Los monstruos de Del Toro
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Podría parecer que el tema de los monstruos que nos asechan sea por demás familiar para la gran mayoría de personas, sin embargo, muchos dejan de lado el concepto cuando alcanzan cierta madurez, pues se considera que pensar en ese tipo de cosas es asunto de niños cuando en realidad, es algo que sólo se transforma y toma distintas formas dependiendo de la mente de cada individuo. Sin lugar a dudas, Guillermo del Toro es un ser humano que tiene la habilidad de expresar dicho término de distintas maneras por la íntima relación que tiene con él, desde un extraño y escalofriante fauno, hasta kaijus de cientos de metros de altura que destruyen ciudades. Ahora, el mexicano toma de nueva cuenta el concepto de monstruo y lo inserta en una bella historia de amor llena de matices que si bien, no es perfecta, sí cuenta con un enorme ángel que no siempre vemos en la pantalla grande contemporánea.
The Shape of Water es una cinta por demás sincera que no le anda dando vueltas al argumento principal por demasiado tiempo y sin hacer muchos esfuerzos, deja un profundo mensaje que seguramente se le quedará clavado a más de uno. A pesar de un claro hueco que existe en su guión, estamos frente a una historia sumamente bien escrita y espectacularmente bien ejecutada, tanto a nivel narrativo, de dirección y de diseño de producción, dando como resultado una muy bella película que te cautiva en prácticamente cada una de sus escenas y que por supuesto, demuestra por qué es una de las más fuertes para luchar por los premios más importantes de esta temporada. Sí, estamos frente a uno de esos filmes que te hacen salir de la sala con una sonrisa por el gran rato que te regalaron.
Una historia sin pretensiones
El argumento de The Shape of Water se encuentra ubicado en medio de los años sesenta cuando la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética se encontraba en su punto más crudo. Los soviéticos llevaban la ventaja en la carrera espacial, por lo que los americanos se encontraban haciendo todo tipo de esfuerzos para poder alcanzar a sus enemigos. Prácticamente todos los hechos de la película se desarrollan dentro de una base de investigaciones en Baltimore de las fuerzas armadas estadounidenses, en donde se están llevando a cabo todo tipo de extraños experimentos. Sí, la cinta está muy influenciada por clásicos relatos de conspiración de la época.
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Aquí es donde entra Sally Hawkins, quien interpreta a una mujer muda que trabaja como conserje en el laboratorio. Elisa Esposito, nombre de la protagonista, es un personaje que siente vulnerable y frágil en todo momento, pero que normalmente te está sorprendiendo con las fuertes decisiones que tiene que tomar. Sin lugar a dudas, su condición de no poder hablar le da un tono distinto a lo que normalmente estamos acostumbrados, pues cuenta con una visión del mundo y de las personas, bastante diferente, sobre todo por aquellos marginados que no encajan en una sociedad llena de racismo, discriminación, sexismo y todo tipo de actitudes que actualmente están vistas prácticamente como crímenes contra la humanidad.
En cierto punto de la historia, Elisa se topa con el nuevo juguete de los científicos que laboran en el laboratorio; una criatura anfibia con forma humanoide que fue capturada en Sudamérica y llevada a la fuerza a Estados Unidos para ser estudiada. Al descubrir su condición, la protagonista siente empatía por el monstruo y poco a poco va entablando una relación más estrecha con él, la cual, acaba en una apasionado romance. Sí, lo sé, la verdad es que no estamos frente a algo completamente original que jamás hayamos visto. Una vez más se manda el mensaje de que los solitarios y marginados también son personas con sentimientos, esto sin importar que estemos hablando de un hombre rana que puede respirar bajo el agua.
Me parece que por más divertido que es el guión del The Shape of Water, pues literalmente es uno que te hace pasar por distintas emociones a lo largo de las dos horas que dura la cinta, tiene ese problema de que a mi parecer, la protagonista siente amor carnal casi instantáneamente por un ser que si cualquiera lo viéramos en la vida real, seguramente saldríamos corriendo. Creo que hubiera sido mejor que este “enamoramiento” fuera un poco más gradual. De igual forma, en el tercer acto de la cinta hay un punto en el que uno de los personajes de soporte tiene un diálogo que lo cambia todo sin razón aparente. No te diré más de esto pues estaría cayendo en un fuerte spoiler, pero quien ya la vio, seguramente sabrá de qué hablo.
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Lo mejor de toda la historia de The Shape of Water más allá del mensaje que deja y de la fuerte crítica que hace sobre temas de discriminación que actualmente se siguen viviendo, es que no tiene pretensiones ni quiere ir más lejos de lo que debe. El nuevo trabajo de Del Toro como normalmente pasa con sus obras, está enfocado en hacernos sentir toda clase de sentimientos a través de grandes personajes que se encuentran en medio de situaciones extraordinarias. Te repito que no estamos frente a un argumento original que venga a cambiar la forma en la que vemos los dramas con toques de fantasía, no obstante, sí tenemos un relato que siente con una marcada personalidad con la cual es complicado no identificarse de alguna u otra manera.
Grandísimos personajes de soporte
Como te decía, desde mi punto de vista, The Shape of Water no es el mejor trabajo de Del Toro, pero probablemente sí es la película que nos presenta a los personajes más entrañables que le hayamos visto al director mexicano. La forma en la que se le fue construyendo una base a la protagonista hecha por Sally Hawkins es simplemente espectacular. Cada personaje de soporte que vemos dentro del filme tiene una clara razón de ser, motivaciones propias y una estrecha relación con la estrella de la historia, ya sea muy positiva, o completamente ajena, como es el caso del increíble villano que vemos.
Creo que antes de pasar a contarte más sobre los secundarios, es importante mencionar las virtudes del antagonista. Richard Strickland es el líder del proyecto que está buscando cómo aprovechar las ventajas biológicas de la criatura acuática que tiene cautiva en la base militar. Este villano es un ser básicamente despreciable, de estos que desgraciadamente, aún abundan en el mundo, sobre todo en Estados Unidos. Estamos hablando de un clásico patriota de la época fuertemente afectado por Vietnam y que dentro de sus valores más importantes, está el tratar como autentica basura a cualquiera que sea diferente a él. Claro, es un hombre de familia muy correcto que lo único que busca es lo mejor para su país.
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El trabajo que hizo Michael Shannon dándole vida a este personaje es simplemente sensacional. Cada una de sus muecas, ademanes y por supuesto, diálogos, te hacen odiarlo cada vez más, aunque claro, su fuerte carisma y extraña personalidad, también logran que nosotros como público lleguemos a sentir empatía y hasta lastima por las circunstancias en las que se encuentra. The Shape of Water logró lo que no muchas pueden, hacer que su villano sea igual o más importante que la o el protagonista de la historia. Este individuo me recordó mucho al famoso capitán del Laberinto del Fauno.
Pasando al tema de los personajes de apoyo tenemos a Richard Jenkins dandole vida a Giles, quien básicamente es un hermano o súper mejor amigo de Elisa. Este pintor romántico sin remedio, también vive marginado por la sociedad, pues a pesar de su gran talento, es fuertemente discriminado debido a su homosexualidad. Diría que al final, éste terminó siendo mi personaje favorito, pues además de que a nivel actoral estamos frente a uno de los mejores trabajos de Jenkins, tenemos a un hombre que de ninguna manera se ve a sí mismo como víctima y que todo el tiempo está buscando que al menos su gran compañera, encuentre el amor y pueda ser feliz. Maravillosa escritura en esta parte por parte del Del Toro y Vanessa Taylor.
Del otro lado tenemos a Octavia Spencer, la cual también hace un grandísimo trabajo interpretando a Zelda Fuller, compañera de trabajo de Elisa. Este personaje es utilizado literalmente como soporte para la protagonista, pero también para ilustrar el fuerte racismo que se vivía en los años sesenta. Además, ésta es una especie de comic relief muy acertado que entra en los momentos precisos de la historia, nunca sintiéndose ridícula o fuera de lugar como normalmente está pasando en Hollywood con los personajes que tienen esta complicada misión de hacernos reír.
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El tema del monstruo acuático de The Shape of Water es punto y aparte, pues más que un personaje me parece que estamos hablando de un elemento narrativo dentro de la película que sirve como base para que el resto se pueda desarrollar de distintas maneras. Lo que hay que decir de él es que es interpretado por Doug Jones, quien ya le había dado vida a otros monstruos de Del Toro en cintas como Hellboy 2 y el Laberinto del Fauno. Sin lugar a dudas el trabajo actoral es bueno y el maquillaje es espectacular, pero como te digo, me parece que más bien está pensado como un asset muy importante, más allá de como personaje principal de la historia.
El resto de las caras que vemos dentro de The Shape of Water hacen muy bien su trabajo, sobre todo Michael Stuhlbarg como el Dr. Robert Hoffstetler, el cual, al inicio parece que no será gran cosa pero que al final, termina por ser piedra angular para cómo es que se resuelve todo el argumento de la cinta. De la protagonista ya te hablé en párrafos anteriores pero para redondear, se siente complicado que vayan a premiar con algo como un Oscar a un personaje que no habla. No me mal interpretes, Sally Hawkins hace un estupendo trabajo, pero por razón antes mencionada, creo que está en desventaja contra otras actrices.
Espectacular ambientación
Las películas de Guillermo del Toro siempre han tenido un sabor especial, pues a pesar de tocar temáticas muy distintas, cada una de ellas consigue de verdad transportarnos al lugar que se está presentando en pantalla. Creo que haber elegido a una ciudad como Baltimore en medio de los años sesenta fue una decisión por demás acertada, esto claro, gracias al más que sensacional trabajo que se hizo a nivel de dirección de arte, diseño de producción, maquillaje y vestuario.
El laboratorio y base militar en el que se desarrolla casi toda la película está perfectamente bien representado. Casi puedes oler toda la humedad de los pasillos y sentir el frío que los rodea. Me pasó un poco cuando en esos primeros momentos de BioShock, de verdad sientes que acabas de llegar a una ciudad sumergida en el agua. Me parece que todo el equipo de Del Toro entendió perfectamente el tipo de ambientación que se necesitaba para contar la historia ideada por el director, asunto que a pesar de que a muchos les puede llegar a parecer trivial o superficial, la realidad es que sigue siendo importante para el cine.
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De igual forma, tenemos que decir que la fotografía de la película es espectacular. Prácticamente cada uno de sus cuadros y escenas, es una pintura que nos gustaría tener exhibida en algún lugar. La iluminación incluso juega en pro de la narrativa, pues constantemente nos recuerda el sombrío ambiente en el que viven todos los personajes de la historia. Esos negros con café, grises y verdes muy acuáticos, funcionan a la perfección. De igual manera vemos un par de planos secuencia muy bien logrados que justamente cumplen el cometido de meternos en la historia que se nos está contando.
De la música ni qué decir. El compositor francés, Alexandre Desplat, se lució totalmente con una preciso score que encaja a la perfección con la película. Es claro que las charlas que tuvieron Del Toro y él, dieron frutos muy marcados, pues el músico entendió justamente qué clase de atmósfera y mensaje quería retratar el cineasta.
La gran candidata
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Dicen que existe una receta muy marcada para hacer que una película brille en la temporada de premios, sin embargo, me parece que The Shape of Water está siendo reconocida más bien por lo sincera que es y por toda el alma que demuestra en cada una de sus escenas. Guillermo del Toro siempre ha sido un director que hace películas para él mismo y para gente que comparte sus gustos y traumas, asunto que normalmente desemboca en productos de una calidad bastante elevada. Como te decía, estamos frente a una cinta que no es perfecta y que se equivoca en más de una ocasión, pero que también cuenta con virtudes muy marcadas que difícilmente uno puede ignorar.
Por el momento, The Shape of Water se ha convertido en la protagonista de The Golden Globes y The Critics’ Awards, pero aún le falta la prueba de fuego con los premios de la Academia. De entrada, podría apostar a que estará nominada a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actriz y Mejor Diseño de Producción. También es probable que la veamos compitiendo en alguna de las categorías de Actores de Soporte y en la de Fotografía. Esperemos que al final, el trabajo de Del Toro y todo su equipo termine siendo reconocido por lo que es y por el mensaje que al final deja.
Después de mucha especulación, por fin se estrenó el que podría considerarse el climax de las películas de DC Comics. Hablamos de Justice League. Digo especulación, por que hay que ser sinceros, fuera de Wonder Woman a las otras cintas del Universo Expandido les ha ido muy mal en crítica, pero no tanto en cuestión de taquilla. Además, fue una producción con muchos problemas, como la salida del director Zack Snyder por una tragedia familiar, y fue por ello tuvo que entrarle Joss Whedon al banquillo de dirección para terminar la película.
