enix. Y en menores papeles, están Rosario Dawson como la Mujer Maravilla; Jerry O’Connel como Superman y Alfred Molina como Destiny.
Conclusiones
Justice League Dark nos presenta a un grupo de héroes pocos conocidos de DC Comics en una historia interesante llena de elementos paranormales. Son personajes con buenas historias y es una gran forma de que más gente los conozca. El origen de los personajes es sutil para que no abarque mucho tiempo de la trama.
La animación no es de la mejor calidad pero es apta para formato casero, tal como hemos visto en otras películas como The Killing Joke y The Dark Knight Returns.
Es una película que disfrutarán en mayor medida los fans de los comics.
Estará a la venta en Blu-ray a partir del 17 de febrero.
El Caballero Nocturno ha tenido un muy buen paso por el cine. Sus películas generalmente son de las más taquilleras del año y en cada una conocemos nuevas facetas sobre él. Después de su participación como invitado en La Gran Película de LEGO donde conocimos a un Batman un poco más egocéntrico y gracioso, en Warner Bros. se dieron cuenta de que esa encarnación tenía mucho potencial. Es así que decidieron darle su propia cinta animada y no podríamos estar más felices con el resultado. Aquí nuestra reseña de LEGO Batman: La película SIN SPOILERS.
Un Batman completamente diferente
El personaje que crearon en la película anterior de LEGO, era completamente diferente a cualquier cosa que hayamos visto. Fue una versión completamente nueva en la que Batman cree ser el mejor super héroe del mundo y de DC Comics. Es alguien que no quiere ayuda de nadie y su única motivación en la vida es demostrar que es el mejor. A decir verdad, hubo momentos en los que llegaba a caer pesado el personaje en la película de LEGO, pero se justificaba ya que no era el personaje principal.
Es una versión que tiene algo de verdad, ya que muchos fans de Batman lo considerar superior a cualquier otro héroe, tanto por sus habilidades como por su oscura historia. Es así que el personaje de cierta forma sabe que tiene muchos fans y ha llegado a un punto en el que sólo vive para ello. En pocas palabras, cumple con el propósito de ser una parodia del original.
Y es justo con esa idea del personaje, que se hizo la nueva película basada en el egocentrismo del Batman de LEGO. Toda la trama gira en torno a ello.
La versión más divertida de Batman
El estilo narrativo de la película es muy dinámico, con acción y comedia en todas las escenas y con un ritmo muy rápido. No terminas de procesar un chiste cuando ya hay uno o dos más en pantalla. Constantemente se rompe la cuarta barrera y es de esas películas que vale la pena ver más de una vez para comprender todo lo que ocurre y descubrir detalles ocultos que no son perceptibles a primera instancia.
Lo mejor de todo, es que es una película hecha para todos los fans de Batman. Ya seas de los conocedores de los comics, de las películas live-action, de la serie de los 60 o de la película anterior de LEGO, hay referencias para todos.
Desde los primeros segundos de la película, incluso antes de que aparezca el título en pantalla, ya estarás riéndote y escuchando como también lo hace el resto de la sala de cine. Su humor, a pesar de ser blanco, es inteligente y todos lo comprenderán.
Además, al igual que en la película de LEGO, se aprovechan diferentes licencias de Warner Bros. Así que aparte de que Batman se tiene que enfrentar a todos los villanos de los comics, también lo hará contra enemigos de películas como El Señor de los Anillos, Harry Potter, Gremlins y muchos más. No te diremos exactamente quienes para no arruinarte la sorpresa.
Un héroe solitario
La película se lleva a cabo en la Ciudad Gótica del mundo de LEGO. Es decir, que también pueden crear objetos o vehículos desde cero al unir piezas de juguete. Es una versión muy similar a la ciudad que vimos en la película anterior, pero obviamente más oscura.
Batman es feliz salvando a la ciudad una y otra vez. Pero lo que más le gusta, es ser una super estrella de la ciudad. Aunque en lo negativo, eso ha causado que su vida sea muy solitaria ya que gira en torno a su personalidad.
Cree no necesitar ayuda y ni siquiera opina que haya un villano a su altura. Es por ello que el Joker se siente frustrado de que Batman no lo tome en cuenta y desea cometer el acto más malévolo que se haya imaginado para que por fin el Caballero Nocturno lo reconozca como su verdadero némesis. La forma en la que está planteada esa premisa en la película es muy cómica, casi como si se tratara de una relación amorosa.
Por si fuera poco, Barbara Gordon es la nueva comisionada de policía de la ciudad y ella desea que la justicia caiga en manos únicamente de la policía por vías legales. No tiene nada contra en contra de Batman, pero cree que si trabajan juntos, sería una mejor ciudad. Algo en lo que el vigilante no está muy de acuerdo.
Y por último, por azares del destino adoptará a un joven huérfano que es fan tanto de Batman como de Bruce Wayne, quien se convertirá en su leal patiño.
El elenco de voces en la versión original, cuenta con estrellas de Hollywood como Will Arnett como Batman, Ralph Fieness como Alfred, Michael Cera como Robin, Zach Galifianakis como Joker, Rosario Dawson como Barbara Gordon y Billy Dee Williams como Dos Caras (quien por fin regresa después de que fuera Harvey Dent en la película de 1989).
La versión en español tiene por su parte a voces también conocidas del doblaje latinoamericano. Irwin Daayán es Batman, Germán Fabregat es Alfred, Emilio Treviño es Robin, José Antonio Macías es Joker y Mireya Mendoza es Barbara Gordon.
Aunque nos hubiera gustado ver en cines la versión con el elenco original, la de español latinoamericana es de gran calidad y hay chistes localizados para que se entiendan mejor.
Mundo de juguete
Visualmente la película luce espectacular. De nueva cuenta, a pesar de que todo está hecho a computadora, simula ser una animación stop motion de figuras reales. Creerás que sí son piezas de verdad de LEGO que fueron animadas a mano.
Sientes que de verdad es un mundo con vida propia y las interpretaciones de cada personaje son reales. Los sets son gigantescos y querrás salir a buscar figuras de LEGO para también poder jugar con ellas.
Si tienes la oportunidad, asiste a una función en 3D para que se vea más espectacular.
Conclusiones
LEGO Batman: La Película es la versión más divertida de Batman que te hayas imaginado. Está hecha para todo tipo de fans del personaje y hay referencias muy oscuras que hasta los fans que se consideran expertos les costará trabajo reconocer.
Es irreverente, rompe la cuarta pared, hay chistes cada segundo y tiene un ritmo muy dinámico. Es una gran recomendación que pueden disfrutar fans de todas las edades. Y es de esas cintas que querrás ver más de una vez.
A pesar de que es la primera película del personaje, esperemos que podamos ver más de él en el futuro.
23 personalidades diferentes habitan en la mente de Kevin. Cada una de ellas toma su turno para salir a la luz y expresarse a través de su cuerpo. Pero ¿qué ocurre cuando más de una de esas personalidades son violentas y desean dominar a las demás. Esa es la premisa básica de Fragmentado (Split) la nueva película del controvertido y a veces polémico director M. Night Shyamalan que se estrena en los próximos días en los cines de latinoamérica. Aquí te contamos si vale la pena verla en nuestra reseña SIN SPOILERS.
Un director que juega con tu mente
A finales de los 90 e inicios de los 2000, el director de origen hindú, M. Night Shyamalan, obtuvo mucha popularidad en Hollywood en gran parte gracias a que su primera película fue un éxito rotundo. Se trató de El Sexto Sentido, aquella en la que un niño podía ver fantasmas y en la que Bruce Willis lo ayuda a lidiar con su problema. A pesar de que su siguiente película no tuvo el mismo éxito, Unbreakable nos presentó una historia interesante en la que ciertas personas poseían habilidades extraordinarias, y de hecho, Fragmentado tiene cierta relación con esa cinta.
Otro de sus grandes éxitos fue Señales (Signs) con Mel Gibson, donde la humanidad entra en contacto con seres extraterrestres. Sus siguientes películas ya no tuvieron el mismo impacto entre los fans y pasó a ser un tanto olvidado. Lo característico de sus historias, era que al final se revelaba un gran secreto que estuvo oculto durante toda la trama, sorprendiendo a los espectadores. Pues en su más reciente cinta, se mantiene fiel a su estilo pero de forma mucho más sutil.
Una pesadilla psicológica
3 adolescentes son raptadas por un misterioso hombre (James McAvoy) que las encierra en un cuarto aislado de cualquier comunicación. Entre ellas, Casey es diferente a las otras dos ya que es introvertida, anti-social y rebelde en la escuela. Pero también es más inteligente y analiza mejor la situación en la que se encuentran.
El hombre que las secuestró tiene un problema mental en el que habitan 23 diferentes personalidades en su cabeza. Desde un pequeño niño de 10 años hasta un diseñador de modas. Sin embargo, dos de esas personalidades dominan a las demás. La primera es una señora que aparenta ser amable y la otra es la de un obsesionado hombre ruso. Esas dos personalidades están esperando a alguien o algo al que simplemente llaman La Bestia, a quien ofrecerán a las jóvenes como sacrificio.
Es por ello que Casey debe averiguar qué es lo que ocurre con el hombre de numerosas personalidades y encontraruna forma de escapar.
Hay saltos en el tiempo en cuanto a la historia, ya que también conocemos un momento muy importante en la infancia de Casey y del porqué actúa tan extraño. Podría parecer que no tiene relación alguna pero nada está sin sentido o sin razón en las películas de Shyamalan.
Thriller de gran calidad
El director es experto en narrar historias de suspenso y thriller. Desde los primeros minutos hasta el final estarás al borde de tu asiento tratando de crear o encontrar en tu mente una solución para que las jóvenes escapen.
La técnica que utiliza Shyamalan es nunca dejarnos ver la imagen por completo. Los encuadres de la cámara son muy cerrados en los personajes y muchas veces no podremos ver por completo su cuerpo o incluso sus cuerpos. También llega a encuadrar en planos extraños y a los que no estamos acostumbrados en el cine convencional. Eso crea una sensación de incertidumbre en los espectadores, ya que nos sentimos limitados al no ver lo que ocurre por completo, nos sentimos igual de atrapados que las protagonistas.
Conclusiones
Fragmentado un gran thriller psicológico que mantiene tu atención todo el tiempo. Nunca sabes qué es lo que está por venir y tiene momentos muy aterradores. La historia es interesante e inteligente, sin dejar ningún cabo suelto.
El director, M. Night Shyamalan, regresa con una película seria y de gran calidad. Aunque no se compara con sus primeros éxitos, sí es muy disfrutable y te dejará pensando en lo ocurrido por varias horas.
Además, el actor James McAvoy, a quien muchos recordamos por el papel del Profesor Xavier en las recientes películas de los X-Men, hace un gran trabajo al interpretar diferentes papeles dentro del a misma persona de forma creíble.
La película se estrena en salas de latinoamérica el próximo 17 de febrero.
17 años después de que Hugh Jackman interpretara a Wolverine por primera vez en el cine, llega una película que cambia por completo lo que habíamos visto hasta el momento en las otras cintas. Logan es una versión más madura, violenta y cruda del mutante más famoso de Marvel Comics. Probablemente sea la última vez que veamos a este personaje en mucho tiempo, así que 20th Century Fox ha tirado la casa por la ventana en una de las mejores películas de super héroes que hayamos visto en mucho tiempo. Aquí te presentamos nuestra reseña SIN SPOILERS.
Después de que por varios años, las películas de Marvel Comics producidas por 20th Century Fox no tuvieran el éxito deseado con la crítica y los fans como en los casos de Fantastic Four y X-Men: Apocalypse, por mencionar algunas, parece que han logrado revertir la situación.
Si la película de Deadpool del año pasado dejó algo en claro, es que hay un público que está cansado de las películas de super héroes para niños. Además de que fue muy bien recibida por la crítica y por los fans, también fue un éxito rotundo en taquilla. Logan continúa por ese camino, pero dejando fuera la comedia para brindarnos una película clasificación “C” llena de violencia, una historia muy cruda y un cambio total en el estilo visual al que estábamos acostumbrado.
Inspirada en Old Man Logan
La trama de la película está basada en su concepto en uno de los mejores comics del personaje de los últimos años. Me refiero a Old Man Logan, donde Wolverine está viejo y se encuentra en una dimensión paralela donde los villanos dominan el mundo. El escritor de ese comic, Mark Millar, participó como consultor de historia en la película, aunque el guión fuera escrito por el director James Mangold quien también estuvo a cargo de la película anterior titulada The Wolverine.
No necesitas haber visto todas las películas anteriores de X-Men ni las de Wolverine. Aunque sí hay pocas referencias a otros personajes y situaciones que vimos en ellas, Logan vive por su propia cuenta. Todo lo que necesitas saber, tanto de los personajes como del mundo en el que se lleva a cabo, lo ves en pantalla.
La historia se lleva a cabo en el año 2029, en un mundo donde los mutantes han estado prácticamente extintos por un par de décadas. Logan, a pesar de ser un mutante con la habilidad de regenerar su salud, ya no tiene la misma fuerza que en su juventud y sus poderes tardan mucho más tiempo en hacer efecto. Sus adicciones han aumentado, sobretodo al alcohol y trabaja como chofer de limosinas.
Él vive a escondidas en la frontera de Texas con México junto al mutante Calibar y a un senil Profesor Xavier quien tiene ahora más de 90 años y su mente, la cual es la más poderosa del mundo también es muy peligrosa debido a enfermedades crónicas por su edad. El propósito de Logan es conseguir un yate para llevar al Profesor a alta mar donde no sea un peligro para el mundo.
Pero todo estará a punto de cambiar cuando llegue a él una pequeña niña llamada Laura, quien también es una mutante y podría tener una relación especial con Logan. Ella es conocida como X-23 y es considerada como una máquina para matar. Hay un grupo militar del gobierno de los Estados Unidos que está detrás de ella, así que Wolverine tendrá que decidir si la ayuda o no.
La película más violenta de Marvel
En Logan podemos ver al personaje como siempre quisimos hacerlo. Aunque en las otras películas sí llegaba a atravesar a alguien con sus garras de Adamantium, aquí perderás la cuenta de todas las veces en las que atraviesa la cabeza de alguien o le corta los brazos a sus enemigos. El grado de violencia en la película es comparable con el Volumen 1 de Kill Bill y con la acción constante de Mad Max: Fury Road. Y no se trata simplemente de secuencias de violencia gratuita ya que todo está justificado por la trama, las motivaciones personales de los personajes e incluso por su estado de ánimo.
Creo que la película sorprenderá a muchas personas en la audiencia, tanto por situaciones sorpresivas como por el grado de violencia que hay en ella. Pero no es buena exclusivamente por las escenas violentas. Lo mejor de Logan, es que el director hizo un gran trabajo para mantener el interés en la pantalla durante las más de 2 horas que dura la cinta. En realidad sientes aprecio por los personajes y deseas que cumplan con su meta. Es una cinta que está repleta de diferentes emociones, tiene desde momentos de mucha acción hasta situaciones emotivas que dejan a la audiencia con la mirada fija en todo lo que ocurre y con la boca abierta.
Sin embargo, la película no llega a ser perfecta. Al final quedan algunos cabos sueltos y hay situaciones de la trama que son poco creíbles o que no fueron planeadas de forma correcta. Algunos de los misterios podrían solucionarse con una secuela, pero es poco probable que eso ocurra.
La mejor versión de Wolverine
Por 17 años hemos visto a Hugh Jackman interpretar a Wolverine. De hecho, se ha convertido en el papel por el que es más reconocido. Ya nos es imposible verlo sin pensar inmediatamente en Wolverine y será muy difícil que otro actor pueda llenar sus zapatos en el futuro.
Pero a pesar de que en todas las películas en las que ha participado ha mantenido la personalidad ruda, solitaria, anárquica y violenta del personaje, ninguna se le compara a la que vemos en Logan. Es hasta ahora cuando en realidad sentimos a un personaje real, que expresa mejor sus sentimientos y que incluso se siente más humano (aunque suene irónico por ser mutante).
Jackman ha logrado perfeccionar al personaje y literalmente se convierte en él. Aunque por fuera parezca rudo y solitario, por dentro mantiene el sentido de heroísmo y por querer hacer el bien. Sigue teniendo valores altos.
Físicamente luce demacrado. El alcoholismo lo ha vuelto un poco torpe, pero también la edad ha hecho que ya no sea tan hábil como antes. Aunque sigue teniendo buena condición física, ya no golpea o corre como en otras películas. Su cuerpo lleno de cicatrices, nos refleja la dura vida que ha tenido y de la cual ya está cansado, pero su regeneración automática lo ha hecho prácticamente inmortal.
Es una gran actuación por parte de Jackman, no sólo como Wolverine, sino en general.
Otra gran actuación es la de Patrick Stewart como el Profesor Xavier, quien ha dejado de ser uno de los seres más inteligentes del planeta para ser ahora un anciano que necesita del cuidado de otros para continuar viviendo. Su personalidad se podría decir que incluso es un poco infantil ya que la edad lo ha deteriorado mucho. Es de esos papeles con los que te puedes encariñar, pero a la vez sentir pena debido a que ha tocado fondo en su vida.
Y por último, la niña también tiene un papel muy destacado en la película. Es el debut de la actriz Dafne Keen de 12 años en el cine. A pesar de su rostro inocente, logra hacerse sentir como una máquina de muerte. Puede que no llegue a ser tan carismática como Eleven de Stranger Things o incluso como Natalie Portman en El Perfecto Asesino, pero sí ha tenido una gran actuación en su primer cinta de Hollywood. Seguramente vemos más de ella en el futuro.
Conclusiones
La década de los noventa fue sin duda muy importante para Disney cuya animación logró cautivar a toda una generación con una etapa a la que se le conoce como el Renacimiento de Walt Disney Animation Studios en la que un gran semillero de talentos entre directores, animadores y músicos le dieron forma a mucho que actualmente le da fuerte identidad a la empresa. Quizá la obra más notable de la época que en su tiempo estuvo nominada a Mejor Película en los premios de la Academia fue La Bella y la Bestia que es muy posible que se encuentre muy alto en el top de cualquier fan de Disney, de ahí que reimaginar el reciente clásico tuviera sus fuertes riesgos.
Esos riesgos vienen desde la elección del elenco hasta la manera en que los coloridos muebles vivientes se animarían en esta adaptación live-action y sobre todo qué tantos cambios se hicieran a la historia original de Linda Woolverton que le dio a la “fábula ancestral” ese toque específico de Disney que amaron los fans en su momento.
Desde Alicia en el País de las Maravillas (Tim Burton, 2010), Disney se convenció que había un fuerte potencial económico en recontar sus historias a través de adaptaciones live-action, y a lo largo de los años hemos visto como algunas de esas historias se mantienen muy fieles a las obras originales (Cenicienta, 2015), algunas se van radicalmente a contar una historia completamente nueva (Maléfica, 2014) y otras se mantienen en un terreno neutro tratando de respetar lo que quizá busque el fan de Disney clásico que creció con las cintas animadas añadiendo un par de elementos nuevos o una aproximación distinta como el caso de El Libro de la Selva (2016) que el año pasado recibió buenas críticas en general y hasta se llevó su Oscar por efectos visuales sin necesidad de ser un musical.
¿Dónde queda La Bella y Bestia entre esas distintas tendencias? Me parece que en un terreno neutro con toques que se inclinan más hacia respetar lo que los fans amaron del clásico animado no sin agregar un par de nuevas líneas argumentales que modifican ligeramente la historia de origen de los personajes que bien conocemos.
La mejor decisión a mi parecer para esta nueva versión de La Bella y la Bestia fue mantenerla como un musical, algo que no estuvo dicho desde el principio en su producción pero que al final, en gran medida, es lo que logra mantener ese encanto que ha dado “magia” a las versiones animada y de Broadway del clásico de Disney. Es bueno saber que el genio musical Alan Menken esta de vuelta, pieza vital de los aclamados temas que hicieron a Disney ganar de forma consecutiva la categoría de mejor Música Original y que logró galardonar varios temas originales en los noventa; Menken estuvo completamente involucrado en esta nueva versión que pretende conquistar a nuevas generaciones con su propuesta y que también del lado musical llega con unos cuantos temas para darle frescura a esta nueva Bella y Bestia. También sus respectivos méritos los tiene Bill Condon (Dreamgirls, Chicago) quien en un movimiento acertado quedó como director al pensar que los números musicales debían ser muy vistosos y un hilo conductor inherente a la historia que conocemos, algo que al final le dio muy buena cohesión a la película.
Cambios que dan frescura pero mantienen la emotividad del clásico
La historia que nos presenta la nueva versión de La Bella y la Bestia es en esencia la misma que seguro han memorizado los fans de la película animada. El príncipe (Dan Stevens) que recibe una maldición y se queda convertido en Bestia, al lado de su castillo que se cubre de obscuridad y toda su corte que se convierten en muebles parlanchines (Ewan McGregor, Ian McKellen, Emma Thompson, entre otros); del otro lado Bella (Emma Watson) que no encaja con la tranquilidad de su pueblo buscando ir más allá de esa vida tranquila, amando los libros y buscando salirse de los estereotipos de la mujer de la época. El destino reúne a nuestros dos personajes que aprenden uno del otro y dan lugar a un romance de esa “fábula ancestral” que casi todos conocen.
La estructura del guión original de Woolverton es en gran medida respetado, y para que entiendan qué tanto han cambiado las cosas haré una pequeña analogía. Imaginen dos listones muy similares pero de distintos colores con nudos en los mismos lugares: así serían la versión original y este nuevo live-action de la Bella y la Bestia si los ponemos lado a lado. Los nudos son los números musicales que se mantienen prácticamente intactos y con enormes cantidades de fan-service para los amantes del clásico animado, en el caso de la nueva cinta agreguemos las nuevas canciones de Alan Menken que no rompen con la estructura que todos conocemos. Los diferentes matices en los colores de los “listones” serían cambios que le dan un toque de variedad a las cosas como las conocimos en la película original y que son lo suficiente para que el que busca algo nuevo en esta nueva versión lo encuentre, pero que quien quiera algo fiel a lo que conoce esté tranquilo. El “listón” de la versión live-action además de tener los elementos de la película original en la misma distribución incluye “adornos” que no lleva el otro “listón” y que serían explorar un poco en las vidas de Bella y Bestia para dar un poco más de contexto a los matices y ligeros cambios de personalidad con los que nos topamos, pero no son tan vistosos o exagerados como para opacar que su objetivo son más bien servir a una historia que en 1991 funcionó de maravilla y que termina regresando a esos nudos que son sus fantásticos números musicales.
En general, los cambios que incluye la nueva Bella y Bestia buscan darle más coherencia a los momentos en los que te podrías preguntar el “por qué” de varios de los nudos argumentales del clásico, en ocasiones lo resuelve bien pero a veces explora temas a medias o deja algunos huecos que empeoran un poco las cosas, pero vuelvo a lo que comentaba, me gusta como al final regresan al mismo nudo que son los números musicales y la estructura general de la historia que busca ser fiel al clásico también en sus puntos más sustanciales.
Las nuevas canciones quizá no suenan tan épicas como aquel perfecto soundtrack de Alan Menken y el fallecido Howard Ashman que siguen moviendo todas nuestras emociones incluso en esta nueva versión con vistosos y exuberantes números musicales en los que entendemos que Bill Condon haya sido la elección perfecta para dirigir la cinta. Una de las nuevas canciones que lleva por nombre Evermore me recordó por sus notas, letra y contexto a El Jorobado de Notre Dame (1996) y me parece que entre todas la nuevas adiciones es la que tiene más potencial de convertirse en un clásico moderno.
Como fan del clásico animado puedo decirles que me agradó mucho que en algunas líneas del guión se respetaron frases exactamente como las recordamos, escenas que nunca olvidaremos con su respectivo tributo en esta cinta. Respecto a los cambios puedo decir en resumen que pueden esperar de todo, varios de ellos se sienten adecuados, otros innecesarios, irrelevantes y hasta un poco forzados pero al menos suficientes como para ver el “listón” de otro color como un nuevo vistazo fresco a una historia que a muchos nos marcó y que en un sentido positivo busca generar también su propia identidad.
Elenco y estilo
Quizá muchos lo primero que se preguntarán fue, ¿qué tal hizo Emma Watson el papel de Bella? Y cómo no hacerlo al ser un verdadero ícono que se quedó en la mente de la misma generación que creció con la fábula ancestral al lado de la saga de Harry Potter. Puedo decirles, estén tranquilos, me parece que el papel tampoco fue tan exigente como para ver a una Emma Watson muy distinta o arriesgada respecto a lo que le hemos conocido, pero me parece que su desempeño fue bueno al representar a una de las princesas Disney con personalidad más interesante, mostrándose sencilla, adorable, y dispuesta a darle pequeños nuevos matices que se agregan a la Bella que todos conocimos.
Del lado del resto del elenco, hay buenos aciertos también, aunque Dan Stevens queda casi siempre oculto ante el CGI que da vida a una Bestia mucho más humana que la del clásico animado se desempeña de manera correcta. Las voces de Ewan McGregor como Lumiere, Ian McEllen como Din Don y la genial Emma Thompson como Ms. Potts destacan entre los muebles del castillo que curiosamente tienen mucho más vida y gracia de lo que hubiéramos esperado la primera vez que se revelaron los diseños que no a todos agradaron.
No podemos olvidar a Gastón (Luke Evans) y LeFou (Josh Gad) personajes en los que vemos cambios significativos pero siguen manteniendo ese tono cómico con sus marcadas personalidades muy bien interpretadas por los actores elegidos para darles vida.
Para nada los nuevos personajes del castillo igualarán lo que logró la película original de hace veinticinco años, pero hacen un poco más de sentido cuando piensas en el estilo del siglo XVIII (1740 para ser exactos) que toma toda la cinta y con el paso de los minutos te vas acostumbrando a que detrás de su extraña apariencia está ese toque colorido muy característico de Disney que alegrará a chicos y grandes en la sala de cine.