Por si eso fuera poco, también hubo polémica por el desconcierto sobre la película de Batman. Que si Ben Afflek la dirigía, o que si ya no quiere ser el personaje. Hasta hoy en día continúa siendo una interrogante para los fans. Pues todo eso ha quedado en el pasado. ¿Será que Justice League sea un aire fresco para la franquicia de DC Comics? Te lo contamos en nuestra video reseña.
Por muchos años se trató de hacer una película de Justice League, pero nunca se llegó a algo concreto. Pero debido al rotundo éxito que ha tenido el Universo Cinemático de Marvel Comics, en DC decidieron lanzar su proyecto que al parecer no estuvo tan planeado como el de la competencia. Quizá sea por ello que sus películas no estén teniendo el éxito deseado. Es inevitable el estar comparando las películas de ambas compañías, habrá a quienes les gusta y a quienes no, pero es algo que no puede ser evitado. Sólo por mencionar un ejemplo, dos semanas antes del estreno de Justice League, se estrenó Thor: Ragnarok que es una de las mejores calificadas de súper héroes hasta el momento. Así que la presión para la cinta de Batman y compañía estaba muy alta.
¿Porqué reunir a los héroes?
A diferencia de las películas de Marvel que tuvieron 5 películas antes de que todos sus héroes se unieran en Avengers, en el caso de Justice League sólo hubo la de Man of Steel, una de Wonder Woman y la de Batman v Superman. La de Suicide Squad también podría ser considerada, sin embargo no tuvo tanta influencia aquí. Es decir, que no todos los personajes estaban desarrollados o planeados de forma correcta. Es por ello que en la película tenemos que conocer el origen no de uno, sino de 3 personajes: Flash, Aquaman y Cyborg. Aunque no descubrimos sus historias como tal, sí un breve resumen de ellos. En cuanto a Aquaman y Cyborg, ellos tendrán sus propias películas en los próximos años, pero no abordarán sus orígenes.
Pasando de lleno a la trama de la cinta, como sabrás si viste las películas mencionadas, Superman murió en la batalla contra Doomsday. Ese hecho no pasó desapercibido en la galaxia y se aproxima una invasión por parte de un ser llamado Steppenwolf y su armada de seres que son atraídos por el miedo de las personas. Para los que no lo conocen te podemos decir que es uno de los llamados New Gods y es el tío de Darkseid. Así que de cierta forma prepara la llegada del amo oscuro para futuras películas.
Steppenwolf está en busca de tres cubos de gran poder con los que podría destruir la Tierra por completo y pretende aprovechar que el campeón de Kriptón ha caído. Es por ello que Bruce Wayne decide convocar a seres de gran poder para hacerle frente.
Mi principal queja de la película, es su guión. Hay tantas cosas que necesitan contar en poco tiempo, y por ello todo se siente muy acarreado y atropellado. Es decir, hay situaciones muy prevesibles, pocas sorpresas en la trama, y todo se soluciona demasiado rápido. Hasta hay personajes que cambian de parecer de forma milagrosa de un minuto a otro.
Eso sí, los fans de DC saltarán de su asiento con algunas de las referencias a los comics y cameos de personajes nuevos.
Batallas espectaculares y mucho CGI
Visualmente es todo lo que se podía esperar de una super producción de la actualidad. Efectos especiales en el 99 % de las tomas. Actores rodeados de pantalla verde. Batallas espectaculares. Y sobretodo mucha destrucción.
Zack Snyder es un director muy visual, y eso se nota en las espectaculares tomas fotográficas de la cinta. Lo vimos en su trabajo anterior como en las películas de 300 y en Watchmen. Pero hay que admitir que mucho de ello se basó en que intentó replicar las mismas imágenes de los comics.
Tiene mucha más comedia que Batman v Superman. Ahora es prácticamente una película para todas las edades, sin sangre, groserías o muertes explícitas. Se nota que a Zack Snyder le dijeron que le bajara unas rayitas a la violencia y a lo oscuro que fue la cinta anterior. Aparte de ello, recordemos que varias escenas las tuvo que dirigir Joss Whedon, y quizá sea por eso que hay más chistes y comedia tipo sitcom. Whedon fue quien realizó la primer película de los Avengers.
En cuanto a los efectos, lo más espectacular de la película son las secuencias de combate. Los héroes que vemos en pantalla son prácticamente Dioses de gran poder y verlos pelear es impresionante. Además, resolvieron de forma correcta el efecto de velocidad de Flash. Por lo menos no se siente que le hayan copiado a cómo fue presentado Quicksilver en las películas de X-Men.
Un toque que me encantó, fue que la música original está a cargo de Danny Elfman, quien hizo el tema original de Batman en 1989, y lo vuelve a emplear aquí. Eso le da un aire de grandeza al Caballero Nocturno.
Un mar de personajes
Con tantos personajes en pantalla, es obvio que unos van a destacar más que otros. La principal interrogante para los fans, son los nuevos integrantes como Aquaman, Flash y Cyborg. Y déjame decirte que no te decepcionarán.
Cyborg está resentido con su padre por haberlo convertido en un ser mecánico, a pesar de que eso salvó su vida y tiene poderes sobrehumanos gracias a ello. Flash, es el más joven y por ello también tiene la función del patiño cómico. De hecho, es quien está presente en la mayoría de las bromas y chistes de la película. En cambio, Aquaman es un cambio considerable a su versión de los comics, o por lo menos de la que la mayoría de la gente conoce de él. Es un anti-héroe alcohólico y que no está acostumbrado a lidiar con otras personas. Mientras que Batman y la Mujer Maravilla, mantienen el nivel de las cintas anteriores. El Villano es imponente y de una fuerza inmesurable, aunque pierde un poco de realismo al estar hecho completamente en CGI.
En cuanto a otros personajes, no diré más porque son spoilers obvios.
CONCLUSIONES
Justice League cumple con reunir en un mismo lugar a los héroes más poderosos de DC Comics. Su principal falla está en el guión e incluso hay situaciones de la película anterior que quedaron flotando o de plano sin resolver.
En general, se siente como que la espera por ver juntos a todos estos héroes de DC Comics no cumplió con las expectativas. Sí se da pie en el final a que haya más películas de los héroes, pero todo dependerá de lo bien que le vaya a ésta cinta en taquilla.
Y por cierto, tiene 2 escenas postcréditos, así que vale la pena quedarse hasta el mero final.
Parece increíble, pero ya nos encontramos a la mitad de la tercer trilogía de la Saga de Skywalker que Lucasfilm y Disney prometieron hace algunos años. Estábamos acostumbrados a ver películas de la famosa ópera espacial con más años de separación entre ellas y ahora han pasado tan sólo 2 años desde The Force Awakens. Ya se ha estrenado el octavo episodio titulado The Last Jedi y para ser sincero, los fans estamos felices por ello. Reseñarla es una labor un tanto diferente a otras cintas, debido a las emociones encontradas y a la nostalgia que nos resulta el verlas en la pantalla grande. El ver las salas a la media noche abarrotadas en cualquier parte que se estrene nos demuestra que es una de las franquicias más populares e importantes de la industria cinematográfica. ¿Está a la altura de lo que se espera de ella? Te lo cuento en una reseña SIN SPOILERS.
Después del éxito que tuvieron las primeras películas producidas por Disney de Star Wars en los últimos dos años (The Force Awakens y Rogue One), el más reciente episodio tuvo una producción un tanto más complicada. En específico, me refiero al lamentable fallecimiento de la actriz Carrie Fisher exactamente hace un año, en diciembre de 2016. Eso tuvo que modificar no sólo la historia en The Last Jedi, sino seguramente lo que tenían planeado para el Episodio IX. Eso creó especulación y preocupación entre los fans, pero después de juntas de emergencia en Lucasfilm, afirman que lograron encontrar la solución sin tener que recurrir al CGI para cubrir su ausencia. La preocupación aumentó cuando los avances y previos brillaban por su ausencia a menos de un año de su estreno. Pero la fecha llegó y Lucasfilm cumplió con entregar una cinta que no se siente como si le hubieran recortado mucho.
Rian Johnson: ¿El nuevo J.J. Abrams?
The Last Jedi fue escrita y dirigida por Rian Johnson, aunque siempre manteniéndose al margen de la historia que se trazó desde un inicio por J.J. Abrams y Katheleen Keneddy. De entrada, sí se siente como una película muy diferente a The Force Awakens. Tiene otro tono, otro ritmo y su guión está estructurado de una forma completamente diferente a la cinta anterior. Pero de eso hablaré más a detalle un poco más adelante.
Johnson es recordado por sus películas como Brick, The Brothers Bloom y en específico por Looper, la cual es una cinta de ciencia ficción y acción en la que se juega mucho con los dilemas de los viajes en el tiempo. Te la recomiendo mucho si no la has visto. También dirigió 3 episodios de la serie Breaking Bad, incluyendo el de Ozymandias de la última temporada que está considerado como uno de los mejores episodios de toda la serie y el cual ganó varios premios.
Al parecer, Johnson ha quedado fascinado con su trabajo en Star Wars y descubrió una historia nueva que quiere contar. Es por ello que Lucasfilm ya aprobó que él dirija una nueva trilogía que estará concentrada en personajes diferentes a los de la saga Skywalker. Si tienen relación con algún personaje o eventos de The Last Jedi, aún es un misterio, pero para que le hayan aprobado un proyecto de esa magnitud, habla de lo bien que encajó en el universo que originalmente creó George Lucas.
Una película completamente diferente a la anterior
Como mencioné, The Last Jedi se siente muy diferente a The Force Awakens en varios aspectos. El Episodio anterior sirvió para presentar a los nuevos personajes como Rey, Finn, Kylo Ren y Poe Dameron, así como para dar una actualización sobre la situación de los veteranos como Leia, Han y Luke. Ahora la trama se centra completamente en desarrollar las historias de la nueva generación, mientras que los demás sirven como apoyo para los mismos.
De entrada, inicia con una situación que se presenta por primera vez en toda la saga de Star Wars. Esa es que la película inicia de forma inmediata después del final de la anterior. En todos los episodios anteriores transcurrieron varios meses o años entre ellos. Y me atrevería a decir que incluso en éste caso, el nuevo episodio inicia un poco antes del final del anterior.
Sin adentrarme en muchos detalles, la Primera Orden desea venganza por la destrucción de su súper arma y ha encontrado la locación de la base de la Rebelión, así que realizan un ataque contra ellos de forma agresiva. Al escuadrón de Leia no le queda otra opción que escapar, pero es una situación más complicada de lo que parece. Debido a sus pocas unidades, la Rebelión podría desaparecer si cometen cualquier error. Por otra parte, Rey encontró a Luke Skywalker en busca de convencerlo de apoyarlos a luchar contra Snooke y Kylo Ren, pero el ahora viejo Maestro Jedi no es lo que parece. Por si fuera poco, Rey y Kylo Ren tienen un misterioso vínculo por medio de La Fuerza que los une a pesar de estar a años luz de distancia.
El guión se siente un tanto disperso y a veces no parece tener tanta coherencia. Es decir, hay situaciones que no terminan de encajar o cuando crees que la película va hacia un lado, de repente cambia por completo y nos lleva a otra parte. Es un tanto difícil de explicar, pero sentí como si estuviera viendo 2 o 3 películas diferentes en una misma. De hecho, la segunda mitad de la película es mucho mejor.
No podía ser una película de Star Wars sin personajes nuevos, de los cuales hay 3 principalmente. Laura Dern interpreta a la Admiral Amilyn Holdo, quien se podría decir que es la segunda al mando después de Leia dentro de las fuerzas de la Rebelión. Benicio del Toro es DJ, un personaje misterioso que pertenece al bajo mundo del crimen, pero quien podría ser de utilidad. Mientras que la que más impacto tiene es Kellie Marie Tran, ella es Rose quien se convierte en parte fundamental de la trama y un miembro más de los personajes importantes de la saga de ahora en adelante.
El tono de la trama también contrasta entre lo serio y la comedia. No sentí que llegara a ser una película tan oscura como me imaginé que sería, comparándola con El Imperio Contraataca o incluso La Venganza de los Sith. De hecho, a diferencia de The Force Awakens, hubo varias situaciones que me recordaron al tono que George Lucas tuvo en las precuelas como persecuciones alocadas y personajes que sólo sirven para hacer reír al público. En específico, los Porgs a los que tanta publicidad se les ha dado en las últimas semanas. Simplemente aparecen para hacer reír al público, siendo una mezcla entre ternura y comedia que, a mi parecer, son usados más de lo necesario en pantalla. Obviamente BB-8 continúa siendo adorable y gracioso, pero no llega a exagerar en ello.