Los efectos visuales son buenos y dignos del enorme presupuesto de una cinta que no podía fallar para Disney, aunque podemos decir que llegan a ser un poco más modestos que en otros filmes live-action de Disney contemporáneos por la naturaleza misma de la cinta. Y elementos completamente animados como la nueva Bestia personificada por Dan Stevens se sienten naturales y bien logrados.
Comentarios finales
Películas de acción hay muchas pero son pocas las que consiguen sobresalir y ganarse un lugar ya no digamos dentro de la historia, sino en el género mismo. Y es que pese a lo que aparentan, hacer cintas de este tipo representa un gran reto debido a que no existe una fórmula predefinida que diga lo que hace que un film de acción sea bueno o no; se tienen nociones, pero ninguna de éstas son absolutas.
La cinta de John Wick es uno de los ejemplos más recientes que demuestra lo antes expuesto. Aunque se trata de una película de acción que retoma varios de los patrones del género, ésta fue dotada con diversos elementos que pocas veces se han visto o utilizado en proyectos semejantes y que la ayudaron a sobresalir de entre otras propuestas similares.
Ahora y tras tener una recepción increíble, nos llega una continuación de la aclamada cinta del 2014 bajo el nombre de John Wick: Chapter 2, misma que viene a demostrarnos que cuenta con todo lo necesario para consolidarse como un nuevo referente del género.
Tal y como su nombre lo indica John Wick: Chapter 2 es una secuela directa de su predecesora, situada apenas cuatro días después de los acontecimientos que vimos en ésta. De nueva cuenta seguimos de cerca a John (Keanu Reeves), un asesino retirado con tremenda reputación dentro del bajo mundo que sigue intentando desprenderse de su vida pasada mientras busca al redención de los sucesos recientes que lo han atormentado. Para su desgracia, rápidamente se percatará de que esto no será una tarea sencilla debido a que hay diversas que harán lo que sea por regresarlo al negocio clandestino de la muerte y por hacerse de sus servicios como mercenario.
Comparada con su predecesora, John Wick: Chapter 2 cuenta con una historia mejor estructurada y una narrativa más trabajada. De hecho tanto es esto así que incluso aquellos que no vieron la primera parte les resultará fácil comprender rápidamente el pasado del protagonista, el contexto en el que se encuentra y las razones que lo orillan a actuar de la manera en la que lo hace. No obstante, quienes ya vieron la primera película son los que más la disfrutarán dado que ésta guarda enormes referencias, guiños y menciones a muchos de los elementos que aparecieron en su predecesora. Si te es posible te sugiero que la veas antes de acudir a ésta.
Si bien es cierto que su trama puede llegar a ser demasiado predecible en varios momentos, ésta por ningún motivo se siente pesada, sosa o absurda; gracias a la manera en la que se estructuró, ésta logra retener nuestra atención ya sea por medio de su trama o, aún más importante, por sus fenomenales secuencias de acción. Eso sí, ésta no se salva de contar con momentos que bien pudieron haber sido trabajados de mejor manera o que se prestaban para ser abordados de forma más profunda, sobre todo durante su primera mitad.
Pero como se podría esperar, la historia de John Wick: Chapter 2 no es el principal fuerte de la película sino sus escenas de acción; y como no habrían de serlo, si fueron precisamente éstas las que lograron atrapar e impresionar a millones de espectadores. Para esta ocasión la película fue dotada con más secuencias de este tipo que destacan por su genial y creativa coordinación así como por el acertado ritmo y manera en las que se manejan y que nunca caen en el abuso. Así como hay escenas de explosivos enfrentamientos con disparos y armas de fuego, también hay otras más con sorprendentes y dinámicas peleas cuerpo a cuerpo e, incluso, otras más en las que se combinan ambas formas. Puedes dar por hecho de que la acción que aquí verás te sorprenderá de alguna u otra manera.
Adicionalmente , un aspecto que me fascinó y que siento que le da un valor agregado al film fue la manera en la que el guión juega con las propias tomas y elementos de los escenarios para enfatizar determinados momentos y complementar su narrativa. Como tal los diálogos en John Wick 2 son muy limitados y tienden a ir casi siempre al grano, sin mucho rodeo de por medio. Para solventar esta aparente ausencia de conversaciones la película recurre al uso de diversas perspectivas y encuadres que le ayudan darle mejor significado a lo que vemos en pantalla. No es como que intente ser filosófica, pero hay varios momentos en los que la cámara expone más de lo que los propios personajes dicen con sus palabras.
Finalmente y no menos importante, me agradó bastante la manera en la que los productores aprovecharon la continuación para ahondar todavía más en el mundo de John Wick y, mejor aún, en el propio protagonista. Dentro de ésta se nos muestran algunas cosas a las que solamente se hacían mención en la primera película y que no habían quedado del todo claras. De igual forma, ver el lado más humano y vulnerable de un personaje como John Wick que se cree es invencible, es algo que consigue hacernos empatizar con el protagonista.
Ciertamente, John Wick: Chapter 2 es una mejor película que su predecesora. Cuenta con una mejor narrativa, un guión bien diseñado, tomas y encuadres llamativos y secuencias de acción increíblemente coordinadas y variadas. Aunque se trata de una película de acción, ésta cuenta con un perfil un tanto diferente que la hace ver y sentir como algo distinto a lo que hemos visto en años recientes.
Sí, es cierto que ésta cuenta con algunas fallas como lo son su historia que tiende a ser predecible o un ritmo que se siente un poco sobrecargado al inicio. No obstante, lo que ésta ofrece basta y sobra para hacerla sobresalir como una genial película de acción. Tras verla, no me queda duda de que estamos ante una cinta que bien podría venir a cimentar las bases de una serie de gran renombre.
Hollywood tiene una pésima fama en cuanto a la adaptación en película de videojuegos, anime o animaciones se refiere ya que, salvo por muy contadas excepciones, éstas suelen caer en el espectro de la pésima calidad. Cintas como como Dragon Ball: Evolution o The Last Airbender son, al menos en el caso que nos compete, el ejemplo más infame de cómo llevar a la pantalla grande una serie de anime no es tarea sencilla, sobre todo cuando ésta se realiza fuera de Japón.
En 2008 los amantes de las animaciones niponas volvieron a pegar el grito en el cielo cuando trascendió que en Hollywood planeaban realizar un film de Ghost in the Shell, serie que es considerada por muchos como un clásico de culto debido a los complejos y filosóficos temas que aborda. Con un perfil como éste y con antecedentes como los ya mencionados, muchos no duraron ni un momento en anticiparse a calificarla como un completo bodrio – y siendo sinceros, no los culpo de ello-.
Desde aquel entonces han transcurrido ya casi diez años y muchas cosas que hicieron de su proceso de producción uno turbulento que lo mantuvo al margen de la cancelación. Sin embargo y pese a los prejuicios de millones de fans, por fin nos llega esta adaptación de la cual, sorprendentemente les puedo decir que no terminó por convertirse en esa enorme bazofia que varios auguraban.
Uno de los más grandes temores que se tenían sobre esta adaptación de Ghost in the Shell iba encaminada con su historia ya que se sabía que intentaría abordar la trama de la primera y exitosa película de 1995 que dirigió Mamoru Oshii. Si bien es cierto que muchos de los elementos, escenas e ideas de ella fueron retomadas para la cinta en turno, al final del día ésta no la replica por completo. Más bien lo que la nueva adaptación nos muestra es una historia relativamente original que rescata varios aspectos de toda la obra de Masamune Shirow aunque hace un enorme énfasis en dos principales argumentos de ésta: la del primer film en anime de hace 22 años y en parte de la segunda temporada de Stand Alone Complex 2nd GIG.
Situada en una versión futurista del mundo en el año 2029 la trama de esta reinterpretación de Ghost in the Shell se centra en La Mayor/The Major (Scarlett Johansson), una comandante híbrida entre cyborg y humana perteneciente a un grupo operativo conocido como Sección 9 que se dedica a combatir a hackers y terroristas cibernéticos. En esta ocasión el equipo se enfrentará a un misterioso criminal anónimo que buscará destruir a como dé lugar a Hanka Robotics, la compañía líder en avances de la cibertecnología. Sin embargo y durante su misión nuestra protagonista se dará cuenta de que existe un oscuro secreto detrás de los motivos del nuevo villano que la incitarán a cuestionarse por su verdadera identidad.
La trama de la película se diseñó especialmente para justificar toda esa combinación de elementos provenientes de las cintas y el anime con su premisa “original”, la cual no dudo que desconcertará a varios espectadores. No obstante y si he de ser franco, siento siento que el experimento que hicieron Rupert Sanders y su equipo con el guión del proyecto terminó por cimentar una narrativa que, aún y con sus notables desperfectos, logra salir a flote y exponer un relato convincente… a secas. Pero vayamos por partes.
De entrada y comparado con otras versiones de Ghost in the Shell, la historia de esta nueva película se centra en La Mayor y en su incansable deseo por querer conocer quién es en realidad. Desde el inicio de la cinta se nos deja en claro que la cyborg es alguien con demasiadas dudas, que no se siente del todo conforme sobre la realidad que vive y que estará dispuesta a tomar riesgos con tal de descubrir algo que le ayude a concerse.
Ciertamente éste es uno de los aspectos que más detesté de la cinta por un simple hecho: la sobreactuación de Johansson. Para muchos el personaje de Motoko Kusanagi se distinguía por ser alguien fría, calculadora, hábil, con un perculiar sentido del deber y que demostraba una actitud inquebrantable frente a cualquier adversidad; lo que en su lugar vemos aquí es una Mayor mucho más frágil, confundida y ciertamente pasional. En sí esto no sería un problema como tal pero, infortunadamente, la personalidad e intención con la que actúa la actriz acaba por entorpecer varios momentos, incluso aquellos en los que se supone está calmada y taciturna. Por más seria que se quiera mostrar, resulta difícil comprarle por completo su interpretación a Scarlett; en definitiva no es su mejor papel.
Debido a lo anterior el elenco de personajes se siente un tanto desperdiciado. Tal y como muchos se podrán esperar compañeros de Motoko como Batou (Pilou Asbaek) o el jefe Aramaki (Takeshi Kitano) están presentes y cargan con cierto peso dentro de la historia; incluso hay algunos otros personajes nuevos como la doctora Ouélet (Juliette Binoche) que se ganan a pulso su lugar en la historia. No obstante, al final todos terminan siendo eclipsados por la propia Motoko quien, como ya dije, no logra atraparnos por completo. Hubiera sido genial que se les diera mayor peso a los personajes secundarios ya que eso fue lo que precisamente hacía sentir a la Sección 9 del anime y manga como una agrupación balanceada en la que quien solía llevar la batuta era la propia Kusanagi.
Otro aspecto que se siente abordado de manera extraña es su premisa. Como mencioné al inicio del texto, la serie de Ghost in the Shell se ha caracterizado por ser una que toca temas sumamente complejos en los que se explora la identidad humana dentro de un contexto tecnológico que parece absorber el lado vivo del mundo. Para la película este rubro se mantuvo aunque se redujeron notablemente los matices filosóficos en favor de una narrativa que fuese más asimilable para los espectadores. Obviamente esto último no resulta tan extraño y hasta se entiende las razones por las que se realizó así pero, en definitiva, deja bastante a desear la manera en la que se adentran a tales cuestiones puesto que al final termina por dárselas digeridas al espectador. No hay cabida para la reflexión profunda, vaya.
Otro desperfecto que va muy de la mano con lo último son la adaptación de varios momentos claves de la cinta. Tal y como se venía diciendo, en la película seremos testigos de varias de las secuencias y fragmentos más memorables de la cinta del 95 que han sido adecuadas para el formato del proyecto. Si soy justo, creo que esto es uno de los apartados en los que más brilla el largometraje ya que todas y cada una de las situaciones que se nos muestran capturan la esencia del referente sobre el que se basa de forma muy satisfactoria. Se nota que el equipo de producción estudio muy bien esas partes para adaptarlas lo mejor posible y, aún más importante, con coherencia – porque dicho sea de paso, varios de los momentos originales se ven muy forzados-.
De la conjugación de todo o anterior deriva un desperfecto del que no se necesita ser un conocedor de de la obra de Shirow sensei para percibir, y esa es su irregular narrativa. La película de Ghost in the Shell tiene muchos altibajos que se recienten notablemente en varios momentos. De comenzar con una secuencia increíble pasamos a una parte en las que el ritmo baja rápidamente y en el que apenas y suceden algunos chispazos. Posteriormente, el ritmo vuelve a subir aunque éste se vuelve a caer y no repunta sino hasta dentro de su último acto que se ve cargado con toda esa acción y tensión que se omitió previamente. Por tal motivo considero que muchas personas (léease los espectadores casuales) podrían sentir que el film es algo pesada y tediosa en más de la mitad de su duración pero, si la logran soportar, disfrutarán su desenlace en buena medida.
En lo que respecta a la ambientación de la cinta, nuevamente resalta la enorme dedicación con la que los diseñadores crearon y reimaginaron a esta versión futurista de la Tierra ya que le hace justicia a la obra de Shirow-sensei. El mundo de GitS se siente tecnológico y muy avanzado y aprovechó la época en la que actualmente vivimos para basar mucho de sus conceptos. Eso sí, no pude evitar percibir que el film abusó un poco de esto último ya que en muchas ocasiones las propias tomas buscaban alguna justificación para resaltar todos esos elementos que hacían de su locación algo tecnológicamente avanzado.
En cuanto a la calidad de las tomas y la fotografía, Sanders y su equipo se ganaron una palomita en esfuerzo. Si por algo muchos nos quedamos maravillados con el largometraje de Mamoru Oshii fue por la fabulosa calidad de sus ilustraciones y enfoques que jugaban con la perspectiva mientras nos exponían locaciones muy estéticas. En esta nueva versión también hay tomas con este mismo corte que, aunque maravillan, difícilmente logran impactarnos de la misma forma que la contraparte de animación.
Han pasado ya poco más de diez años desde que concluyó el anime original (o el segundo para Japón) de Yu-Gi-Oh! y de que vimos combatir por última vez a Yugi y al faraón Atem. Aunque es cierto que en aquel entonces la famosa franquicia que creó Kazuki Takahashi continúo expandiéndose con nuevas series que nos presentaron a más personajes y cartas de monstruos, resulta imposible negar que varios fans se alejaron por completo de la serie una vez que concluyera el anime. No es para menos ya que se trata de una de esas series que capturó a miles de seguidores que consideraron que jamás habría algo que se le pudiera igualar.
Ahora y para complacer a todos esos fans del Yu-Gi-Oh! original, Konami y Studio Gallop nos traen una nueva película titulada Yu-Gi-Oh!: The Dark Side of Dimensions, la cual busca retomar a los entrañables personajes que conocimos hace más de una década para colocarlos en una última aventura con la que por fin se da cerrojo a esa fantástica saga. El resultado ofrecido es, por mucho el de la mejor película de toda la franquicia.
¡Es hora del duelo!
Situada seis meses después de los acontecimientos con los que concluyó el anime, la película nos permite ver lo que pasó con sus personajes principales. Empezando por Yugi y sus amigos, éstos se encuentran disfrutando de sus últimos días como estudiantes y alistándose para lo que harán una vez que se gradúen de la preparatoria. Por su parte Seto Kaiba, quien aún sigue dolido y frustrado por nunca haber podido vencer a Atem en un duelo, se dio a la tarea de buscar y reunir todas las pieza del rompecabezas del milenio para armarlo y así invocar de nuevo al faraón para retarlo a una batalla en la que buscará saldar deudas. Sin embargo la misión del joven CEO de Kaiba Corp pronto se verá interrumpida por Aigami, un nuevo y misterioso personaje que, con la ayuda de un enigmático artefacto que le brinda grandes poderes, intentará estropear los planes de Kaiba por traer de vuelta al alterego de Yugi y así consolidar su propia venganza en contra del antiguo monarca egipcio.
Tal y como se podría esperar de Yu-Gi-Oh! la trama de la cinta es extremadamente exagerada y cuenta con varios tintes dramáticos que la alejan de la sobriedad (pero vamos, ésta es una de las razones que hicieron tan popular a la serie en su momento). A lo largo de la película veremos desarrollarse varias situaciones que nos permitirán conocer el contexto de varios personajes y saber lo que los motiva a actuar de la manera que lo hacen, obviamente todo con sus debidos elementos sobrenaturales, trágicos, melosos y clichés.
Curiosamente lo que más me llamó la atención de The Dark Side of Dimensions es que ésta se centra enormemente en Kaiba. Prácticamente toda la trama de la cinta gira en torno a Seto y a su sed de revancha y el peso que se le da a Aigami o al propio Yugi apenas y es algo significativo (pero trascendente) para la narrativa. En lo personal siento que este enfoque es uno de los puntos fuertes que tiene el film ya que consigue que las historias de los tres personajes se entrelacen de manera convincente y sin opacar nunca al principal motivo que las une: el deseo de Kaiba por traer de vuelta al faraón. Eso sí, eso no evita que la obsesión que tiene Seto por Atem se llegue a sentir demasiado exagerada (y hasta preocupante) en varios momentos.
Fuera de ese gran acierto, la cinta se esfuerza muy poco por querer salir de la fórmula que le conocemos a la serie; es más, incluso me atrevo a decir que la película abusa demasiado de dicho molde. Con tal de mostrarnos una historia profunda que justifique sus bases, The Dark Side of Dimensions se llega a extender de manera innecesaria al añadir momentos que bien pudieron ser omitidos o reemplazados con otros. A la par de esto, la narrativa tiene varios altibajos que rompen con su ritmo, mismos que se ven reflejados en las interrupciones abruptas que hacen las secuencias tranquilas y explicativas dentro de los momentos más épicos y explosivos que se ven en los duelos. Y para rematar la historia, aunque es fantástica, no deja de percibirse como una variante de la saga de Ciudad Batallas del anime que muchos ya vieron.
Fantásticas batallas que te harán querer sacar tu baraja de nuevo
Por suerte, desperfectos como éstos son compensados con secuencias de duelos fantásticos que desbordan emoción y altas dosis de desmesurada adrenalina. Aspectos que hicieron tan memorables a los combates que vimos en la serie como escuchar a los personajes gritar sus movimientos, ver aparecer en el campo de batalla a sus poderosos monstruos, los explosivos y deslumbrantes ataques que éstos hacen o las inconcebibles estrategias que incluso violan las propias reglas del juego original están de vuelta para beneplácito de todos los fans. Lo mejor de todo es que la cinta hace un gran uso de las animaciones CGI para dotar a los duelos con una presentación magistral que dejara a las seguidores más que sorprendidos.
De igual forma y aún y con lo cliché que llega a ser su historia, el desarrollo de personajes es fabuloso pero llega a ser algo desbalanceado. Sí, ya dije que la cinta le da un mayor peso a Kaiba sobre a Aigami y a Yugi pero, en definitiva considero que pudieron haber aprovechado de mejor manera al resto del elenco de personajes. Joey por ejemplo, aunque está ahí para ponerle su lado cómico a la película, no cuenta con un papel igual de trascendente que al que tuvo en la serie original y sus intervenciones parece que fueron incluidas más a la fuerza que con la intención de fortalecer a la trama. Lo mismo sucede con otros personajes como Bakura, Tea, Tristan, Duke o Mokuba, mismos a los que apenas y vemos aparecer en pantalla y/o aportar algo significativo.
La polémica situación del doblaje
Obviamente no podía dejar de hablar del doblaje de Yu-Gi-Oh!: The Dark Side of Dimensions, sobre todo después de ver la gran polémica que se armó en redes sociales cuando se confirmó que los actores originales no prestarían sus voces dentro del proyecto. Admito que cuando esto se anunció fui uno de los miles de fans que mostraron su inconformidad pero, una vez que vi la cinta, me di cuenta de que mi escepticismo estaba exagerado.
Sorprendentemente el doblaje de la película es muy bueno aún y con el hecho de que ésta fue doblada en su mayoría por un elenco de actores relativamente joven y sin mucha trayectoria. Sí, tiene errores previsibles como sobreactuaciones en algunos momentos o poco acoplamiento con los tonos de voz que les recordamos a los personajes originales pero, aún así, el trabajo que ofrecieron logra sacar a flote y de gran manera a una cinta que ya se ha visto manchada por los prejuicios.
Personalmente y algo que note es que, al inicio de la película, muchos de los actores de voz no embonaban del todo con sus personajes y eso los hacía exagerar o no hacer bien sus interpretaciones. Sin embargo y conforme la película se fue desarrollando, sus actuaciones fueron mejorando y demostrando que se acostumbraron paulatinamente a los mismos. Para el final de la película estaba ya tan acostumbrado a éstas que difícilmente puedo decir alguna queja grave de ellas.
Sí, no voy a negar que se extrañan a los actores de voz original (Irwin Dayaan, Ricardo Mendoza, Pepe Vilchis, Lili Barba, Carlos Iñigo, Benjamín Rivera y compañía) dentro de Yu-Gi-Oh!: The Dark Side of Dimensions, pero me siento satisfecho con el trabajo ofrecido por los histriones a los que dirigió el actor Gabriel Gama (voz original de Maximillian Pegasus en la serie). Si te rehusabas un poco a ir a ver la película por este detalle, entonces déjame decirte que debes darle una oportunidad; no es para nada malo como muchos piensan.
Entre todo lo que nos ofrece el cine es bueno ver que se siga poniendo esfuerzo en géneros como el de los documentales, y es por ello que personalmente ya tenía muchas ganas de que se estrenara la más reciente película que se publica bajo el sello Disneynature que lleva por título Nacidos en China.
Si nos remontamos a los orígenes de este tipo de películas no podemos olvidar que entre 1948 y 1960 Walt Disney produjo catorce largometrajes llamados True-Life Adventures, documentales en los que más que crear una historia, su equipo dejaba que fuera la naturaleza misma la que nos ofreciera interesantes relatos.
El legado de las True Life Adventures no sólo dejaron en las manos de Walt Disney un total de 8 premios de la Academia, su legado fue más allá y el concepto generó espacios como Adventureland dentro de los parques de Disney o incluso el mismo parque Disney’s Animal Kingdom en Orlando, Florida, que además de ser un espacio de edutaiment, sirve como centro de investigación y conservación de especies.
Para 2007 surgió el el sello Disneynature que buscó una vez más aprovechar el legado de las True-Life Adventures, buscando cineastas expertos en documentales de naturaleza y ganándose ya un premio de la Academia.
La película que este fin de semana se estrena en los cines es dirigida por el cineasta chino Lu Chuan y nos presenta un viaje a lugares de China que pocos han visto, lejos de las grandes ciudades y acercándose a esos animales que todos identificamos como parte de la mitología de dicho país pero que pocos realmente han visto en su hábitat natural, logrando capturar impactantes momentos, paisajes de ensueño y en general una buena colección de imágenes impresionantes.
Algo que me gusta del sello Disneynature y estos documentales es la manera en que la edición logra que realmente se nos cuenten historias interesantes mediante momentos muy íntimos que logran capturar las cámaras de los cineastas en esos lugares prácticamente inexplorados. Por ejemplo, Monkey Kingdom (2015) que tuvo una increíble recepción, parece que su mayor logro fue una historia que se nos contó en la que se relata toda una verdadera aventura entre los animales que se lograron capturar con los lentes de las cámaras.
Muchos podrían considerar un arma de dos filos el hecho de que la edición logre asignar a los diferentes animales emociones muy humanas que quizá no tienen, por lo que habrá quienes consideren poco realista la manera en que se relatan estas historias de vida; por otro lado, es precisamente ese trabajo con la edición el que logra que en este tipo de documentales no vayas a ver al cine únicamente a disfrutar de montones de datos curiosos sobre las especies que se representan, sino más bien que disfrutes de historias que te mantendrán al filo del asiento y disfrutando una narrativa que si bien tiene toques artificiales en la manera en que se han armado, nos permite de una forma digerible disfrutar de una historia con personajes muy bien definidos mientras apreciamos las impactantes imágenes de la naturaleza que se logran capturar. Yo soy de los que están a favor.
Sin hacer ningún tipo de spoiler puedo platicarles que el mensaje de la película va muy enfocado en el ciclo de la vida mientras se retrata a varias especies en peligro de extinción entre la biodiversidad de China, a quienes se filma en distintas épocas del año.
Mientras que en Monkey Kingdom toda la atención se centraba en un solo personaje, en Born in China tenemos más bien tres historias principales con pequeños añadidos de otras especies pero sin perder nunca el hilo conductor que nos hace centrarnos en las aventuras naturales de tres personajes: la sobreprotectora panda Yaya y su hija MeiMei, el travieso joven langur TaoTao en su búsqueda de identidad en su grupo social y finalmente Dawa, una leopardo de las nieves que busca defender su territorio para que sus hijos puedan crecer sanos y a salvo.
Aunque en general el guión narrado por John Krasinski – Javier Poza en español– es digerible y muy familiar, o que en gran parte de la película se apuesta a la ternura de tomas muy cerradas hacia los animales bebés, la película también puede llegar a ser fuerte en algunas de sus escenas –sin caer en lo explícito– y de forma muy sutil nos muestra que en la naturaleza muchas veces los finales felices no son una opción, con tomas que llegan a ser impactantes sin perder el tono familiar. Eso fue una sorpresa si consideramos que en Monkey Kingdom observamos situaciones de mucho peligro pero casi todo terminó bien al final de la historia y en el caso de Born in China hay uno que otro momento que podría rompernos el corazón.
Otro de los mensajes que más busca retratar Born in China es el que tiene que ver con la vida familiar y la manera en que funciona entre las especies que se muestran en pantalla, y aunque es muy inspirador con sus paisajes que nos llevan a apreciar el valor de la naturaleza y su cuidado, el documental tampoco llega a tocar de forma explícita ese tema o la manera en que el impacto ambiental ha llegado a afectar a las especies que se muestran y que han encontrado en aquellos remotos paisajes su refugio.