Eso sí, desde los primeros minutos hasta los últimos fotogramas de la cinta hay muchas sorpresas. Se responden varias interrogantes que dejó la película anterior y se crean nuevas interrogantes para lo que será el Episodio IX. Sin embargo, también hay varias situaciones que nos dejaron con más interrogantes y que no sabemos si sean respondidas o si la trama ya sólo se enfocará hacia adelante.
Un detalle que me fascinó, fue una explicación más racional sobre “¿Qué es La Fuerza?” que no habíamos visto en otras películas. Siempre se menciona que es una energía que rodea a todos los seres vivos del Universo, pero lejos de lo que mencionó Qui-Gon Jinn sobre los Midiclorians, seguía siendo un concepto muy abstracto. Casi como si fuera magia. Ahora Luke le explica a Rey con términos más fundamentados qué es y porqué los Jedi pueden manipularla. Aunque no termina por ser una definición completa de La Fuerza, sí es algo más comprensible y que hace sentido.
La magia de Star Wars
Lo que sí puedes esperar de la película, sobretodo si eres fan, son más de 2 horas y 53 minutos de todo un abanico de emociones. Batallas espaciales espectaculares, duelos frente a frente emocionantes, drama entre personajes, reencuentros emotivos y otras sorpresas que no quiero mencionar. Nunca sabrás qué es lo que pasará después y cómo se resolverán las diferentes situaciones. Aparte de Easter Eggs, referencias a la trilogía original, diálogos famosos y muchas cosas más por las que los fans la veremos varias veces en el cine.
Te recomiendo verla en IMAX 3D para disfrutar de la máxima experiencia tanto visual como en audio. Hay secuencias cuya fotografía, encuadre, colores y posición de los personajes parecen verdaderas obras de arte. Como para tomarles una captura y colgar un cuadro en tu sala con alguna de esas imágenes. Siento que hay varias que quedarán marcadas entre las favoritas de los fans, o por lo menos para mí ya lo son.
Todo ello combinado con la espectacular música de John Williams que recurre a pocos temas nuevos y se basa principalmente en arreglos de temas de la película anterior así como de la trilogía clásica. De cualquier forma, es un bombardeo de emociones por todos los sentidos.
Conclusiones
Al salir de la sala cuando concluyó Star Wars: The Last Jedi, terminé con muchos sentimientos al mismo tiempo. Emocionado por las secuencias de acción, conmovido por varias situaciones que ocurrieron en su trama, asombrado por los efectos especiales y la música, reflexivo sobre lo que vendrá en el futuro de la serie y feliz por todo lo que acababa de ver. En general, con un gran sabor de boca y con ganas de volver a ver la película en cuanto tenga la primera oportunidad posible.
Cumple con todo lo que se podía esperar de una película de Star Wars. Simplemente no hay otra franquicia en el cine que se le compare.
Fuera de algunas situaciones que en papel pudieron sonar bien y que en pantalla terminaron viéndose un poco chuzcas, es un gran episodio de la saga espacial.
Podría parecer que el tema de los monstruos que nos asechan sea por demás familiar para la gran mayoría de personas, sin embargo, muchos dejan de lado el concepto cuando alcanzan cierta madurez, pues se considera que pensar en ese tipo de cosas es asunto de niños cuando en realidad, es algo que sólo se transforma y toma distintas formas dependiendo de la mente de cada individuo. Sin lugar a dudas, Guillermo del Toro es un ser humano que tiene la habilidad de expresar dicho término de distintas maneras por la íntima relación que tiene con él, desde un extraño y escalofriante fauno, hasta kaijus de cientos de metros de altura que destruyen ciudades. Ahora, el mexicano toma de nueva cuenta el concepto de monstruo y lo inserta en una bella historia de amor llena de matices que si bien, no es perfecta, sí cuenta con un enorme ángel que no siempre vemos en la pantalla grande contemporánea.
The Shape of Water es una cinta por demás sincera que no le anda dando vueltas al argumento principal por demasiado tiempo y sin hacer muchos esfuerzos, deja un profundo mensaje que seguramente se le quedará clavado a más de uno. A pesar de un claro hueco que existe en su guión, estamos frente a una historia sumamente bien escrita y espectacularmente bien ejecutada, tanto a nivel narrativo, de dirección y de diseño de producción, dando como resultado una muy bella película que te cautiva en prácticamente cada una de sus escenas y que por supuesto, demuestra por qué es una de las más fuertes para luchar por los premios más importantes de esta temporada. Sí, estamos frente a uno de esos filmes que te hacen salir de la sala con una sonrisa por el gran rato que te regalaron.
Una historia sin pretensiones
El argumento de The Shape of Water se encuentra ubicado en medio de los años sesenta cuando la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética se encontraba en su punto más crudo. Los soviéticos llevaban la ventaja en la carrera espacial, por lo que los americanos se encontraban haciendo todo tipo de esfuerzos para poder alcanzar a sus enemigos. Prácticamente todos los hechos de la película se desarrollan dentro de una base de investigaciones en Baltimore de las fuerzas armadas estadounidenses, en donde se están llevando a cabo todo tipo de extraños experimentos. Sí, la cinta está muy influenciada por clásicos relatos de conspiración de la época.
Aquí es donde entra Sally Hawkins, quien interpreta a una mujer muda que trabaja como conserje en el laboratorio. Elisa Esposito, nombre de la protagonista, es un personaje que siente vulnerable y frágil en todo momento, pero que normalmente te está sorprendiendo con las fuertes decisiones que tiene que tomar. Sin lugar a dudas, su condición de no poder hablar le da un tono distinto a lo que normalmente estamos acostumbrados, pues cuenta con una visión del mundo y de las personas, bastante diferente, sobre todo por aquellos marginados que no encajan en una sociedad llena de racismo, discriminación, sexismo y todo tipo de actitudes que actualmente están vistas prácticamente como crímenes contra la humanidad.
En cierto punto de la historia, Elisa se topa con el nuevo juguete de los científicos que laboran en el laboratorio; una criatura anfibia con forma humanoide que fue capturada en Sudamérica y llevada a la fuerza a Estados Unidos para ser estudiada. Al descubrir su condición, la protagonista siente empatía por el monstruo y poco a poco va entablando una relación más estrecha con él, la cual, acaba en una apasionado romance. Sí, lo sé, la verdad es que no estamos frente a algo completamente original que jamás hayamos visto. Una vez más se manda el mensaje de que los solitarios y marginados también son personas con sentimientos, esto sin importar que estemos hablando de un hombre rana que puede respirar bajo el agua.
Me parece que por más divertido que es el guión del The Shape of Water, pues literalmente es uno que te hace pasar por distintas emociones a lo largo de las dos horas que dura la cinta, tiene ese problema de que a mi parecer, la protagonista siente amor carnal casi instantáneamente por un ser que si cualquiera lo viéramos en la vida real, seguramente saldríamos corriendo. Creo que hubiera sido mejor que este “enamoramiento” fuera un poco más gradual. De igual forma, en el tercer acto de la cinta hay un punto en el que uno de los personajes de soporte tiene un diálogo que lo cambia todo sin razón aparente. No te diré más de esto pues estaría cayendo en un fuerte spoiler, pero quien ya la vio, seguramente sabrá de qué hablo.
Lo mejor de toda la historia de The Shape of Water más allá del mensaje que deja y de la fuerte crítica que hace sobre temas de discriminación que actualmente se siguen viviendo, es que no tiene pretensiones ni quiere ir más lejos de lo que debe. El nuevo trabajo de Del Toro como normalmente pasa con sus obras, está enfocado en hacernos sentir toda clase de sentimientos a través de grandes personajes que se encuentran en medio de situaciones extraordinarias. Te repito que no estamos frente a un argumento original que venga a cambiar la forma en la que vemos los dramas con toques de fantasía, no obstante, sí tenemos un relato que siente con una marcada personalidad con la cual es complicado no identificarse de alguna u otra manera.
Grandísimos personajes de soporte
Como te decía, desde mi punto de vista, The Shape of Water no es el mejor trabajo de Del Toro, pero probablemente sí es la película que nos presenta a los personajes más entrañables que le hayamos visto al director mexicano. La forma en la que se le fue construyendo una base a la protagonista hecha por Sally Hawkins es simplemente espectacular. Cada personaje de soporte que vemos dentro del filme tiene una clara razón de ser, motivaciones propias y una estrecha relación con la estrella de la historia, ya sea muy positiva, o completamente ajena, como es el caso del increíble villano que vemos.
Creo que antes de pasar a contarte más sobre los secundarios, es importante mencionar las virtudes del antagonista. Richard Strickland es el líder del proyecto que está buscando cómo aprovechar las ventajas biológicas de la criatura acuática que tiene cautiva en la base militar. Este villano es un ser básicamente despreciable, de estos que desgraciadamente, aún abundan en el mundo, sobre todo en Estados Unidos. Estamos hablando de un clásico patriota de la época fuertemente afectado por Vietnam y que dentro de sus valores más importantes, está el tratar como autentica basura a cualquiera que sea diferente a él. Claro, es un hombre de familia muy correcto que lo único que busca es lo mejor para su país.
El trabajo que hizo Michael Shannon dándole vida a este personaje es simplemente sensacional. Cada una de sus muecas, ademanes y por supuesto, diálogos, te hacen odiarlo cada vez más, aunque claro, su fuerte carisma y extraña personalidad, también logran que nosotros como público lleguemos a sentir empatía y hasta lastima por las circunstancias en las que se encuentra. The Shape of Water logró lo que no muchas pueden, hacer que su villano sea igual o más importante que la o el protagonista de la historia. Este individuo me recordó mucho al famoso capitán del Laberinto del Fauno.
Pasando al tema de los personajes de apoyo tenemos a Richard Jenkins dandole vida a Giles, quien básicamente es un hermano o súper mejor amigo de Elisa. Este pintor romántico sin remedio, también vive marginado por la sociedad, pues a pesar de su gran talento, es fuertemente discriminado debido a su homosexualidad. Diría que al final, éste terminó siendo mi personaje favorito, pues además de que a nivel actoral estamos frente a uno de los mejores trabajos de Jenkins, tenemos a un hombre que de ninguna manera se ve a sí mismo como víctima y que todo el tiempo está buscando que al menos su gran compañera, encuentre el amor y pueda ser feliz. Maravillosa escritura en esta parte por parte del Del Toro y Vanessa Taylor.
Del otro lado tenemos a Octavia Spencer, la cual también hace un grandísimo trabajo interpretando a Zelda Fuller, compañera de trabajo de Elisa. Este personaje es utilizado literalmente como soporte para la protagonista, pero también para ilustrar el fuerte racismo que se vivía en los años sesenta. Además, ésta es una especie de comic relief muy acertado que entra en los momentos precisos de la historia, nunca sintiéndose ridícula o fuera de lugar como normalmente está pasando en Hollywood con los personajes que tienen esta complicada misión de hacernos reír.
El tema del monstruo acuático de The Shape of Water es punto y aparte, pues más que un personaje me parece que estamos hablando de un elemento narrativo dentro de la película que sirve como base para que el resto se pueda desarrollar de distintas maneras. Lo que hay que decir de él es que es interpretado por Doug Jones, quien ya le había dado vida a otros monstruos de Del Toro en cintas como Hellboy 2 y el Laberinto del Fauno. Sin lugar a dudas el trabajo actoral es bueno y el maquillaje es espectacular, pero como te digo, me parece que más bien está pensado como un asset muy importante, más allá de como personaje principal de la historia.
El resto de las caras que vemos dentro de The Shape of Water hacen muy bien su trabajo, sobre todo Michael Stuhlbarg como el Dr. Robert Hoffstetler, el cual, al inicio parece que no será gran cosa pero que al final, termina por ser piedra angular para cómo es que se resuelve todo el argumento de la cinta. De la protagonista ya te hablé en párrafos anteriores pero para redondear, se siente complicado que vayan a premiar con algo como un Oscar a un personaje que no habla. No me mal interpretes, Sally Hawkins hace un estupendo trabajo, pero por razón antes mencionada, creo que está en desventaja contra otras actrices.
Espectacular ambientación
Las películas de Guillermo del Toro siempre han tenido un sabor especial, pues a pesar de tocar temáticas muy distintas, cada una de ellas consigue de verdad transportarnos al lugar que se está presentando en pantalla. Creo que haber elegido a una ciudad como Baltimore en medio de los años sesenta fue una decisión por demás acertada, esto claro, gracias al más que sensacional trabajo que se hizo a nivel de dirección de arte, diseño de producción, maquillaje y vestuario.
El laboratorio y base militar en el que se desarrolla casi toda la película está perfectamente bien representado. Casi puedes oler toda la humedad de los pasillos y sentir el frío que los rodea. Me pasó un poco cuando en esos primeros momentos de BioShock, de verdad sientes que acabas de llegar a una ciudad sumergida en el agua. Me parece que todo el equipo de Del Toro entendió perfectamente el tipo de ambientación que se necesitaba para contar la historia ideada por el director, asunto que a pesar de que a muchos les puede llegar a parecer trivial o superficial, la realidad es que sigue siendo importante para el cine.
De igual forma, tenemos que decir que la fotografía de la película es espectacular. Prácticamente cada uno de sus cuadros y escenas, es una pintura que nos gustaría tener exhibida en algún lugar. La iluminación incluso juega en pro de la narrativa, pues constantemente nos recuerda el sombrío ambiente en el que viven todos los personajes de la historia. Esos negros con café, grises y verdes muy acuáticos, funcionan a la perfección. De igual manera vemos un par de planos secuencia muy bien logrados que justamente cumplen el cometido de meternos en la historia que se nos está contando.
De la música ni qué decir. El compositor francés, Alexandre Desplat, se lució totalmente con una preciso score que encaja a la perfección con la película. Es claro que las charlas que tuvieron Del Toro y él, dieron frutos muy marcados, pues el músico entendió justamente qué clase de atmósfera y mensaje quería retratar el cineasta.
La gran candidata
Dicen que existe una receta muy marcada para hacer que una película brille en la temporada de premios, sin embargo, me parece que The Shape of Water está siendo reconocida más bien por lo sincera que es y por toda el alma que demuestra en cada una de sus escenas. Guillermo del Toro siempre ha sido un director que hace películas para él mismo y para gente que comparte sus gustos y traumas, asunto que normalmente desemboca en productos de una calidad bastante elevada. Como te decía, estamos frente a una cinta que no es perfecta y que se equivoca en más de una ocasión, pero que también cuenta con virtudes muy marcadas que difícilmente uno puede ignorar.
Por el momento, The Shape of Water se ha convertido en la protagonista de The Golden Globes y The Critics’ Awards, pero aún le falta la prueba de fuego con los premios de la Academia. De entrada, podría apostar a que estará nominada a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actriz y Mejor Diseño de Producción. También es probable que la veamos compitiendo en alguna de las categorías de Actores de Soporte y en la de Fotografía. Esperemos que al final, el trabajo de Del Toro y todo su equipo termine siendo reconocido por lo que es y por el mensaje que al final deja.
Hablar de una nueva película de Godzilla puede sonar como la cosa más trivial del mundo, pues básicamente llevamos más de 30 propuestas de todo tipo, tanto por parte de oriente como las terribles interpretaciones de occidente; sin embargo, hay algo con esta franquicia que a muchos de nosotros nos sigue atrayendo enormemente y la simple idea de por fin ver su primer largometraje animado, sin lugar a dudas llamó nuestra atención. De la mano de Toho Animation y Polygon Pictures por fin nos llega Godzilla: Planet of the Monsters, propuesta que si bien no es perfecta bajo ninguna circunstancia, sí viene a refrescar un nombre que se ha estado desgastando con el tiempo.
Godzilla: Planet of the Monsters es una visión un tanto distinta de lo que había hasta el momento de este monstruo y lo que representaba. Recordemos que hace no mucho, Hideaki Anno, creador de Evangelion, nos sorprendió con la sensacional Shin Godzilla, mientras que Gareth Edwards, también director de Rogue One, hizo un trabajo semi decente con Godzilla de 2014. Ahora, esta cinta animada en CGI la de un giro al concepto general de la serie, echando mucha mano de temas de ciencia ficción un tanto densos pero a la vez aterrizados, que funcionan bien de manera general.
Una muy buena historia Sci-Fi
Por alguna razón, existimos quienes sentimos fascinación por la idea de ver a monstruo gigante acabando con ciudades enteras. A lo largo de su amplia historia, Godzilla ha representando distintos rostros. Hay autores que lo han interpretado como un símbolo de renovación y de guardián para la indefensa humanidad, mientras que otros le han dado la cara de dios de la destrucción y sinónimo de Apocalipsis. En lo personal, prefiero mucho más la segunda visión de este personaje y para mi fortuna, Godzilla: Planet of the Monsters resultó ser justamente esto.
La historia de Godzilla: Planet of the Monsters arranca de una manera sumamente oscura, presentando a una humanidad moribunda al borde de la extinción. Nos encontramos en el último verano de siglo XX y por alguna desconocida razón, un monstruo gigante conocido como Godzilla se encuentra acabando con toda la vida inteligente sobre la Tierra. Para ponerle más sabor al argumento, dos extrañas razas alienígenas aparecen en el planeta, una de ellas alegando que cuentan con la solución para acabar con la amenaza en cuestión.
Tras distintos intentos fallidos, los pocos humanos vivos y sus nuevos amigos del espacio, deciden escapar de la Tierra en busca de un nuevo hogar. Después de estar vagando por el frío espacio exterior, lo que queda de la humanidad decide que no tiene más opción que regresar a su mundo, pues esa tierra prometida jamás llegó, esto claro, con la esperanza de que Godzilla haya desaparecido, pues en nuestro planeta han pasado casi 20 mil años desde los sucesos que te describí hace unos párrafos. Así es, el tiempo es relativo como bien dijo Albert Einstein.
La forma en la que se va construyendo todo el argumento de la cinta es verdaderamente sensacional. De alguna manera se consiguió que en la hora y media que dura, cada uno de los hechos que vemos se sienta relevante. Lo mejor de todo es que a pesar de que podríamos decir que Godzilla: Planet of the Monsters no nos deja con personajes demasiado memorables, sí consigue retratar su sentimiento de desesperación en todo momento ante la gran posibilidad de ser testigos de la extinción de su propia especie.
Como te comentaba, Godzilla: Planet of the Monsters puede parecer que va a ser un intento profundo y hasta pretencioso basado en temas de ciencia ficción, sin embargo, los autores en ningún momento perdieron de vista la verdadera intención y tono de la película; es decir, entregar un blockbuster que intenta no sólo quedarse en un ámbito superficial y que termine de aportar algo más valioso.
Pude que el tercer acto de este largometraje sí se sienta mucho más hollywoodense de lo que algunos nos hubiera gustado, incluso con un final un poco predecible, no obstante, creo que también seríamos injustos al decir que el argumento no se resuelve de manera lógica. Vale mucho la pena mencionarte que estamos frente a la primera parte de una trilogía, la cual, estará viendo su segunda etapa a mediados de este año, al menos en Japón. Seguro que a nosotros nos tocará esperar un poco más.
Animación que quedó a deber
El anime es un arte tan grande y variado que uno nunca sabe bien qué esperar de él. Claro que sus grandes obras han quedado para la posteridad y seguramente grabadas en la memoria de muchos nosotros para siempre, sine embargo, si eres de los que suele consumir animación japonesa de manera regular, sabes perfectamente que no siempre estás exento de toparte con algún bodrio. Godzilla: Planet of the Monsters no entra en esta última categoría que te comento, pero a mi parecer, haber tomado la decisión de hacerla totalmente en CGI o 3D, no fue de lo más acertado.
La dirección de arte de Godzilla: Planet of the Monsters es sensacional. La elección de colores fríos que contrastan con tonalidades cálidas causadas por explosiones, es verdaderamente genial, además de que el diseño de trajes, mechas y demás elementos que vemos siendo usados por los personajes de la cinta, encajan perfecto con el tono de ciencia ficción alcanzable que los autores están intentando interpretar.
Godzilla: Planet of the Monsters luce sensacional siempre que tenemos una toma estática, la cosa se sale un poco de control cuando los personajes están interactuando entre sí. Las animaciones que vemos se sienten acartonadas y no tan bien logradas como uno esperaría de este tipo de producciones. No es como que todo el tiempo se tenga este problema pero cuando ocurre, es muy notable, sobre todo en escenas dramáticas.
A pesar del bello cel shading que vemos a lo largo de toda esta cinta, creo que sí se nos quedó a deber en la parte de animación y movimiento de personajes. El resto de los elementos como vehículos y el propio Godzilla, me parece que logran su cometido. Mención honorífica a la mezcla de audio, sobre todo a la que tiene que ver con los estruendos que produce el famoso Kaiju.
Buen inicio de una prometedora trilogía
Godzilla: Planet of the Monsters es una cinta indudablemente divertida y mucho más interesante de lo que al menos yo estaba esperando. Su guión está muy bien escrito y casi perfectamente ejecutado, esto claro, con un par errores que podrían no ser tan evidentes. Me encanta el rostro más místico y hasta divino que le dan a este personaje, pues la cinta incluso se llega a meter con temas de religión un poco más densos, esto claro, sin olvidarse que su objetivo es cautivar a una audiencia bastante más amplia.
Estoy completamente seguro de que si eres fanático de todo este tema de los monstruos gigantes y por supuesto, de Godzilla, entonces lo más probable es que ya la hayas visto y mi recomendación esté de más. Te diría que si eres un apasionado del anime deberías de darle una oportunidad, lo más probable es que te lleves una muy grata sorpresa, pues incluso la puedes ver en Netflix con voces en japonés y subtítulos en español. El único problema es que creo que a pesar de que Godzilla: Planet of the Monsters busca gustar a cualquier espectador, termina por más bien por complacer solo a quienes consumen este tipo de contenido.
De todo lo que nos esperábamos para el domingo del Super Bowl, seguro que ver una nueva película de Cloverfield ocupaba el puesto de lo menos probable. Claro que un anuncio al respecto se antojaba posible, pero tener a la cinta en sí ese mismo día, sonaba como un sueño imposible. Pues bien, prácticamente de la nada, durante el gran partido, se nos anunció que al término del mismo, The Cloverfield Paradox estaría disponible a través de Netflix para que cualquiera de los suscriptores al servicio la pudiera disfrutar. Evidentemente, el anuncio causó sensación entre todos los que hemos seguido esta peculiar saga de J.J. Abrams, pues sabíamos prácticamente nada de esta tercera entrega. Para infortunio de todos nosotros, el resultado general de la película es verdaderamente malo.
Incluso desde antes del estreno de la sensacional 10 Cloverfield Lane, comenzaron a surgir rumores sobre una película bajo el nombre de The God Particle, la cual, tendría relación con todo el universo de Cloverfield de alguna manera. Como te comentaba, ayer domingo 4 de febrero, se nos presentó un tráiler para informarnos que dicho proyecto se transformó en The Cloverfield Paradox, la cual, hace las veces de precuela de Cloverfield de 2008, esto en un intento para darle mayor forma a la franquicia y por supuesto, para explicar varios de los misterios que la rodean. Este filme con dirección de Julius Onah y producción de Abrams sí aclara algunas dudas que teníamos sobre la serie y por momentos, nos causa esa tensión y vacío de sus predecesoras, sin embargo, un guión bastante pobre, actuaciones para el olvido y un ambiente mal logrado, la transforman en una obra que no tardará en ser olvidada.
Guión lleno de clichés
La serie de Cloverfield se había caracterizado por parecer otra producción de monstruos más hecha en Hollywood, pero que cuando uno le daba la oportunidad, te podías dar cuenta de que es un cine bastante distinto gracias a un espectacular manejo del suspenso. Lo anterior se lograba gracias a grandes guiones muy bien escritos que sabían hasta qué punto decirnos qué estaba pasando con la situación en cuestión y hasta cuál, dejarnos con la duda. A pesar de que Cloverfield de 2008 tenía poco que ver con 10 Cloverfield Lane, existía una conexión inherente entre ambas que por supuesto, nos encantó a los fans. Por tal motivo, la idea de una precuela de la primer cinta nos emocionaba muchísimo.
Nos encontramos unos años antes del incidente en Nueva York que se nos mostró en la primer Cloverfield. El mundo se encuentra sumido en la peor crisis energética de la historia, por lo que las tensiones entre naciones se agudizan cada vez más hasta el punto del inicio de una nueva Guerra Mundial. En una medida desesperada, esfuerzos internacionales fondean una misión muy arriesgada para intentar encontrar la forma de producir energía eléctrica de manera ilimitada, esto a través de un acelerador de partículas utilizado en una estación espacial llamada Cloverfield. Dicho experimento se tiene que llevar a cabo en el espacio exterior por el peligro que representa.