Luego de un gran éxito en taquillas que superó los 750 millones de dólares, era inevitable que no se hiciera una secuela para la película de los Guardianes de la Galaxia, personajes que si bien no eran tan populares como el resto de los héroes de Marvel entre el público extenso al que van dirigidas las películas, se ganaron una buena cantidad de fans luego de lo bien que se desempeñó una película que definitivamente está entre las mejores y las preferidas del público entre todo el universo cinematográfico de Marvel.
Afortunadamente fue el mismo James Gunn quien regresó a escribir y dirigir la secuela que esta semana llega a los cines de la región pues esto nos permitió conservar ese peculiar estilo que todo el equipo y elenco dio a la primer entrega de esta serie en el cine.
Colores neón, abundantes referencias a la cultura de los años setenta y ochenta del siglo pasado, humor irreverente, y en general una montaña rusa de acción y diversión de esta película que claramente se va del lado de la comedia, una vez más divertirán a la audiencia, quienes seguirán enamorándose de sus personajes con una de las franquicias de Marvel que con esta segunda entrega realmente se consolida como una de las más divertidas entre todo su universo cinematográfico.
Relato ameno, personajes divertidos y mucho sentido del humor
Sin hacerles ningún tipo de spoiler, podemos hablar de que uno de los temas más importantes de esta nueva entrega tiene que ver con la relación entre Peter Quill (Chris Pratt) y su padre extraterrestre Ego (Kurt Rusell) –quien hace un gran papel–, una aventura que desencadena una serie de eventos en la que los Guardianes no sólo hacen sus tareas cotidianas de cazadores de recompensas espaciales, sino que tendrán que acabar una vez más con una amenaza galáctica muy importante.
Aprovechando que ya tuvimos una buena historia de origen en la película pasada, ahora vemos que no se pierde tiempo en introducirnos personajes que conocemos muy bien, y me parece adecuada la manera en que muchos de ellos evolucionan para entregarnos más momentos divertidos, bromas y toneladas de acción con el estilo propio de estos peculiares héroes de Marvel; por ejemplo, me gustó mucho la manera en que Drax (Dave Batista) evolucionó a ser un personaje mucho más abierto de aquel ser excesivamente centrado en su venganza que vimos en la primer entrega.
Mientras Rocket (Bradley Cooper), Drax y Baby Groot (Vin Diesel) soportan muy bien el humor general de la cinta, me agrada la manera en que se hace énfasis en el conocimiento más profundo de personajes como Gamora (Zoe Saldana) y Peter Quill, mientras que se introducen bienvenidas adiciones como Mantis (Pom Klementieff) o el regreso de personajes que tienen un papel mucho más sobresaliente que en la entrega anterior como Yondu (Michael Rooker) y Nebula (Karen Gillan).
Ya que hablamos de Baby Groot, mi temor de que se abusara de la “ternura” del personaje se disipó luego de ver la cinta, pues si bien tiene una buena participación en el humor y tono general de la película, me parece que se resolvió muy bien la manera en que sus paricipaciones son pertinentes y no un abuso.
La película, al igual que su predecesora que fue explícitamente una cinta cómica, no pierde ese mismo tono, aunque quizá no con la misma sorpresa que nos daba la primer cinta que se sentía mucho más experimental en muchos sentidos, en este caso hay algunos elementos que se sienten muy pre-fabricados al estilo general del universo cinemático de Marvel sin que eso sea algo precisamente del todo malo. Es positivo que aunque es un filme que nunca sube tono para estar al nivel de producciones de Fox como Deadpool o Logan cuyo público al que se dirigen son los adultos, tampoco se ahorra algunos chistes y referencias que quizá pondrán incómodos a los padres que asistan al cine con sus hijos de cortas edades, pero que seguro disfrutarán mucho todos los fans del MCU (Marvel Cinematic Universe).
Algo que hace muy bien esta secuela, al igual que la primer película, es mantener un ritmo que nos mantiene todo el tiempo en una montaña rusa de acción combinada con una gran carga de sentido del humor que nunca acaba, en ese sentido difícilmente te sentirás aburrido, y si además de todo ello vas poniendo atención a una gran cantidad de referencias que se van haciendo tienes suficiente para no sentirte aburrido en ninguno de sus momentos. Eso sí, necesitamos reconocer que hay algunas secuencias en sus dos horas y media que sí se sienten un poco más alargadas de lo que deberían, principalmente la última parte con la que cierra la cinta que ya verán quienes vayan a disfrutarla al cine y es eso quizá una de las mayores debilidades que alejan a Guardianes de la Galaxia Vol. 2 de superar a su predecesora, frente a la que se siente mucho más madura y calculada pero también con algunos minutos desperdiciados.
Buen uso de referencias, excelentes efectos visuales, exquisito soundtrack
Saliendo de la sala de cine le comentaba a mi buen amigo Franz, “¿sabes qué? Me encantaron las referencias sutiles que hace la película, es realmente para ese nerd ochentero que compartimos” y hasta se me vinieron a la mente los libros que me encantan de Ernest Cline (Ready Player One, Armada) que llegan a abusar de dichas referencias.
Es evidente de que luego que el gran Awesome Mix Vol. 1 de la primera película fuera muy aclamado, James Gunn tuviera que llegar con una nueva exquisita selección musical para el sountrack y es algo que una vez más hizo muy bien y que destaca mucho entre la película. El soundtrack no sólo es una buena selección de temas clásicos, sino que realmente tienen un propósito en el que las canciones y sus letras quedan muy bien adaptadas al momento que se está viviendo en la historia de este grupo de héroes que gracias a Quill se han vuelto tan adictos a esta música como todos los que amamos los clásicos de hace ya más de tres décadas.
Lo mejor de todo es que esas referencias no se quedan únicamente ahí, sino que así como se nota desde sus pósters llenos de colores neón, la película en su totalidad mantiene ese estilo peculiar que la hace sentirse especial con la paleta de colores que usa, su dirección artística, sonidos, referencias a la cultura pop y ¡hasta a videojuegos! Me gusta también que estas referencias nunca se sienten abusivas sino que mantienen muy buen equilibrio.
Como era de esperarse en una película del universo cinematográfico de Marvel y de las carteras abiertas que tienen estas grandes producciones, los efectos visuales que nos llevan al espacio con los Guardiantes son muy buenos y no nos dejan mucho qué desear, al ser una película llena de acción no faltan las escenas vistosas llenas de detalles, en las que es buena desde la tierna animación de Baby Groot hasta los montones de explosiones que veremos una y otra vez.
En conclusión… un indispensable para los fans de Marvel en el cine
De todas las clases de animación que existen en el mundo, el anime es una de las más versátiles de todas ya que en ella se suelen abordar historias de múltiples tipos, incluso algunas que difícilmente se podrían tocar con otras: desde aquellas que son inocentes y aptas para todo publico hasta las que hablan de temas mucho más complejos (hasta existenciales y filosóficos) y que hacen uso de elementos sobrenaturales, misterio y/o de acción. No obstante, dentro de éstas también podemos encontrar producciones que relatan historias que se apeguen más a la realidad y que exponen situaciones que bien se le podrían presentar cualquiera en su vida diaria (aunque claro, sin ningún tipo de elemento mágico de por medio).
Koe no Katachi (Una voz silenciosa en Latinoamérica) es uno de los ejemplos más recientes de este último tipo de animaciones. Se trata de una cinta basada en el manga de la autora Yoshitoki Oima que se hizo muy famoso en Japón allá en el 2013 gracias a que aborda una problemática tan común como lo es el bullying pero de una forma en la que se nos muestran las diferentes caras de la situación y que nos permite ir más allá del tema mismo pero manteniendo siempre esa adhesión a la vida real. Por ello y debido a otra gran cantidad de elementos, es que ésta se convierte no sólo en una de las cintas de anime más verosímiles y empáticas que se hayan visto desde hace ya un tiempo sino incluso en una de las más conmovedoras y encantadoras de toda la historia de la animación nipona.
Me gustaría nunca haberte conocido…
Tal y como ya mencioné Koe no Katachi es una película cuyo tema gira en torno a un problema que, aunque siempre ha estado presente en la sociedad, cobró enorme importancia durante años recientes: el bullying. Su historia se centra en Shoya Ishida, un joven que de niño gustaba de molestar a sus compañeros y que durante sus años de primaria se dedicó a fastidiar a una niña de nuevo ingreso de nombre Shoko Nishimiya, quien sufría de sordera. Sin embargo y luego de hacerle bromas de diferente tipo – incluso algunas que la llegaron a lastimar físicamente -, la madre de la pequeña optó por cambiar a su hija de escuela. Obviamente ésta situación también pasó a afectar a Shoya quien, al ser considerado como el único responsable de lo acontecido, empezó a ser ignorado por sus compañeros y se convirtió en el nuevo blanco de burlas y bromas de los demás.
Ahora y luego de sufrir por varios años el rechazo de quienes alguna vez llegó a considerar sus amigos, el muchacho decidirá enmendar su pasado al ir en búsqueda de Shoko y pedirle esa disculpa que sabe debió ofrecerle cuando eran niños.
La manera en la que se maneja la trama de la película es, por mucho, uno de sus puntos más fuertes. Comparado con otras producciones que intentan enfatizar el lado dramático del bullying y sus consecuencias, Koe no Katachi lo hace manteniendo siempre un perfil maduro y verosímil, uno en el que nunca se abusa de la tragedia y que se ve complementado con momentos tanto alegres y cómicos que te harán reír y sacarán una sonrisa, como otros tristes y desdichados que te conmoverán hasta las lagrimas, e incluso unos más contemplativos que te ponen a cuestionarte sobre la vida.
Que esto último sea posible se debe en buena medida a que la cinta nunca se encasilla en el simple pero primordial tema del acoso escolar. De hecho se podría decir que, más que centrarse en éste, lo utiliza más como un medio con el que puede abordar problemáticas que se derivan del mismo y que son igualmente importantes: desde el rechazo social que sufren todos los involucrados (víctimas y victimarios) hasta conflictos de culpa, orgullo, autoaceptación, perdón, amor, estima y redención son sólo algunos de los que verás en pantalla durante las poco más de dos horas que dura el largometraje y de los que se originarán múltiples y muy valiosas enseñanzas.
Algo que me fascinó de Koe no Katachi es que está llena de sorpresas que la alejan de ser totalmente predecible. Si bien es cierto que desde el inicio se nos explica que el tema central sobre el cual se erige toda la narrativa es el acoso escolar, ésta cuenta con varias vueltas y “plot twists” que le otorgan frescura y variedad a lo que ves en pantalla. Adicionalmente y gracias a su estructura que hace buen balance y manejo de todos sus elementos y escenas, la película siempre es entendible, disfrutable y te mantiene interesado a lo que acontece en ella. Si crees que con haber visto los tráilers y avances ya sabes de lo que va, entonces déjame decirte que estás muy equivocado.
… pero aún así, quisiera verte una vez más…
Por otro lado, el elenco de personajes es otro de los más grandes aciertos que hay en la cinta. Éste es variado y todos tienen un peso que de una forma u otra afecta y complementa a la trama. Aunque Shoya y Shoko son quienes llevan la batuta todos sus amigos, familiares y seres queridos aportan algo igualmente valioso a la historia y sus intervenciones nunca se perciben forzadas o fuera de contexto.
Gracias a esto último, se consigue generar un sentimiento de empatía que pocas veces he visto en una cinta animada, especialmente de una de anime. Me sorprende la manera en la que de verdad logras identificarte con todos sus personajes y sus problemáticas y generar un cariño inmenso por su sentir y pesar, al punto de que incluso sufres con sus males que, dicho sea de paso, son algunos por los que podría pasar cualquier persona.
Pero como si contar con una narrativa excelsa y un elenco de personajes memorables no fuera suficiente, el apartado artístico y visual es otro de los rubros por los que el film destaca enormemente. La cinta es producida por el estudio de Kyoto Animation (K-on!, Suzumiya Haruhi no Yūutsu, Clannad, Miss Kobayashi’s Dragon Maid) y, pese a que se nota a leguas que fue dotada con el característico estilo artístico por el que se ha dado a conocer la casa animadora (lo cual es algo que podría no ser del agrado de muchos), ésta consigue desprenderse de toda apariencia “Moe” y en su lugar nos muestra una animación dinámica, preciosa y cuidada hasta en el más mínimo detalle. Además, recurre al uso de determinados simbolismos que fortalecen y hacen aún más entendible su extraordinaria presentación.
De igual forma, un aspecto que refuerza a la narrativa es su apartado sonoro y musical. Dentro de Koe no Katachi los silencios y la música juegan un papel importante dentro de la trama debido a que varias de sus secuencias y escenas carecen de diálogos o recurren al uso moderado de los mismos y, para enfatizar esos sentimientos que sienten los personajes, se hace uso de diversas melodías o sonidos que, más que ambientar, se vuelven un medio en si mismo para expresar ideas y conceptos.
Un drama ligero que no deja de caer en ciertos clichés
Desgraciadamente y aunque me es difícil encontrarle puntos malos, Koe no Katachi cuenta con muy contados defectos que acaban alejándola de la perfección. De entrada y como no podría faltar en cualquier producción de este estilo, la cinta llega a caer en clichés que ya son propios de cualquier anime y que, a la postre, quebrantan un poco el buen ritmo y tono de su narrativa. Por mencionar unos ejemplos aquí se hacen presentes desde personajes estereotipo (tsundere, kudere, dandere, etc.), hasta pocas situaciones de las que resulta inevitable pensar que ya has visto en otros anime.
Otra pequeña queja que tengo recae en su tono. Como ya explique el film maneja un tono de drama ligero que se complementa de múltiples momentos profundos o de gran impacto, lo cual es algo que me encantó pero que me hizo sentir que en ocasiones su tono era demasiado leve y blando como para el tema que abordaba. Reconozco – y hasta aplaudo – que su historia no cae en la trampa de volverse un drama trágico como, digamos, el que vemos en las telenovelas, pero aun así me habría encantado que se dramatizara un poco más en algunas de sus secuencias clave.
Sword Art Online es, sin duda alguna, una de las obras japonesas contemporáneas más exitosas. En menos de nueve años la novela ligera que escribió el autor Reki Kawahara alcanzó niveles de fama mundial tan impresionantes que le han permitido llegar a otras formatos en los que, de igual forma, ya logró consolidarse y darse a conocer ante millones de seguidores. Manga, anime, OVAS o videojuegos; por donde se le vea SAO es ya un referente inmediato de la cultura pop nipona.
Ahora y ante el creciente prestigio que sigue adquiriendo, la serie da el salto hacia uno de los pocos rubros que todavía le faltaba por conquistar: el del cine. Es así como nos llega Sword Art Online The Movie: Ordinal Scale, cinta que busca replicar la gloria de los otros proyectos de la franquicia por medio de una producción, más allá de complacer a los fans, consigue hacerle justicia a esta fabulosa licencia.
En apariencia la cinta da la finta de que está dirigida enteramente a los fans de Sword Art Online y que aborda su trama de manera en la que éstos serán los únicos capaces de entenderla; afortunadamente este no es el caso. Si bien es cierto que los seguidores del anime y las novelas/manga son quienes más disfrutarán de la película y entenderán todas las referencias que se hacen de la obra original, también lo es que ésta maneja su narrativa de tal forma que cualquier persona la puede entender. Al inicio del film se nos presenta una breve introducción que sirve para adentrar al espectador al contexto de la serie y a los sucesos más importantes sobre los que se erige el largometraje. Adicionalmente, a lo largo de ésta también se nos explican muchos de los elementos, términos y hechos que se vinculan con la cinta y que ayudan a comprender las causas y razones que generan lo que vemos en pantalla.
En verdad me sorprende la manera en la que se aborda la historia ya que ésta nunca termina por sentirse ajena o compleja para los espectadores y jamás pierde el hilo de su argumento central. Sin embargo y por más bien que se maneje, ésta no puede evitar mostrar algunos momentos muy clavados en los que el público que no sea tan fan puede perder un poco el interés o distraerse fácilmente. Pero vamos, ésto es uno de los defectos inevitables que se hacen presentes con cualquier película que esté basada en alguna obra existente.
De igual forma, otro defecto que percibí es que hay secuencias que se sienten alargadas o extendidas de forma innecesaria o que, en su defecto, pudieron ser abordadas de mejor manera. Aunque no me queda duda de que éstas serán un deleite de ver para los seguidores de la serie, percibí que hubo ocasiones en las que el ritmo de la narración cayó abruptamente por el modo en el que se trataron determinadas escenas. Asimismo, ésta recurre a algunos pocos clichés que, para bien o para mal, cambian la percepción de lo que vemos acontecer frente a nosotros.
Regresando a los puntos buenos, el elenco variado de personajes que vemos en Ordinal Scale es otro de los factores que ayudan a fortalecer la narrativa de la cinta. Tal y como ya mencioné al inicio del texto, en la película veremos regresar a varios de los personajes más queridos de Sword Art Online como lo son Kirito y Asuna (los protagonistas) así como otros que brindan gran soporte como Leafa, Yui, Silica, Klein, Sinon, entre otros. Para complementar al cast también se nos presentan a tres personajes nuevos que juegan un rol importante dentro de la trama: la idol Yuna, el enigmático jugador Eiji y el doctor Shigemura.
Como se podría esperar Kirito y Asuna son quienes llevan la batuta de toda la película y sobre los que se centra la misma. No obstante a su importancia, éstos nunca opacan a sus demás compañeros y se complementan de las intervenciones que todos éstos hacen, las cuales dicho sea de paso suelen ser acertadas y trascendentes para la narrativa misma. En mayor o menor medida, todos los personajes tienen una razón de ser dentro del film y ninguno está ahí por mero relleno.
Una presentación increíble, digna de SAO
Visualmente hablando, Ordinal Scale es una cinta que sobresale enormemente y que denota en todo momento el gran detalle con la que fue producida. Locaciones bellas con muchos elementos que las enriquecen, personajes con diseños originales y llamativos, secuencias dinámicas y fluidas, un uso inteligente de las paletas de colores y animaciones en CGI que compaginan con las que están hechas en 2D, son sólo parte de esos componentes que hacen que la presentación de la película sea asombrosa.
En cuanto a su departamento de audio, la música es quizá uno de los puntos con más altibajos de todos. Por un lado el soundtrack se conforma de muchas melodías de j-pop y electrónicas que son pegajosas y que van muy de la mano con la temática de la trama. Por el otro ésta también cuenta con algunas composiciones originales orquestadas que logran su objetivo de ambientar cada una de las escenas en las que son requeridas pero que, infortunadamente, nunca trascienden. Como tal la música no es mala en lo absoluto, pero dista de ser algo memorable.
Y para rematar, un doblaje de inmensa calidad
Finalmente un punto que no podía dejar pasar por alto es el de su doblaje, una de las novedades que ofrece esta versión de la película que se exhibirá en nuestro país. Aunque me considero un fan del doblaje y respeto enormemente el trabajo que hacen los actores de voz tras el atril, reconozco que siempre me da un poco de miedo enterarme cuando un anime ha sido doblado y, sobre todo, cuando es hecho por talentos nuevos o por histriones jóvenes que buscan abrirse camino en esta magnifica industria. Sword Art Online The Movie: Ordinal Scale no fue la excepción a este sentir pero, para mi gran sorpresa, el trabajo que escuché de las voces es uno que me dejó sorprendido.
El doblaje hecho en Ordinal Scale es sobresaliente y cuenta con una calidad tan alta que pocas veces he llegado a ver en producciones de este tipo. Lo que resulta aún más fascinante de todo esto es que dicha calidad se logró con el talento de varios actores y actrices que son desconocidos pero cuyas voces e interpretaciones me dejaron claro que tienen un gran futuro por delante. No les miento cuando digo que esta es la primera vez en muchos años en la que conseguí acostumbrarme a las voces de un personaje de anime casi de manera inmediata y todo fue gracias a que éstas se escuchaban muy naturales, compaginaban con el tono de voz de los personajes originales y, aún más importante, porque ofrecían actuaciones que no exageraban y que no le pedían nada a los actores más veteranos. Eso sí, el único pero que le pondría es que la adaptación del guión al español pudo haber sido un poco más neutral.
Si son de esas personas que no gustan de ver las películas dobladas por el temor a que se escuchen terrible, entonces déjenme decirles que aquí no tienen nada que temer.
Al igual que todas las industrias del entretenimiento multimillonarias, la mayor parte de las veces, Hollywood pone lo comercial por encima de cualquier otra cosa, incluso sobre lo artístico y sobre los elementos que al final, le dan vida y esencia a nuestro amado cine. A pesar de lo anterior, actualmente contamos con algunos directores que por su importante nombre, se pueden dar ciertos lujos como por ejemplo, hacer películas por el puro gusto de hacerlas, dejando de lado preocupaciones como cuánto dinero es que el proyecto generará o cuál será la reacción de la crítica especializada. Con el resultado de Alien: Covenant, Ridley Scott vuelve a dejar claro que en esta etapa de su extensa y brillante carrera, lo único que tiene planeado es hacer cintas de su gusto propio sin importar cuál sea la opinión que los espectadores vayan a tener cuando las vean.
Al igual que pasó con Prometheus, Alien: Covenant es una película que lo último que busca es cautivar a las masas y mucho menos, darle gusto a los duros críticos de cine. Más bien busca complacer a una especie de capricho de su director por contar una historia de ciencia ficción que toca temas bastante trascendentes pero que de ninguna manera se olvida de que al final, estamos hablando de Hollywood. Por su puesto que el nuevo trabajo de Ridley Scott no es perfecto ni mucho menos, sin embargo, creo que es algo bien sincero que no se anda con rodeos y que va al grano en el tiempo que dura, siguiendo una fórmula sumamente conocida para los fanáticos que la verdad, no sé si los que nunca le han entrado a esta saga, entenderán del todo.
La secuela de la precuela
Antes de pasar a contarte sin spoilers cómo fue mi experiencia con Alien: Covenant, me parece que lo más adecuado es platicarte qué camino toma el argumento principal de la cinta y cómo es que ésta encaja con todo el universo creado por Ridley Scott y compañía. Esta película es una secuela de la precuela. Sí, estamos frente a la continuación de la historia que Prometheus nos contó en 2012, sólo que en esta ocasión, estamos más cerca de Alien, la cual lo inició todo en 1979.
La trama de Alien: Covenant se centra en los personajes que tripulan un crucero interestelar llamado Covenant, el cual, tiene como objetivo llegar a un planeta distante para colonizarlo. A poco más de siete años de su llegada con más de dos mil colonos a bordo, la nave sufre un percance que obliga a la tripulación encargada de la misión a despertar del criosueño en el que se encontraban. Aquí, se aplica una vez más la famosa fórmula de la saga pues de la nada, los protagonistas reciben una misteriosa señal de radio proveniente de un mundo desconocido la cual, simplemente no se resisten a ir a investigar.
A pesar de los ligeros cambios y motivaciones que en esta ocasión los personajes tienen para arriesgarse a ir al punto de origen de la señal con la que se topan son un poco diferentes a los que habíamos visto a lo largo de esta saga, el fondo es básicamente lo mismo. Algo que vale mucho la pena resaltar es que los objetivos de los tripulantes del Covenant sí distan bastante de los que tenían los que iban en el Prometheus, pues más allá de estar buscando tener un encuentro con los creadores de la humanidad, éstas son personas mucho más normales que lo único que esperan es empezar una vida nueva en un planeta muy lejos de la Tierra.
Te puedo decir que si bien, la historia de Alien: Covenant arranca justo como todos estábamos esperando, la forma en la que encaja con Prometheus (la historia es 10 años después de los eventos de dicho filme) y resuelve más dudas de por qué es que se dieron los eventos de la primera Alien, es verdaderamente genial, asunto que seguramente será agradecido por los que hayan estado siguiendo esta saga en los últimos años. Por el contrario, sí creo que quienes no estén tan enterados de este asunto, podrían sentir que se les está presentando un relato bastante genérico y sin forma que poco tiene que aportar al cine de este tipo.
Tema profundo con sabor a Hollywood
Decir que Alien: Covenant es una película de suspenso o incluso de terror está bastante lejos de lo que es en realidad. El problema es que por sus propios orígenes, esta nueva cinta está siendo vendida como tal, cuando desde Prometheus, se nos dejó claro que se estaba buscando alcanzar otro tipo de objetivos al tocar temas que buscan tener un fondo mucho más importante como por ejemplo, resolver la duda ancestral sobre cuál es el origen de la humanidad y si es que fuimos creados por inteligencias superiores o tan sólo somos producto de la casualidad.
Alien: Covenant sigue por esta línea muy marcada, tocando temas filosóficos, religiosos y científicos sobre cuál es nuestra posición en el universo y cuál es nuestro propósito como especie que al menos en el mundo creado por Ridley Scott, ya tiene la capacidad de crear vida consiente de sí misma. Aquí es en donde entran todos estos dilemas morales sobre hasta qué punto seremos capaces de alcanzar el status de dioses mortales que incluso, podrían ser considerados como inferiores por nuestras creaciones inmortales que por supuesto, sienten una torcida fascinación por poder convivir con sus creadores y a la vez, darse cuenta de todos sus defectos.
Todo lo que te acabo de contar es el tema central de Alien: Covenant, pues a pesar de que sus protagonistas están en un contexto mucho más simple que la trascendencia o divinidad de la humanidad, el guión de la cinta constantemente regresa a estas áreas de la narrativa para recordarnos que la creación de esta serie de precuelas de Alien, justamente tienen la idea de poner a este tipo de cuestionamientos sobre la mesa.
Dejando de lado lo anterior, tenemos que decir que a pesar de lo profundas que son las temáticas tratadas en Alien: Covenant, la verdad es que estamos frente a una película que lleva a Hollywood en todo su ADN, luciendo escenas de acción mayormente emocionantes con tintes de terror que a pesar de no funcionar del todo, la verdad es que son bastante divertidos. De igual forma, me parece que los momentos de gore o violencia son adecuados y fueron colocados en puntos exactos para que en ningún momento se sientan forzados o fuera de lugar.