Mientras que los más optimistas esperan que todo esto solucione la complicada situación en la Tierra, algunos advierten que la idea de meterse con el espacio-tiempo puede resultar en la apertura de portales a otras dimensiones. Hasta ahí, una gran premisa que difícilmente no emocionará a los fans de esta franquicia, sin embargo, The Cloverfield Paradox empieza a mostrar sus verdadero rostro antes de que se cumplan los primeros 40 minutos del desarrollo de su argumento.
Como seguramente ya te estás imaginando, la situación abordo de la estación se empieza a salir de control cuando en uno de los intentos, la tripulación por fin logra lo que estaba buscando. Ahí nos topamos con el primer problema de la cinta. Me parece que jamás se tomaron el tiempo de clavarse mucho más en la parte científica y en explicar exactamente qué es lo que se estaba haciendo con el acelerador de partículas. Los personajes se limitan a algo como “¡bien! por fin logramos hacer que esta máquina funcionara!” Dejándonos como audiencia con un sentimiento de duda poco placentero. No, no todos somos físicos teóricos.
A partir de ese momento, The Cloverfield Paradox se transforma en uno de los cientos de clones que hay de la legendaria Alien de Ridley Scott. Un montón de cosas verdaderamente extrañas comienzan a pasar y por supuesto, a terminar con la vida de la tripulación. A lo largo de las dos horas que dura esta película, sí llegamos a tener momentos “muy Cloverfield”, es decir, escenas verdaderamente angustiantes que te generan preguntas muy interesantes sobre lo que está pasando; no obstante, la cinta rápidamente regresa a clichés sumamente gastados que aportan nada.
Los personajes a los que conocemos son planos, sin personalidad y totalmente olvidables, por lo que cada vez que uno de ellos muere, es complicado sentir algo de empatía. Para rematar, tenemos actuaciones pobres y poco creíbles que claro, ayudan en nada a darle mayor volumen a los rostros que se nos están poniendo en pantalla. Sí, motivaciones existen y en un par de ocasiones hubo intentos de plot twist bastante loables que por todos los problemas de la película, no terminaron por cuajar. La narrativa va en picada desde que arranca.
Como te decía, The Cloverfield Paradox sí tiene algunos momentos muy rescatables, pues la idea de ver a dos dimensiones chocando y todo el caos que esto pudiera generar, es innegablemente genial, pero me parece que por esa misma razón, es que debemos de considerar a esta película como una terrible interpretación, pues tenía conceptos increíbles que nunca supo explotar, todo por seguir una línea comerc
ial poco original y nada atractiva, asunto que nos sorprende muchísimo si tomas en cuenta que las otras dos cintas de la serie habían hecho de lado cualquier “arcana” del género con tal de entregar un thriller que supiera distinto y que propusiera sus propias ideas.
Fuera de ambiente
Otro de los grandísimos atributos de las películas de Cloverfield tiene que ver con la ambientación que presentan, siempre opresiva y logrando que como audiencia, respiremos el peligro ante el cual están sometidos los personajes en pantalla. Ese inicio de la primera cinta, probablemente sólo se ve igualado por la forma en la que se va desenvolviendo toda la trama de 10 Cloverfield Lane. Lo que te quiero decir es que esta franquicia se empezaba a ganar el sinónimo de “excelentes thrillers”, argumento que gracias a The Cloverfield Paradox, ha quedado totalmente en entredicho.
Te repito. La idea original y argumento de The Cloverfield Paradox sonaba como la cosa más interesante del mundo, de la cual, se podían sacar toda clase de locos momentos para entregar una cinta sólida y con personalidad propia. Además de tener un guión bastante desabrido y sin gran chiste, estamos frente a un filme que también falla en cosas como la dirección de arte, fotografía y demás aspectos técnicos, dando como resultado una supuesta obra de suspenso que justamente falla en hacer que la audiencia se mantenga nerviosa a lo largo de todo el relato.
Es claro que los escritores pensaron en algo como “son dos universos chocando entre sí, o sea, todo puede pasar y no tenemos que dar ninguna explicación al respecto”. Puede que la base científica sea cierta, pero el cine no funciona de esa manera.
De manera bastante general y para no hablarte de aspectos más aburridos de la película, te puedo decir que The Cloverfield Paradox es una cinta más que intenta combinar el terror con la ciencia ficción. Sí, no es un completo bodrio ni mucho menos, pero la realidad es que es una cinta absurdamente genérica que aporta nada. Como fan de Cloverfield disfruté de algunos momentos, sobre todo de esa escena final, pero seguro que alguien que jamás le ha entrado a la franquicia, entenderá poco de lo que está pasando y lo que más o menos conecte, le parecerá que ya lo ha visto un millón de veces en otros filmes. ¿De la nada uno de los personajes se volvió malo y quiere matar a todos? Así es, ese tipo de tonterías predecibles, son algunos de los recursos que hacen acto de presencia.
Una completa decepción
Nos han roto el corazón de nueva cuenta. Después de lo originales que habían sido las primeras dos Cloverfield, pensé que estaríamos frente a una franquicia que se mantendría fiel a su pequeña, pero apasionada base de fanáticos. El hecho de que The Cloverfield Paradox no llegara a cines y que fuera publicada así de la nada en una plataforma como Netflix, reforzó mi idea de que teníamos una serie de nicho a la que no le interesaban los grandes números en taquilla. La verdad es que no sé bien en qué momento se perdió el rumbo y se decidió dejar de lado todos los valores de esta propiedad para hacer un thriller genérico sin personalidad propia que falla en prácticamente todo los apartados.
De verdad que soy el primero en querer que ahora te estuviera hablando de la consolidación de una grandiosa saga de ciencia ficción que la gran mayoría se está perdiendo, pero el resultado de The Cloverfield Paradox es tan malo que sinceramente no sé si quiero que esta historia continúe. Una vez más te comento que lo que más coraje me da es que definitivamente se tenían grandes ideas para esta película que por distintas razones, no se ejecutaron de manera correcta. Por supuesto que este error no borra lo grandiosas que son Cloverfield y 10 Cloverfield Lane, pero sí mancha lo que bien pudo ser una serie de culto. No, de ninguna manera recomiendo ver esta película, menos si nunca has visto las otras dos que te comento.
Nos aproximamos al momento más importante de la Fase 3 del Universo Cinemático de Marvel Comics. En unos meses llegará Avengers: Infinity War, la cual reunirá a todos los personajes que hemos visto en la pantalla grande durante la última década en una misma película. Pero antes de todo ello llega Black Panther, cinta que se ha convertido en un punto de atención de la crítica y los fans, ya que se le considera como revolucionaria en cuanto al género de superhéroes. ¿Porqué está causando sensación? ¿En realidad cambiará al MCU para siempre? En nuestra reseña te explicamos nuestro punto de vista sobre la película.
¿Por qué Black Panther es tan importante?
Para estas alturas, los fans del MCU ya saben quién es Black Panther. Su primera aparición en éste universo fue en la película de Captain America: Civil War. Como recordarán, después de que el rey de Wakanda falleciera en un ataque terrorista durante un panel de la ONU, su hijo, el príncipe T’Challa asume el traje de Black Panther para capturar al responsable quien asumían que se trataba de Bucky Barnes.
Pero lejos de unos diálogos con su padre, en realidad no conocimos mucho sobre el personaje. Es por ello que en ésta nueva película descubrimos quién es él en realidad y porqué tiene un traje con súper poderes. Así que no es una película sobre el origen del superhéroe como tal, sino que estamos frente a una historia que nos da más detalles sobre su vida.
En cambio, los fans de los comics saben perfectamente la importancia de Black Panther en los comics. Él surgió en 1966 y fue creado por Jack Kirby y Stan Lee. Se trató del primer héroe de origen africano que protagonizaba un comic como el personaje principal. Para tomar en cuenta el tamaño del impacto cultural, hay que recordar que en los Estados Unidos aún había mucha segregación en muchos estados en aquella época. Así que fue parte de toda una revolución cultural de la época.
Para la película, han intentado replicar ese espíritu revolucionario en la pantalla grande. Es cierto que no es el primer héroe de Marvel en tener una película, recordemos que Blade tuvo su trilogía hace más de 20 años, pero son circunstancias diferentes.
Superhéroe y Rey
A diferencia de otros héroes de Marvel Comics, Black Panther no es un hombre común y corriente. Se trata del monarca de un país ficticio llamado Wakanda. El país está en el centro de África y se encuentra escondido a plena vista. Debido a los poderes de un elemento extraño llamado Vibranium, que es el metal más resistente del mundo, ellos han desarrollado por siglos tecnología de vanguardia que no tiene ningún otro país. Eso incluye armas de mucho poder, energía sustentable y hasta vehículos voladores. Además, hay una planta con forma de corazón que le otorga gran fuerza a quien la coma en un ritual especial.
T’Challa debe demostrar que es el mejor candidato para gobernar el país. Pero ser el hijo del Rey no le garantiza que las 5 tribus que conforman el país lo elijan de forma automática. Antes de ello necesita vencer a un retador en una prueba por combate.
Eso es tan sólo una parte de la situación política que está presente en la cinta. Así que se podría decir que Black Panther es un héroe, pero sólo para su país. No forma parte de los Avengers (por el momento), de hecho su atención está completamente puesta sobre primero gobernar bien a Wakanda.
Elenco sobresaliente
T’Challa es interpretado por Chadwick Boseman, a quien desde hace años los productores lo invitaron a formar parte del MCU. Su papel es aceptable, logra combinar las grandes habilidades de combate del personaje con cierta inocencia en cuanto a sus decisiones como gobernante. Es alguien que se preocupa no sólo por si mismo, sino también por su comunidad y por su pueblo en general.
El actor Michael B. Jordan, a quien recordarán por las películas de Creed y Los 4 Fantásticos, interpreta a Killmonger. El personaje está basado en uno del mismo nombre que aparece en los comics y se podría decir que es el némesis de Black Panther.
Él también es originario de Wakanda, pero tiene planes muy distintos que implican robarse el Vibranium y las armas del país para crear un nuevo orden mundial. Es un revolucionario que desea, de cierta forma, vengarse por los siglos de esclavitud que sufrieron los africanos al ser llevados a América y Europa. No le importa el medio, siempre y cuando logre cumplir con su meta.
Tiene un entrenamiento militar de élite, así que es experto en combate. Su presencia en la pantalla es imponente, llegando a ser un digno rival del héroe. Y aunque sus planes son malvados, la audiencia termina con coincidir o simpatizar con él en ciertos puntos. Es algo que no han logrado otros villanos del MCU y lo eleva a ser uno de los mejores de dicha categoría. Es un personaje cuyos diálogos darán mucho de qué hablar.
La cinta tiene un balance perfecto entre personajes masculinos y femeninos. De hecho, las mujeres prácticamente dominan el elenco. La parte femenil está lidereada por Nakia, interpretada por Lupita N’yongo. Ella es una espía de Wakanda y experta en combate. Letitia Wrght es Shuri, la hermana de T’Challa y una inventora más inteligente que Tony Stark. Danai Gurira es Okoye, la líder de las fuerzas armadas de Wakanda y su ejército es temible.
Mientras que Martin Freeman regresa como el agente de la CIA, Everett Ross, pero cumple con el papel de ser la parte cómica de la película.
Producción espectacular con un guión predecible
Se trata de la película número 18 del MCU. Así que en cuanto a producción, prácticamente no hay falla. A cada una de las cintas modernas, se le invierte la mejor calidad de efectos especiales posibles. Pude verla en una pantalla IMAX en 2D y visualmente luce espectacular. Te la recomiendo ver así para apreciar todos los detalles durante las secuencias de acción.
En cuanto a los combates, se nota la experiencia del director en el género. Cada uno de los enfrentamientos se siente visceral, rudo, en el que cada peleador da lo máximo de sí mismo. Además de que son emocionantes. Todo ello se debe a que la dirección está a cargo de Ryan Coogler, quien realizó Creed y en la que vemos grandes combates de box.
Otra de las grandes influencias del director Coogler, se nota en la temática social de la trama. Desde el inicio hasta el final, e incluso en una de las escenas post-créditos, hay mensajes de apoyo a la comunidad afroamericana y hasta críticas al Presidente Donald Trump. Eso marca un hito en las películas de Marvel, ya que no se habían tocado temas similares en ellas. Es por ello, que muchos críticos la consideran ya como un cambio radical en las películas de héroes, pero fuera de ello, tiene todos los elementos que ya hemos visto en muchas otras.
Fuera de ello, la película cae en ciertos problemas de guión, con situaciones muy predecibles y pocas sorpresas. Sin duda alguna, lo que más ha llamado la atención de la cinta, son sus temas sociales y de igualdad de razas que está presente durante toda la trama.
Y como siempre ocurre en las películas de Hollywood, no explican porqué todos en Wakanda hablan perfecto inglés, aunque mantienen su acento africano.
Conclusiones
El maho shojo es uno de los géneros del manga/anime que, junto al famoso shonen, goza de una amplia popularidad en México y Latinoamérica desde hace ya varios años. No obstante y si lo comparamos con el segundo, son menos las series de este tipo que nos llegan, lo cual se vuelve una verdadera pena cuando consideramos la enorme cantidad de producciones que se producen y se quedan cada año en Japón. Tal es el caso de Magical Girl Lyrical Nanoha, serie surgida en 2004 y de la cual solamente se ha hecho de eco en nuestra región gracias al Internet.
Aunque la fama de Nanoha no es tan grande como la de otros exponentes del género de las niñas mágicas – dígase Sailor Moon, Las guerreras Mágicas, Magical Doremi, etc. -, eso no ha evitado que llegue a las salas de nuestro país la más reciente cinta de la serie, Magical Girl Lyrical Nanoha Reflection, la cual es a su vez la primera parte de un proyecto conformado de dos cintas. Aunque ésta no oculta sus intenciones por ser un largometraje dirigido enteramente hacia los fans de la saga, ésta tiene una presentación que cuenta con todo lo necesario para ser vista y apreciada por cualquier amante de la animación japonesa.
Una historia relativamente nueva
Como tal, la trama de Nanoha Reflection consiste de una historia relativamente nueva que retoma varios de los elementos vistos en los juegos de PSP que solamente salieron en Japón y no de una adaptación de una saga existente como sucedió con la cinta anterior. Por tal motivo, su premisa resulta incluso inédita para muchos de sus fans, en especial para aquellos que no pudieron probar dichos títulos en su momento.
Situada tres meses tras los hechos vistos en la segunda película, la trama gira en torno a dos chicas de nombre Kyrie y Amitie, hermanas provenientes del mundo de Eltria que se distingue por ser un planeta árido que ha ido pereciendo tras varios cientos de años. Al ver que las cosas no mejoran y que los esfuerzos de su familia por restaurar y devolverle la vida al astro no están dando resultado, la joven Kyrie decide escapar hacia el planeta Tierra de nuestra dimensión en búsqueda de una solución – el libro que pose Hayate – con el que pueda ayudar a los suyos y salvar su hogar. Sin embargo, su viaje pronto la colocará en una situación en la que deberá de enfrentarse tanto a Nanoha y sus amigas como a su propia hermana Amitie, quienes harán todo lo posible por detener sus intenciones que podrían desatar algo más catastrófico.
Aunque la historia recurre a varios elementos propios de la serie (como personajes, locaciones, y referencias a sucesos previos) para erigir su narrativa, sorprende el hecho de que la originalidad de su trama no convierte a la película en algo completamente incomprensible. Si bien es cierto que ésta da por hecho que quienes acuden a verla son seguidores de la serie original y que conocen el trasfondo de su mundo, ésta mantiene un hilo argumental que resulta fácil de seguir en todo momento; aunque claro, lo más recomendable será que acudas a verla con un poco de contexto previo.
Obviamente, los fans son quienes más disfrutarán de la película dado los elementos y sucesos que vemos en ella transcurrir. En sí, la cinta le da mayor peso a las dos nuevas protagonistas y a todo el drama que se desenvuelve alrededor suyo, pero eso no evita que se susciten algunos momentos de gran interés. Por mencionar algunos ejemplos, vemos cómo Nanoha y sus amigas se desarrollan física, emocional y socialmente; sucesos que hacen referencia a sagas vistas en el anime; o hasta aparecer personajes que guardan enorme relación con nuestras heroínas. Vaya, hay fanservice de sobra para los fans.
Lo malo del punto anterior es que se percibe un claro desbalance respecto al desarrollo de los personajes. Como ya mencioné, la cinta da un mayor peso a las hermanas Florian y por ende dedica más tiempo a abordar su desenvolvimiento en pantalla. Por otro lado y en lo que respecta a nuestro trío original de heroínas, todas apenas y llegas a protagonizar un momento estelar en la cinta, siendo Fate la que por mucho se roba los reflectores en ese sentido. Es como si Nanoha y sus amigas fueran más personajes secundarios que las protagonistas mismas de la historia y eso puede que a muchos fans termine por disgustarles.
Otro aspecto que perjudica a la cinta en gran medida es su irregular narrativa que llega a sentirse demasiado lenta y con muchos altibajos. Por ejemplo al inicio y luego de introducirnos a las nuevas protagonistas y a su historia, el ritmo de la cinta se cae notablemente y tarda un poco en volver a reponerse durante el primer enfrentamiento importante, aunque a la postre vuelve a caerse y no retoma agilidad sino ya hasta cerca del final.
De lo anterior también se deriva otra gran falla en el ritmo narrativo como lo es la extensión innecesaria de los sucesos. Aunque muchos de éstos se hicieron con la intención de indagar más en los personajes y de dejarnos ver un mejor desarrollo, al final todos estos terminan por alargar aún más la cinta y por quebrantar de golpe el buen ritmo que por momentos llega a tener.
Presentación cuidada, pero nada sobresaliente
Al ser ésta una película de anime, uno pensaría que su calidad y presentación serían sobresalientes y que rebasarían en todo sentido a su contraparte episódica. Nanoha Reflection cumple con esta idea aunque de una manera muy básica. Ésta luce bien en todo momento e incluso se da el lujo de hacer uso de ciertos objetos y animaciones por computadora (CGI), pero éstos son mínimos y demasiado discretos al punto de que no son tan perceptibles.
Por otro lado, algo que me encantó fue la forma en la que se juega con la paleta de colores y la iluminación pues ayudaron a darle mayos énfasis a ciertas secuencias importantes mientras mantenían la armonía de la ambientación. Jamás hubo un momento en el que se sintiera saturada la pantalla o que hubiera algo que desentonara con los lugares o situaciones que se nos proyectaban.
Musicalmente hablando, el soundtrack se conformó de melodías tanto orquestales con toques electrónicos que en todo momento intentaban darle cierto tono épico al asunto. Ya saben, lo que se esperaría de la serie de Nanoha.
Parece que nosotros los videojugadores, después de tantos años, ya tenemos una especie de escudo protector cuando se trata de películas de videojuegos. Han sido tantas las decepciones, que al saber de una nueva nos vamos con mucha cautela. Este año veremos al menos tres cintas basadas en videojuegos, algo que no es tan común y que serán estrenadas en un periodo de tiempo corto entre cada una.
El 2018 marca el regreso de la máxima heroína de los videojuegos con Tomb Raider: Las aventuras de Lara Croft. Para los jugadores de la vieja escuela, esta franquicia fue muy importante por lo que consiguió y propuso dándonos entregas fantásticas la mayoría de las veces. Uno de sus mejores momentos fue el reboot que tuvo la serie (y su secuela) en el 2013 gracias al estupendo trabajo que hizo Crystal Dynamics. Nos hizo recordar por qué amamos esta serie y el gran carácter de esta chica que es el máximo representante del poder femenino como personaje en esta industria.
Tras el éxito obtenido con ambos juegos, Warner Bros. y Square Enix creyeron que también era el momento ideal para un reboot en las películas dejando atrás el legado de la bella Angelina Jolie que dio vida a Lara durante dos cintas entre el 2001 y el 2003, para dar paso a una nueva serie (es lo que parece), en la que Alicia Vikander tomará el rol como la nueva Lara. La pregunta que todos los jugadores nos hacemos: ¿es una buena cinta de videojuegos? La respuesta es que me parece una vez más que el resultado es una película que nos queda a deber a los jugadores pero bien puede satisfacer a un público menos exigente como que nosotros.
Podría decir que Tomb Raider: Las aventuras de Lara Croft es una película de acción para disfrutar con la familia en un día domingo acompañado de un buen combo de comida y con la mentalidad de pasarla bien bajando un poco las expectativas. Es lo más acertado. No esperes ver la mejor cinta basada en un videojuego. De hecho, los años pasan y en lo personal creo que ninguna termina por superar a Silent Hill (2006), siempre he creído que es la mejor hasta la fecha aunque habrá quien difiera. Pasemos a la reseña.
Una historia simple pero ya conocida
Empecemos por la historia. En Tomb Raider: Las aventuras de Lara Croft, la protagonista tendrá que ir en busca de su padre quien lleva desaparecido muchos años tras enterarse que él tenía un pasatiempo oculto y ese era buscar por todo el mundo mitos y leyendas de cosas sobrenaturales. Lara, quien recientemente ha sido heredera de una fortuna (debido a circunstancias accidentales), decide ir en busca de él a una isla asiática llamada Yamatai. Toda la historia gira entorno a una maldición de nombre Himiko, quien era una princesa japonesa que portaba la destrucción y caos en el mundo. Así que Richard, el padre de Lara, quedó extraviado buscando este tesoro y será el turno de Lara para ir a su rescate.
Desde el principio de la cinta y a lo largo de ella se nos muestra una Lara que aunque es valiente, llena de energía y arriesgada, no tiene la madurez y temple necesario para enfrentar situaciones de mayor riesgo, aspecto que es muy similar a lo que vimos en la entrega del videojuego del año 2013. De hecho hay muchas partes de la película que nos remontan a escenas y sucesos vistos en aquel juego que fue una clara inspiración. Desde secuencias de supervivencia en un avión, usar el arco como arma principal (mi favorita del juego), y la capacidad para sobrevivir toda clase de golpes y laceraciones se plasman en la pantalla. Si eres un aficionado, de inmediato lo notarás.
Si bien la historia es simple, tampoco podemos pedir demasiado cuando todos saben cuál es el contexto de Lara y su origen como saqueadora de tumbas. Es una chica millonaria y experta en combate que tendrá que enfrentar toda clase de aventuras a lo largo del mundo y acabar con una organización llamada Trinity, quienes buscan apoderarse de cada secreto relacionado con lo sobre natural en el mundo y su historia.
La diferencia principal entre la nueva cinta y las de Angelina Jolie, es que ésta Lara apenas se está iniciando como exploradora y es el comienzo de un personaje que, de ser exitoso en taquillas, podríamos ver madurar en futuras cintas.
El desarrollo de la historia en la isla es quizá uno de los puntos más débiles de la cinta desde mi punto de vista. ¿Por qué? Por la falta de profundidad al momento de contar los detalles, un guión muy simple y me hubiera encantado ver más momentos de tensión y secuencias de acción con mayor dramatismo tal como lo vimos en los videojuegos. Sé que es difícil hacer la separación de ambos productos de entretenimiento pero a veces resulta imposible y menos para un aficionado de la franquicia. Otro punto que parece algo débil es el del villano quien nunca termina por convencerte de la importancia de su rol en la historia que logra detonar el potencial de Lara.
Las películas de videojuegos no son para los videojugadores. Debemos de entenderlo de una vez por todas.
A estas alturas debemos aceptar que las películas de videojuegos no son para nosotros los jugadores y consumidores. De una vez por todas debemos de entenderlo. Son productos pensados para un audiencia masiva, para un público general, incluso me atrevería a decir que son para un jugador de corte casual y si es así, entonces como producto creo que cumple. Como decía, a veces esperamos tanto que terminamos decepcionados y creo que aquí se puede repetir el caso.
El vínculo entre Lara y su padre es de lo que tiene más peso la película y aunque es emotivo, por momentos distrae del argumento principal que es la exploración y acción. Hay que destacar el gran trabajo de Vikander como actriz quien no sólo tuvo una preparación extraordinaria en su físico para dar vida a esta nueva Lara. Simplemente fue excepcional el papel que asumió y es una de las chicas con mejores físicos, más trabajados y fuertes que hemos visto en una película de acción y es quien por muchos momentos intenta rescatar la película. Hay que ser justos, comparando la cintas de Tomb Raider originales, sin duda este es un paso adelante para la franquicia pero uno bastante conservador. No sé si esto se debe a la falta de experiencia del director noruego Roar Uthaug (The Wave, 2015), en filmes más taquilleros a nivel internacional o una simple adaptación del guión e historia digerible.