La verdad es que en pleno 2017, cuesta trabajo pensar que un monstruo tan conocido como lo es el famoso Alien diseñado por HJ Geiger, siga asustando a los espectadores, pues recordemos que lo logrado en 1979 por este personaje, más bien tenía que ver con lo misterioso que era. Si estás esperando ver una cinta que te aterre o al menos te mantenga al filo del asiento por los nervios, me temo que aquí no la encontrarás, pues como te dije, lo que persigue Alien: Covenant es presentar una historia de ciencia ficción más avanzada que sólo espantarnos por un rato dentro de una sala de cine.
Todos es sobre el villano
Alien: Covenant es una secuela directa de Prometheus y desde que arranca, de nueva cuenta deja claro que esta saga de precuelas de Alien son la historia de David, robot diseñado por Peter Weyland que tiene una extraña visión de la vida y de su posición dentro del mundo, teniendo una obsesión por alcanzar el puesto de dios creador que su padre le mostró desde un principio. De alguna manera, este villano entiende perfectamente los defectos de la humanidad, mismos por los que él considera, no debería de existir.
David es un maravilloso villano en toda la extensión de la palabra interpretado magistralmente por Michael Fassbender, pues además de tener motivaciones que se aclaran de buena forma en Alien: Covenant, cuenta con cierto carisma y misterio que no siempre nos toca ver en este tipo de personajes, esto al punto de opacar por completo a los otros rostros que vemos en la película. Me parece sumamente interesante lo que se tiene planeado para este antagonista en el futuro. Esperemos que se mantenga por esta línea y al final, no se termine traicionando a sí mismo.
El problema de lo anterior es que el resto de los personajes se sienten genéricos, sin vida y sin grandes razones para encontrarse en el punto en el que están. Katherine Waterston le da vida a Daniels, experta en terraforming y parte de la tripulación de la Covenant que como te estás imaginando, resulta inevitable no compararla con Ellen Ripley, protagonista de la saga principal hecha por Sigourney Weaver que se convirtió en uno de los personajes más icónicos del género. A pesar de que esta nueva protagonista no está mal, se queda muy lejos de su antecesora. Del resto de los tripulantes no vale mucho la pena hablar. Sólo resaltar que James Franco sale como dos segundos y que el mexicano Demián Bichir es más relevante de lo que algunos estábamos esperando.
Hablar de actuaciones en algo como Alien: Covenant puede sonar un poco fuera de lugar, pero una vez más perece que es importante resaltar el gran trabajo hecho por Michael Fassbender. Todos los movimientos, inflexiones de la voz y gestos, sí te hacen creer que estás frente a un androide que está buscando ser más que un simple humano y que por supuesto, cuenta con una noción bastante torcida de lo que es bueno y de lo que es malo. Sin lugar a dudas, la única estrella de esta película que seguramente, se mantendrá en ese puesto hasta que Ridley Scott por fin encuentre cómo concluir esta historia.
Más contemplación
Los efectos especiales de Alien: Covenant están a la altura de cualquier súper producción de Hollywood de gran presupuesto actual, por lo que de eso no tienes de qué preocuparte, sin embargo, me parece que en términos de cinematografía y fotografía, se perdieron algunas oportunidades bastante interesantes.
Desde 2001: A Space Odyssey, se nos demostró que el cine era una maravillosa vía para apreciar la belleza del cosmos y de mundos que seguramente jamás visitaremos, asunto que por supuesto Alien de 1979 tomó, y que más recientemente, Gravity de Alfonso Cuarón retrató como pocos. Por tal motivo, me parece que Alien: Covenant pudo haber echado mano de más momentos de contemplación de los fantásticos escenarios que nos pone enfrente y no ir tan rápido al grano. Entiendo que este tipo de recursos puede resultar aburrido para la mayoría del público, sin embargo y tomando en cuenta que en realidad estamos frente a una cinta que no busca complacer a las masas, lo anterior fue algo que se debió haber aprovechado para darle más fuerza a lo misterioso y aterrador que es el espacio exterior.
Para los fans
A inicios de este año los fanáticos de Fairy Tail se enteraron de una triste noticia que, siendo honestos, muchos ya veían venir: el manga pronto llegaría a su fin. Tras más de 10 años de publicaciones casi ininterrumpidas el autor de la obra, Hiro Mashima, se encontraba listo para concluir con la que es, hasta ahora, su obra más famosa.
Al ser éste un acontecimiento tan importante el mangaka sabía que debía de hacer algo muy especial para conmemorar la conclusión de su querida historia de magos y dragones y fue por ello que optó por realizar algunos proyectos paralelos. Precisamente de entre los contemplados se encuentra una película titulada Fairy Tail: Dragon Cry, misma que nos relata una historia completamente original que, de cierta forma, logra coincidir y acoplarse con el clímax que en estos momentos se vive dentro del manga. Sin embargo y aunque ésta parecería ser simplemente un pretexto más que busca aprovecharse de la fama que aún le queda a la franquicia, el resultado que nos ofrece es el de un film que cuenta con todo lo necesario tanto para dejar sumamente satisfechos a todos los fans y de hacerle justicia a todo ese legado que ha dejado la obra.
Ese poder… ¿Será esperanza o destrucción?
Tal y como suele suceder con películas de anime que se basan en series populares existentes, Fairy Tail: Dragon Cry nos presenta una historia nueva que guarda cierta relación con la obra original pero que nunca llega a niveles canónicos (o al menos no a primera vista). En esta ocasión su trama gira en torno al Dragon Cry, un misterioso báculo con inmenso poder que ha sido robado por Zash Caine, un hombre que traicionó al reino de Fiore y que contempla usarlo con fines malévolos. Con tal de evitar una posible catástrofe el monarca del país solicitará la ayuda de Natsu, Lucy, Gray, Erza, Wendy y los demás magos del gremio de Fairy Tail para que recuperen el bastón y, de paso, detengan los planes del perpetrador. No obstante y conforme más se adentran en su misión, nuestros héroes irán descubriendo los oscuros y profundos secretos que yacen dentro del artículo y que podrían poner en riesgo al planeta mismo.
Como tal la historia de la cinta sigue una estructura similar a la que hemos visto en muchas de las sagas de Fairy Tail (o hasta de cualquier otro manga shonen) y eso podría hacerla ver como algo muy “choteado”. Si bien esto es parcialmente verdadero, por fortuna ésta cuenta con varios vuelcos y sucesos inesperados que la sacan de lo predecible y que la dotan de varias sorpresas que son sumamente agradables de ver.
Un detalle adicional que note de la película es que ésta recurrió al mismo esquema del que siempre ha hecho uso Mashima-sensei en el manga. Es decir que, a la par de su trama de acción, ésta nos presenta algunas subtramas que complementan a la premisa principal y que son abordadas de manera rápida y fluida, sin extenderse de manera innecesaria. Ciertamente este es uno de los aspectos que más disfrute de la película ya que le añade variedad a la narración con todos los diferentes ángulos que nos muestra del acontecimiento central y que la alejan de encasillarse solamente en un hecho o personaje determinado.
Lamentablemente, esta brillante aproximación se ve dañada por el ritmo de su narrativa, el cual tiende a caerse de golpe en varias ocasiones al llevarnos de escenas plagadas de acción a repentinos momentos de calma y paz, sólo para posteriormente adentrarnos de nuevo en otras secuencias de trepidantes enfrentamientos. En sí esto es algo muy tolerable, pero en verdad desconcierta la manera en la que la película corta tan abruptamente el buen paso que llega a alcanzar en situaciones clave.
El manejo de los personajes es otro apartado que llamó mucho mi atención debido a lo desigual que se percibe. Por un lado y aunque ésta busca darle prioridad a Natsu, la película mantiene un balance adecuado entre el elenco de personajes de la serie. Comparado con su predecesora – Fairy Tail the Movie: Phoenix Priestess – que tendía a cargar todo hacia Lucy y Eclair (el personaje original de aquel film), aquí las intervenciones de los demás magos del gremio como Gray, Erza, Wendy, Happy, Juvia, Charle, Gajeel o la propia Lucy son acertadas y nunca se sienten forzadas. Por el otro, la cosa cambia cuando nos centramos en los personajes nuevos ya que hay algunos a los que no se les da el peso y énfasis que deberían tener. Por mencionar un ejemplo, al villano Zash se le da mayor importancia que a Sonya, la misteriosa chica que lo acompaña y que de igual manera juega un rol importante dentro de la trama. Con esto no quiero decir que esté mal manejado sino que pudieron haber trabajado todo este apartado de mejor manera.
Una mejor producción de la que fue Phoenix Priestess
Otro aspecto sobresaliente del film recae en la calidad de su producción general, misma que supera en todos los aspectos a la que vimos en Fairy Tail the Movie: Phoenix Priestess. Dragon Cry tiene animaciones mejor trabajadas, ilustraciones más detalladas, goza de ambientaciones y fondos más espectaculares y, además, hace un genial uso de los efectos especiales y animaciones por computadora. Como si esto no fuera suficiente el diseño de todos los personajes que vemos en pantalla, tanto de los viejos como de los nuevos, es igualmente vistoso e interesante y va muy de la mano con el concepto exótico de la cinta.
Aunque la presentación de la cinta es uno de los puntos más fuertes que ésta tiene, en definitiva lo que se lleva las palmas de ésta son todos esos elementos que han cimentado la fórmula de Fairy Tail: explosivos y frenéticos combates, bromas simpáticas y chistes jocosos, vistosos ataques y movimientos de magia, o sus dosis exactas de picante fanservice, son algunos de esos componentes que enriquecen aún más la historia. Adicionalmente ésta también nos muestra un rostro diferente de varios de los personajes, los cuales ahora demuestran ser mucho más maduros y conscientes de su crecimiento. Vaya, puros elementos que a los aficionados les encantan.
Por desgracia y aunque me fascinó, siento este tipo de aproximación es también un gran defecto. Fairy Tail: Dragon Cry es una cinta que no teme en demostrar lo que es: una producción dirigida enteramente para los seguidores del manga/anime original. Por tal motivo ésta suele recurrir y hacer referencia a muchos de los términos, personajes, lugares y sucesos que conocimos en la obra de Mashima-sensei y da por hecho que quienes acuden a verla los conocen o saben de ellos. Debido a esto y a que las explicaciones de muchas de estas cosas son escasas y simples, las personas que acudan a verla podrían no comprender y hasta confundirse con todo lo que acontece en pantalla. Aunque vamos, esto es algo que se puede evitar fácilmente si es que acudes a verla con un poco de contexto y trasfondo de por medio.
Musicalmente hablando la película ofrece muy pocas novedades ya que recurre al uso de varias melodías que ya hemos escuchado en el anime. Siendo objetivos esto no representa una falla como tal pero si es una oportunidad desaprovechada. No voy a negar que me complació escuchar aquí varias de esas piezas rockeronas que solían acompañar a las peleas de de la serie (como Dragon Force), pero admito que me habría fascinado escuchar más cosas nuevas y épicas de parte del talentoso equipo de producción.
Una película que dejará satisfechos a todos los fans de Fairy Tail
Comparada con la película anterior que parecía más una producción que buscaba llevar a la pantalla grande una serie tan popular como lo es Fairy Tail, Dragon Cry se postra más como una film que fue realizado con la intención de complacer enteramente a los fans que han disfrutado las aventuras de Natsu, Lucy y sus amigos a lo largo de todos estos años. De hecho y si tuviera que describir a la cinta de alguna manera, diría que ésta es una carta de amor para los fanáticos ya que reúne todo lo que hace a Fairy Tail lo que es y nos lo presenta dentro de un largometraje plagado de referencias que solamente ellos disfrutarán y entenderán. Vamos, es una muestra clara de un fanservice bien trabajado que va más allá de la simple exposición de sensuales personajes.
Estamos a casi 15 años del debut de la serie de películas de Piratas del Caribe de Disney, mismas que surgieron de la inspiración de la atracción de los parques de Disney que lleva el mismo nombre y que el mismo Walt Disney en su momento supervisara poco antes de fallecer. Sin explorar muchos detalles de la atracción, puedo comentarles de forma rápida que originalmente fue concebida como algo similar a un museo de cera que en Disneyland nos diera una idea de todo lo “exótico” de la vida de los piratas, posteriormente con una serie de tecnologías muy innovadoras para su época se convertiría en un paseo en bote con una narrativa propia en el que se nos transportaba desde una gruta llena de tesoros hasta un fuerte lleno del colorido de montones de piratas animatrónicos que cantan una de las canciones más emblemáticas de los parques de Disney y que ya se ha vuelto en una referencia al pensar en piratas dentro de la cultura popular.
La atracción este año cumplió su 50 aniversario, y les comento lo anterior porque aprovechando el estreno de La Venganza de Salazar me he puesto a pensar en lo bien que retrató ese concepto la película de 2003 (Piratas del Caribe: La Maldición del Perla Negra) que en su tiempo vi una y otra vez llegándola a considerar como una de mis favoritas entre las live-action de Disney.