Cuando tienes a una ganadora de la academia en tu cinta
Claramente Alicia Vikander es de lo más rescatable que tiene la cinta por su trabajo como actriz en el que personificó dignamente a Lara Croft. En cuanto a las escenas de acción en las que los efectos por computadora se encargaron de toda la magia son buenos pero lejos de ser los mejores que se ven en Hollywood hoy en día. Sin embargo, esto no quita toda la intención de darnos una cinta decente de acción protagonizada por la actriz que ganó un premio de la academia en 2016 por la película La Chica Danesa. A sus 29 años, la sueca nos ha dado grandes y mejores cintas en su trayectoria, entre ellas Ex Machina.
El fan service de los videojuegos
Cuando en el año 2013 se estrenó la primer película de Pacific Rim, tomó a todos por sorpresa. Por décadas, los fans del género de kaijus deseamos que se hiciera una película con la producción de Hollywood que reflejara esas espectaculares peleas de titanes entre los edificios de importantes ciudades. Aunque hubo algunos intentos, sólo en el manga y anime (incluso en algunos juegos) pudimos disfrutar de esas sensacionales batallas como debían de ser. Fue la visión de Guillermo del Toro la que por fin nos mostró que sí era posible hacer algo de gran calidad sobre el género y ahora llega una secuela, que intenta retomar el legado que dejó la cinta anterior. ¿Estará a la altura de lo que los fans esperan? Aquí está nuestra reseña de Pacific Rim Uprising (o Titanes del Pacífico: Insurrección en latinoamérica).
Lo primero que debes de tener en mente al ver la película, es que no fue escrita ni dirigida por Guillermo del Toro, él sólo la produjo. Sí hubo un momento durante la preproducción en la que el mexicano se iba a encargar tanto del guión como de dirigirla, sin embargo por cuestiones de tiempo con sus otros proyectos, tuvo que encargar tanto el guión como la dirección a otras personas. Y sólo por mencionarlo, la idea original de Pacific Rim no fue de Del Toro, sino de un guionista llamado Travis Beacham. Lo que sí hizo el tapatío fue completar un guión con sus ideas y llevarlo todo a la pantalla grande.
Pacific Rim Uprising fue dirigida por Steven S. DeKnight. Si su nombre no te suena familiar, es porque apenas se trata de su primer película que dirige. DeKnight tiene experiencia en la pantalla chica con series como Spartacus y Daredevil, entre otras. Así que hacer algo que iguale la calidad que vimos en la primer película, ya era de por sí una labor titánica. Pero de una vez te puedo decir, que ha hecho un papel bastante aceptable, aunque obviamente no está a la altura de su predecesor.
Una nueva generación de Jaeger
Uno de los puntos que más me gustaron de Pacific Rim Uprising, es cómo vincula los hechos con la película anterior. Si algo no me gustó de la original, fue que al final ya no supimos qué pasó después de que cerraron la Brecha. Los protagonistas terminan felices con un beso en medio del Océano Pacífico. Siempre me quedé con la duda sobre qué pasaría con el resto del mundo. Eso se responde en los primeros minutos de la secuela.
10 años después del final feliz de la primera cinta, el mundo vive en un estado de paz virtual. La amenaza de Kaijus ha sido eliminada, aunque de todas formas mantienen activas sus defensas en caso de que haya otro ataque. Las ciudades que más sufrieron los estragos de la guerra de la década previa, fueron las costeras, en las cuales hay completa anarquía y hay pandillas que lucran tanto con los restos de los gigantescos monstruos como con las piezas de los Jaeger inservibles.
El mantenimiento de los colosos metálicos también está pasando por problemas económicos. Los gobiernos, al no tener una amenaza segura, planean dejar de financiar el proyecto. La única esperanza parece estar en el sector privado, pero eso implicaría que ellos tendrían el poder absoluto sobre ellos.
Ahí es donde entra el protagonista, Jake interpretado por John Boyega. Es el hijo del General Stacker Pentecost (Idris Elba) quien después de sus acciones en la primera película, ahora es toda una leyenda y un héroe. No obstante, Jake no tiene mucho que ver con su padre y ha preferido una vida de rebeldía alejada del proyecto de los Jaeger. Jake se encontrará con una joven llamada Amara Namani (Cailee Spaeny) quien añora la época dorada de los Jaeger ya que tiene motivos personales para querer ser la piloto de uno de ellos.
Estos personajes son los encargados de llevar el peso de la película, lo cual logran cumplir de forma adecuada. Mientras que el resto de los personajes no llegan a ser tan entrañables como ellos, a excepción de los que regresan de la cinta de 2013. En particular, resulta interesante ver a John Boyega en su primer blockbuster protagónico después de Star Wars. Sí ha participado en otras películas, pero nada comparado con el nivel de acción y producción de ambas cintas de ciencia ficción. El resultado es favorable y logra diferenciarse del personaje de Finn por el que todos lo conocimos. Ahora ha dejado de ser un desconocido más y parece que la maldición de las películas de Star Wars no le afectarán.
La primera mitad de la película, o por lo menos una gran parte de esa mitad, se desarrollará en actualizar a la audiencia sobre cómo se encuentra el mundo y quiénes son los personajes principales. El conocer quién es el enemigo, aunque sus verdaderos motivos se revelarán hasta la última parte de la película. Si has visto los tráilers y avances, sabrás que los Kaijus están de regreso. Lo interesante es conocer el cómo y el porqué.
Una visión más occidental
Lo que nos cautivó de la película de Guillermo del Toro, fue en gran parte el homenaje a los animes de kaijus y las referencias a la cultura japonesa tanto en la trama como en su estética. Sin olvidar obviamente a las películas de Godzilla o la serie de Ultraman. Si recuerdas, casi toda la película de 2013 tenía una fotografía muy colorida, como si se tratara de un anime con colores neón y una excelente fotografía por parte del también mexicano Guillermo Navarro.
En cambio, en Pacific Rim Uprising se nos presenta una estética completamente diferente. Una más apegada a los gustos occidentales de Hollywood que a un estilo japonés. Para ser más claro, sentirás que es menos Evangelion y más película de Transformers.
El diseño tanto de los Jaeger como de los Kaijus se mantiene prácticamente idéntico. Vemos nuevos titanes de gran poder y monstruos aterradores. El sentido de que son seres de proporciones colosales está muy bien logrado, lo cual nos lleva a batallas espectaculares.
De algo que no hay queja alguna en la cinta, es de la calidad de los efectos especiales. Te recomiendo ver la película en una sala IMAX si tienes la oportunidad. Pero no hay duda de que la tienes que ver en el cine para disfrutarla al máximo. Porque además de ser una película para entretenernos, también es toda una experiencia el ver a esos seres colosales en una pantalla grande. No la apreciarás igual una vez que salga para formatos caseros.
Conclusiones
Adaptar cualquier obra a otro medio distinto al de origen, siempre será una labor sumamente complicada, esto por las marcadas diferencias que hay entre una película y un videojuego o entre un libro y una película. En agosto de 2011, un desconocido autor en ese momento llamado Ernest Cline, publicó una novela impresa bajo el nombre de Ready Player One, la cual, en poco tiempo comenzó a causar sensación entre la comunidad de entusiastas de la cultura popular, sobre todo de los llamados “gamers”, pues además de contar una historia de aventura llena de adrenalina y grandes momentos, hacía cientos de referencias a todo tipo de formas de entretenimiento de los años ochenta.
Nos encontramos en 2018 y el mismísimo Steven Spielberg es el encargado de llevar a la pantalla grande Ready Player One, cinta que por su naturaleza y origen, es muy complicado -prácticamente imposible- no compararla con la obra que le dio vida. Partiendo de ese asunto, tenemos una película que se aleja muchísimo de la historia que se nos contó en la novela, modificando gran parte de su argumento y por supuesto, cambiando casi en un cien por ciento las referencias que Cline presentó originalmente.
Fuera de lo anterior, hay que tener muy en cuenta estamos frente a una película diseñada para cautivar a audiencias mucho más grandes que el pequeño nicho al que pertenecemos quienes vemos a los videojuegos como parte esencial de nuestras vidas, y justo por perseguir ese objetivo de manera intensa, es que tenemos un guión flojo lleno de deficiencias y fan service que siente forzado y fuera de lugar la mayor parte del tiempo.
De regreso al Oasis
La realidad virtual es algo que ya ni siquiera se puede considerar ciencia ficción. Actualmente, estas tecnologías han encontrado un espacio como productos de consumo masivo, además de que finalmente, han cumplido con muchas de las promesas que se nos hicieron desde los años ochenta. Ready Player One toma justamente eso y lo coloca dentro de una historia en un futuro distópico en donde existe un juego de VR que ha cautivado al mundo.
Nos encontramos en el año 2045 y la mayoría de la grandes ciudades del mundo se han convertido en huecos de tierra y suciedad afectados por cambios climáticos. Por una razón que no se explica, Columbus, Ohio es una de las que más crecimiento está teniendo. Al vivir en una realidad tan deprimente, la gran mayoría de la población se refugia en un videojuego parecido a Second Life que funciona a través de visores y demás aparatos de realidad virtual llamado Oasis.
Aquí entra Wade Watts, joven adicto a dicho título que lleva ya cinco años intentando resolver un quest dejado dentro del juego por el difunto James Halliday, creador de Oasis: El primero en encontrar tres llaves escondidas en ese gigantesco mundo, obtendrá el poder absoluto sobre la plataforma.
Por el poco tiempo que existe dentro de una película, Ready Player One hace un terrible trabajo explicando las reglas y en general universo en el que se desenvuelve su historia, esto sin mencionar que todos los personajes son pobres y carecen por completo de verdadero desarrollo, sobre el caso de Nolan Sorrento quien es un villano torpe que no intimida, mientras que Art3mis fue distorsionada por completo. Ni qué decir de Ogden Morrow, quien fue reutilizado de una manera que al menos en mi opinión, no fue la correcta.
Lo que sí te puedo decir es que el cast es sensacional. Los actores elegidos para hacer a los protagonistas son justamente como muchos los imaginábamos cuando leímos el libro. Mismo caso de algunos de los lugares que se nos presentan. Claro que varios puntos alrededor de Oasis y fuera de él, fueron completamente hechos para la cinta. Mención honorífica a Aech, personaje que sin lugar a dudas se roba buena parte del filme.
Algo que también es sumamente notable es cómo algunos personajes cambian su supuesta filosofía de un momento a otro. De decir cosas como “yo trabajo sólo y nunca me uniré con nadie” pasamos a “somos la resistencia, qué bonito es trabajar en equipo”.
Mi mayor queja con la historia y desarrollo narrativo de la película es que se perdió la esencia de la historia original. Entiendo perfecto que se tuvieran que hacer cambios por mil y un razones, pero creo que se falló rotundamente al momento de capturar el sentimiento de aventura y adrenalina que se respira en cada momento dentro de la novela. Por ejemplo, los cambios en los marcadores de Oasis que eran momentos épicos dentro del libro, aquí se sienten efímeros y sin mayor importancia. De igual forma, la búsqueda de cada una de las llaves, así como las pruebas para obtenerlas, lucen como algo secundario dentro de la trama cuando en realidad, deberían de ser el eje central.
El problema de las referencias
Desde que se anunció que Ready Player One estaría siendo adaptado al séptimo arte, más de uno sentimos algo de preocupación, pues de entrada, sonaba como un verdadero infierno el tener que negociar todas las licencias que se necesitarían para hacerla realidad en el cine y justo como lo esperábamos, todo este asunto tuvo un impacto directo en el guión.
De entrada, hay que decir que la historia que se nos cuenta en el libro fue reescrita por completo. Solo se tomó la premisa de la novela y encima de ella, se colocaron hechos radicalmente distintos, seguramente condicionados por las licencias que se pudieron negociar y las que tuvieron que ser retiradas.
No me mal interpretes. Creo que lo más adecuado cuando se adapta un libro al cine, es mover las piezas que sean necesarias para que la obra en cuestión funcione de la mejor manera en el nuevo medio al que está llegando. El problema con Ready Player One es que se nota claramente que estos ajustes tuvieron más que ver con temas de licencia, que con creativos.
Otra de las grandes complicaciones de la película es que en ningún momento se acaba de decidir si hará referencias a obras de los años ochenta, o a cosas mucho más actuales. Wade Watts se suponía que era un mega nerd justamente de la cultura ochentera, pero en la película son mucho más notables las referencias a cosas mucho más actuales. Sí, Tracer sale como seis veces.