Ahora que ya he visto la que según los tráilers es la última aventura de esta saga, me he dado cuenta que seguimos lejos de llegar al nivel que dejó la primer película, si bien toda la fantasía de las aventuras en el mar y los mitos que siempre le han dado un fuerte toque sobrenatural a la serie le han dado identidad propia, me parece que en sus casi quince años de historia esta saga ha perdido mucho de ese romanticismo de la vida pirata que muy bien retrató la primer entrega y se ha convertido en una serie de piezas aisladas que aunque están atadas por una narrativa completamente unificada sigue dispersa en un rumbo que no termina por aterrizar lo que hizo de forma perfecta la primer película donde Jack Sparrow más que ser simplemente el personaje del humor, también era un asombroso pirata.
La Venganza de Salazar no es la más mala entre cinco películas donde claramente la primera sigue siendo –y parece que por siempre será– algo difícil de alcanzar, en esta reseña vamos a abordar sus elementos y también lo que le faltó para estar a la altura de la primer aventura de la saga.
Los muertos, Jack Sparrow y la nueva generación de aventuras en el mar
Así como ha pasado el tiempo entre la primer entrega de la saga y este quinto episodio, los años han pasado dentro de su universo aunque seguimos con el excéntrico Capitán Jack Sparrow como uno de los ejes principales de la película con su peculiar humor que todos los que han seguido la serie seguro conocerán, y en este sentido todos los que han disfrutado del personaje de Johny Depp seguirán divirtiéndose con sus ocurrencias que llenarán de carcajadas la sala de cine. En este sentido, Sparrow es un personaje que podemos decir que después de casi quince años ya no se siente tan fresco no tan poderoso, más si consideramos ese toque tan característico de Depp que incluso se sintió transmitido a otros de sus personajes del cine en otras producciones que requieren que le ponga un poco de humor a las situaciones –como sus participaciones en la saga de Alicia en el País de las Maravillas de Disney y El Llanero Solitario que terminó siendo un enorme fracaso.
Sigue siendo tan importante Sparrow y sus ocurrencias que hay una escena completamente dedicada a sus excéntricas aventuras que pudiera removerse totalmente de la película al no tener aporte alguno a su narrativa pero seamos sinceros, ¿qué sería de Piratas del Caribe sin esas exageradas secuencias en las que aparentemente sin querer Jack siempre se sale con la suya?
Además de la participación de Sparrow hay que dar lugar a las nuevas generaciones, literalmente, pues la aventura de la Venganza de Salazar nos presenta a dos nuevos héroes aventureros, el joven Henry (Brenton Thwaites), soldado de la marina que busca un poderoso artefacto en el mar que lo ayude en un situación familiar, y por otro lado tenemos a Carina Smyth (Kaya Scodelario), una joven astrónoma que juega también un papel clave en el que los destinos de nuestros héroes nuevos y viejos conocidos de la serie como Jack Sparrow y el Capitán Barbossa (Geoffrey Rush) se unen en una nueva historia que, como era de esperarse en la “última aventura” de la serie, llega con revelaciones interesantes que atan cabos sueltos que han quedado a lo largo de los años.
En este momento cabe la comparación la película anterior de la serie a nivel narrativo; mientras que Navegando Aguas Misteriosas nos presentó una aventura que siguió de forma inmediata los eventos después de la trilogía pero finalmente se desvió un poco con sus nuevos personajes a una aventura que poco aporta a la historia del resto de la serie, en el caso de La Venganza de Salazar el viaje de Henry y Carina nos unen directamente con los eventos de las primeras tres películas; así pareciera que luego de todo lo que nos desviamos a las Aguas Misteriosas de la anterior cinta volvemos al rumbo que unifica toda la saga.
De esta manera, me parece que la presencia de Henry y Carina busca replicar a nivel de personajes lo que en su momento vimos en Will y Elizabeth, un par de espíritus libres que de alguna manera llegaron a la “vida Pirata” para quedarse en ella de forma definitiva, aunque sí puedo decirles que en ningún momento sentimos que esta nueva generación de héroes alcanza lo bien que estaban escritos aquellos personajes de la primer película y lo natural que se sentían sus interacciones entre sí, pues desafortunadamente llegan a haber algunos elementos de los nuevos aventureros que se llegan a sentir muy débiles y hasta forzados.
No podemos olvidar a quien da el nombre a la película en español, el Capitán Armando Salazar (Javier Bardem) y su flotilla de La Silenciosa María; originalmente Salazar fue líder en la marina española y se dedicó a cazar piratas, ahora que ha vuelto del Triángulo de los Muertos con una maldición que afectó a toda su flota y los dejó como muertos vivientes busca saldar una vieja venganza en contra de Jack Sparrow y su historia como antagonista termina unificándose con toda la aventura en la que se ven envueltos nuestros piratas y aventureros que anteriormente hemos mencionado. Si bien Bardem ha hecho un buen papel como Salazar que en general es buen antagonista me parece que varios huecos en el guión no nos permiten que dicho antagonista adquiera la fortaleza que podría esperarse de un nuevo villano maldito y llegan a sentirse débiles varios de los elementos que hay en el trasfondo de su historia o sus motivaciones para buscar a toda costa saciar su sed de venganza.
Si bien los nuevos personajes y el relato que nos presenta La Venganza de Salazar tienen sus marcadas debilidades, algo que sí le ha ayudado del paso de los años es la tecnología para sus efectos visuales que son tan vistosos como pudiera esperarse de una producción live-action de los altos presupuestos Disney y hacen cobrar vida en la pantalla grande todas las leyendas, maldiciones y fantasías de las historias de piratas.
Comentarios finales
Cada cierto tiempo sale una película que brinda una fresca perspectiva al género de horror, comúnmente saturado de producciones genéricas y banales. Si bien Get Out no trae a la mesa un concepto creativo transgresor o disruptivo, sí cuenta con una soberbia forma que tajantemente la pone entre lo mejor de la década.
Los fans de horror no podemos quejarnos, ya que todo el tiempo tenemos una constante línea de producción para satisfacer nuestros deseos. Incluso, de vez en cuando salen películas que deleitan un gusto en particular o un sub-genero, desde el gore más fuerte y crudo hasta el suspenso más frío y mordaz.
Sin embargo, son aquellas películas que abollan los estándares las que quedan como las obras sobresalientes de una época y se convierten en banderas de una generación. Por año siempre tenemos una de este tipo, como en 2015 lo fue It Follows y en 2016 con The Witch.
Ahora, en este año en definitiva tenemos a Get Out, una obra como ninguna otra hasta el momento.
De la retorcida mente de un comediante
Get Out es una obra de autor, dirigida y escrita por el actor estadunidense Jordan Peele. Él ha adquirido fama en los últimos años por sus tenaces sketches en la serie de Comedy Central, Key & Peele, en donde a través de una gran variedad de tonos de humor – desde el ácido al rosa – te saca una carcajada hasta incluso hacerte llorar. ¿Cómo es posible que un cómico como Peele pueda ser capaz de maquinar una obra tan impecable de horror?
Quien ha visto sus cortos, podrá percibir su sensibilidad para transmitir ideas complejas acerca de interacciones humanas a través de su actuación. Una persona capaz de entender “qué es lo que nos mueve” para hacernos reír, también puede hacerlo para llevarnos hacia sensaciones opuestas como el miedo.
Además, en sus cortos, Jordan Peele aborda una gran variedad de temas que van desde cuestiones políticas, sociales hasta de cultura pop. Sin embargo, ejecuta estos temas desde una perspectiva general, haciendo que nos identifiquemos con lo que estamos viendo aunque no tengamos el contexto exacto.
Esta simplicidad en la ejecución está presente en Get Out, con lo que parecería ser una historia sencilla, pero que rápidamente se convierte en un lugar sombrío y espectacular.
El lugar común pero con un giro…
La trama de la película es bastante directa. Un joven afroamericano va a conocer a la familia de su novia y está consciente que habrá una inquietud en que él es de un color diferente. Lo sobresaliente de la película es que nunca presenta el tema del “racismo” de las personas blancas en Estados Unidos, sin embargo, es un fantasma incomodo que habita en las interacciones entre los personajes.
Inteligentemente la producción se mueve hacía un thriller en donde el protagonista se ve metido en un complot relacionado a cuestiones de manipulación e hipnotismo, en donde su vida está en claro riesgo. Y la razón que su vida peligra es claramente porque es negro, pero no por discriminación, sino por un concepto bastante sofisticado que Peele desarrolla con maestría.
Aquí Get Out se llena de creces ya que aborda un tema social importante, pero de una forma indirecta y sagaz. Sin ser una película acerca del racismo, Get Out habla más acerca de él que una película “independiente de arte europea” acerca del mismo tema. Es debido a esta crítica social lo que ha llevado a muchos a compararla con el libro The Stepford Wives (1972) de Ira Levin, del que también se han realizado dos adaptaciones a cine.
Incluso, algunos de sus cortos ya habían tenido un contexto de crítica social como en Get Out. Aun así, es una diferencia bárbara entre lograr un desarrollo de una idea en una filmación de minutos a en un largometraje.
Una película “auto-consciente”
Otro gran acierto de Get Out es el tono de la película, ya que los personajes están conscientes de la situación en la que viven. Clásico de las películas de horror en donde uno como espectador se hace preguntas como: “por qué no usaron el teléfono” o “por qué no salieron corriendo inmediatamente”.
Get Out refuerza la autoconsciencia de los personajes solucionando estas situaciones y haciendo que las acciones de estos sean lo más coherentes con lo que uno haría en la “vida real”. Esto hace que el grado de auto consciencia sea incluso superior al de películas como Scream (1996) o The Cabin in the Woods (2011).
Sin embargo, mientras que estas obras tiene un contexto más enfocado al humor negro directo, Get Out es sofisticada ya que tiene una dirección hacia la sátira. Es un nivel mucho más complejo de comedia, que permea cada escena de la película. Es curioso como la película logra sutilmente manejar este contexto, e incluso, lo podemos ver reflejado en ciertos memes que se popularizaron en internet de ciertas escenas. Son casi como guiños o migajas colocadas a propósito ahí por Peele.
También es importante mencionar que la producción capta perfectamente nuestro contexto actual en el que vivimos, con el uso adecuado de herramientas tecnológicas como el internet o los dispositivos móviles, ya que los personajes los utilizan correctamente a como acostumbramos y en la situación particular de Get Out.
De hecho, en la película hay un personaje que sirve como válvula de escape al público, ya que es la representación específica de lo que uno haría en esa situación. Esto resulta bastante agradable como espectador y coherente a diferente de la mayoría de las películas del género.
Mínimo presupuesto, perfecta ejecución
Es notorio, sobretodo en el cine de horror, cómo algunos creativos son capaces de producir soberbias obras con recursos sumamente limitados. De hecho, algunas de estas películas se vuelven brutales éxitos teniendo un retorno de inversión mucho mayor que el que incluso hubieran obtenido con una considerable inversión.
Algunos de los casos más sobresalientes a este fenómeno son The Blair Witch Project (1999) y Paranormal Activity (2007). Y para no ser una excepción, Get Out con un modesto presupuesto de $4.5 millones de dólares, este año ya ha generado más de $200 millones a nivel mundial. De hecho, para los que son fanáticos de datos de cine aquí hay uno interesante: esta película se ha convertido en el mayor éxito en taquilla de una ópera prima de un director.
Es increíble cómo Peele pudo dirigir una película así de sofisticada. Es una producción principalmente llevada por los diálogos e interacciones de los personajes, por lo que la actuación debe estar al punto… y así es. Es por eso que muchos actores cuando se vuelven directores tienen esta capacidad casi nata para poder montar una escena y conducir adecuadamente a los histriónicos.
De igual forma, la película tiene cuidado en la cinematografía, ya que en ciertas escenas se trata de crear una sensación turbia con respecto al tema del hipnotismo. En estas partes se juega increíble con la edición de audio y encuadres, haciendo que valga la pena volverlas a ver de forma independiente.
Un recorrido salvaje
Aunque Get Out no apela directamente a recursos de horror y más bien tiene una base de thriller, logra generar bastante inquietud y tensión durante su duración. Cuando por fin se hace la revelación de lo que está sucediendo, entendemos que es un concepto crudo y terrible, que nos hace empatizar inmediatamente con el protagonista, dándonos verdaderos escalofríos.
Aunque al inicio se abusa un poco de jump scares o sustos repentinos, la película por fortuna se enfoca en crear la ambientación malsana para llegar a un climax totalmente satisfactorio.
Incluso, ya hacia el desenlace del tercer acto, hay una escena sumamente potente que juega con las expectativas de la audiencia en donde el fantasma del “racismo” vuelve a hacer su aparición. Get Out nos manipula y contamina con este contexto haciéndonos pensar que la película va resolverse de cierta forma, para rápidamente dar un cambio y hacer una última jugada que nos quita el balance.
Esto hace que Get Out genere una catarsis especial en la audiencia, tanto por su contexto social como por todo el desarrollo como película de horror, en donde uno queda completamente satisfecho y difícilmente puede decir algo como: “es que me hubiera gustado que…” o “le hubieran cambiado esto”.
Con clásico contemporáneo