Para rematar todo lo anterior, la mayoría de estas referencias se sienten forzadas y sin razón de ser. A diferencia de lo que pasaba en la novela, aquí se colocan momentos de fan service sin justificación alguna con el único objetivo de causar emoción en cierto tipo de audiencia. El proceso creativo se siente como si guionistas ajenos a la cultura popular hubiera dicho “A ver ¿qué cosas entienden los “gamers”? A pues el Hadouken de Ryu, entonces que el protagonista lo grite de la nada” WTF.
No todas las referencias dentro de Ready Player One son superficiales o forzadas, también tenemos algunos momentos que valen mucho la pena y ante los cuales, fue complicado no sonreír, sobre todo ese momento en el que los protagonistas entran en una película de Stanley Kubrick. Como sea, también hay que entender que el objetivo de la cinta es cautivar a las grandes masas y no tanto a quienes llevamos jugando más de dos décadas sin parar.
Visualmente sensacional
Ready Player One luce y se escucha increíble. Una vez más, Steven Spielberg hace gala de sus habilidades como director para hacer que los efectos especiales funcionen dentro de una cinta a la perfección. Digo, la mayor parte de la historia se desarrolla dentro del Oasis, por lo que uno de los objetivos justamente tenía que ver con que todo se viera generado por una computadora.
Puede que el diseño de producción se llegue a sentir un poco suelto y sin una línea clara, sin embargo, creo que en este apartado no había mucho qué hacer, pues estamos frente a una mezcla gigantesca de todo tipo de obras. Como sea, se hizo un esfuerzo bastante loable para hacer que al menos este apartado, se sintiera homogéneo o que hiciera sentido. Lo que sí es una lastima son los pocos lugares que podemos conocer dentro del Oasis.
Es para una audiencia masiva
A pesar de ser considerada como un clásico del género de ciencia ficción del siglo anterior, A Wrinkle in Time (Un Viaje en el Tiempo) es una novela poco conocida en nuestra región. Tiene una historia que combina la fantasía con viajes cuánticos y, aunque podría considerarse como una obra infantil, muchos adultos la han disfrutado por décadas. Es por ello que Walt Disney Studios han decidido brindarnos una adaptación al cine, aprovechando que los efectos especiales por fin pueden hacerle justicia a lo que ocurre en la novela. ¿Qué tal está la película? ¿Vale la pena ir a verla? Te lo contamos en nuestra reseña.
Para mencionar un poco sobre el trasfondo de la novela, se publicó en el año 1962 y su autora fue la norteamericana Madeleine L’Engle. Ella tuvo muchos problemas para que alguna casa editorial se animara a publicar su obra, incluso afirma que 26 editoriales la rechazaron. Fue casi por suerte que una amistad le recomendó acudir con uno de los dueños de Farrar, Straus & Giroux, quienes se animaron a publicar su libro. De ahí en adelante, L’Engle publicó otras cuatro novelas que continuaron contando los hechos de los mismos personajes.
La novela tuvo un éxito moderado y se convirtió en una obra de culto entre los fans de la ciencia ficción. A lo largo de las décadas siguientes tuvo varias adaptaciones a diferentes medios de entretenimiento. Desde una novela gráfica, una obra de teatro y hasta una ópera. En cuanto a medios audiovisuales, Disney la adaptó en una película para la televisión en el año 2003. Ahora la vuelven a adaptar a la pantalla grande con una gran producción que costó $100 millones de dólares. De hecho, es el presupuesto más grande que ha tenido una película dirigida por una mujer afroamericana, Ava DuVernay. Así que como podrán ver, es una cinta a la que Disney la considera como una de las más importantes para ellos en el cine durante 2018. Pero ¿es buena la película?
Una historia de fantasía y ciencia ficción
La historia gira en torno a una niña de primaria llamada Meg Murry, quien tiene muchos problemas para relacionarse con las personas en su escuela. Eso se debe, a que su padre desapareció cuatro años antes y se desconoce su paradero. Ella es la hija de dos científicos que estaban a punto de descubrir la forma de viajar por todo el universo usando únicamente su mente. Pero desde la ausencia de su padre, su madre ya no continuó con sus investigaciones.
Meg tiene un hermano adoptado de seis años de edad llamado Charles Wallace, quien es considerado como un genio prodigio. De hecho, todo el tiempo sentirás que él sabe mucho más de lo que ocurre en la historia que la propia protagonista. Meg también es muy inteligente, pero desde que desapareció su padre perdió su interés por la ciencia.
Un día, ellos y un compañero de la escuela, se encuentran con extrañas mujeres que afirman conocer qué ocurrió con su padre. Es así que con una habilidad mental que hacen llamar Teserar (la cual está basada en una teoría científica llamada Teseractos), pueden viajar billones de años luz de distancia en un abrir y cerrar de ojos.
Eso los lleva a visitar planetas extraños y a estar frente a frente con un ser que encarna la maldad pura en el universo. Para ello, Meg deberá demostrar que tiene la suficiente inteligencia para hacerle frente.
Efectos visuales espectaculares y nada más por ofrecer
A Wrinkle in Time sufre del mismo padecimiento que muchas otras películas que basan su producción en efectos especiales. Me refiero a que el uso excesivo de pantalla verde termina por notarse en pantalla. Es decir, que es evidente que todos los actores están encerrados en un cuarto donde todo lo que vemos es creado por CGI. Eso ocurre un 90% de toda la película. Aunque sí tengo que aclarar, que sus efectos son muy coloridos y vistosos. Si la puedes ver en una pantalla de 3D, será mucho mejor experiencia.
No se puede decir lo mismo con el maquillaje. Los personajes que más lo utilizan, son las tres brujas o magas galácticas que son interpretadas por Oprah Winfrey, Resee Witherspoon y Mindy Kaling. Su maquillaje es extremadamente exagerado y parece que fue realizado por niños. Ocurre de igual forma con sus vestuarios, los cuales tienen la calidad de una obra teatral infantil escolar. No a la altura de una mega producción de Hollywood.
Otro de los grandes problemas de la película, es la actuación de los niños. El trabajar con actores jóvenes me imagino que ha de ser un problema para muchos directores. Los tres niños que participan en la cinta, parecen amateurs. Sobretodo el menor de seis años quien nunca terminas por aceptar su personaje. Siempre tiene diálogos poco creíbles y su actuación nunca cambia. Los otros dos actores son un poco mayores y probablemente tengan un futuro bueno en el cine, pero su trabajo aquí no será bien recordado. Sus actuaciones son las mismas y no muestran expresiones de sorpresa al estar en lugares extraños o fantásticos.
Y por si fuera poco, el ritmo de la película es extraño y confuso. Hay personajes que dejan de participar sin justificación, locaciones en las que no aportan nada en cuanto a la trama y hasta situaciones que pudieron resolverse mucho antes pero dejaron hasta el final. A pesar de ser una película enfocada para un público infantil, les costará trabajo el seguir la trama por lo surrealista que está.
Conclusiones
A Wrinkle in Time es una ambiciosa adaptación de la novela del mismo nombre. Un clásico del género de ciencia ficción y de fantasía. La mejor forma de describirla, sería una mezcla infantil entre Interstellar y Alicia en el País de las Maravillas. Quizá estaban considerando comenzar con una nueva saga fantástica en el cine, sin embargo creo que aquí podría quedar en el intento.
A pesar de que tiene algunos efectos especiales muy llamativos y coloridos, la trama, actuaciones y hasta el maquillaje son de mala calidad. Eso nos sorprende para ser una gran producción de Disney.
Si eres fan de la novela o la llegaste a leer, es probable que te guste la adaptación cinematográfica. De lo contrario, la verás como otra película de las llamadas “domingueras” que olvidarás rápidamente.
El cine de superhéroes está lleno de altibajos. A pesar de contar con grandes historias, las versiones cinematográficas de nuestros personajes favoritos muchas veces son diferentes a sus versiones originales con el afán de contar historias que sean más realistas y llenar la sala de cine. Ejemplos hay varios, podemos recordar la mala adaptación de Green Lantern o aquellos fallidos intentos de abordar las historias de Los 4 Fantásticos.
Ambos ejemplos cuentan con historias sumamente complejas que involucran teorías de nuestra existencia en el espacio tiempo, universos alternos, vida en otros planetas y hasta el impacto que tienen las emociones en la energía del universo. Sin duda, adaptar estas historias no es tarea sencilla, es algo complicado y hasta el momento no se ha logrado de forma exitosa.
Por supuesto también tenemos historias del mismo grado de complejidad y que han sido más del agrado del público. Una de ellas es la que nació en 2014 cuando el “Internet” hizo de las suyas y publicó el material de prueba de un proyecto audiovisual protagonizado por Deadpool –o como a algunos les gusta decirle, el Mercenario Bocazas. Los fans perdieron la cabeza y de inmediato alzaron su voz como un tsunami para hacerle saber a la 20th Century Fox y a Marvel lo mucho que deseaban ver una película del personaje. Fue así como Ryan Reynolds y el director Tim Miller tuvieron luz verde para hacer su película y vaya que trajo muy buenos resultados, pues se convirtió la cinta con clasificación para adultos más taquillera de todos los tiempos.
Como era de esperarse, la secuela de la exitosa cinta de 2016, Deadpool 2, pronto comenzó su desarrollo, pero durante el proceso sufrió algunos tropiezos. Para empezar, el director original, Tim Miller, salió del proyecto, siendo sustituido por David Leitch, quien es conocido por estar involucrado en películas como Conan the Barbarian (2011), John Wick y Atomic Blonde. Posteriormente, durante el rodaje de la fotografía principal, una de las dobles de acción lamentablemente perdió la vida en el set, lo que suspendió temporalmente la producción de la cinta.
Pese a todo esto, el proyecto salió adelante y se estrenará el próximo 18 de mayo –más pronto de lo que puedes decir chimichanga– pero, ¿estos tropiezos afectaron al producto final? ¿Es Deadpool 2 tan ñera y agradable como la primera? Acompañame a descubrir la respuesta en la reseña de Deadpool 2.
¿Dónde está la biblioteca?
La película retoma la vida de Wade Wilson justo donde la dejamos en la primera entrega: el mercenario vive una vida “plena” marcada por la matanza –lo que viene siendo su trabajo– y el amor. Para no hacer spoilers, sólo les diré que Wade se ve obligado a cambiar su forma de ser, lo que eventualmente lo lleva a involucrarse en la vida de un joven mutante llamado Russel, quien necesita de su protección debido a que Cable, una amenaza del futuro, intentará acabar con su vida.
No pienso decirles más al respecto porque no quiero arruinar las sorpresas que Wade les tiene preparadas. Lo que sí les puedo comentar es que el desarrollo de la trama es bueno, quizá no tan interesante como lo fue en su primera entrega, pero está muy lejos de ser malo. La película dura casi dos horas y en ningún momento pensé algo como “que ya termine” o “que pu@# huev%&”, sino todo lo contrario, quería ver más batallas, escuchar más bromas y descurbir más referencias. Estoy seguro de que cuando la veas te va a pasar lo mismo y es que uno de los principales factores para permanecer tan atento es la generosa cantidad de intertextos que incluye la película. Desde el principio, las referencias a otros productos de la cultura pop, tanto en lo visual como en los diálogos, te volarán la mente, sobretodo por la forma tan graciosa en la que se presentan, lo que me lleva a hablar de uno de los puntos que no me agradó tanto de la cinta: las bromas.
No se me espanten mis chimichangueros, les garantizo que se van a reír por montones con las bromas que hay sobre el personaje, el universo de Marvel, la música y todo eso que a muchos nos gusta de la cultura pop, pero hay algunas bromas que se sienten forzadas, particularmente las que tienen que ver con las películas de DC, –¡Espera! Antes de que arremetas con odio el teclado y escribas con mucha furia que soy un @$%&?!!! sigue leyendo– ya que me hicieron pensar algo como “ya basta Wade, ya está muerto”. Lo gracioso de una broma se pierda cuando escuchas más de una vez el mismo chiste y en Deadpool 2 esto llega a ocurrir.
Ahora, en cuanto a los personajes, los escritores Rhett Reese, Paul Wernick y el propio Ryan Reynolds, se las arreglaron para darle emociones más humanas a Wade, para llevarlo a cuastionar su propia forma de ser. El equipo creativo nos presenta una versión más sensible del personaje y nos muestra cómo es que reaccionaría a situaciones nuevas y mucho más complejas, lo que da mucha más frescura a un personaje que ahora todos conocemos. La trama no es la más novedosa, pero si está construida con mucho ingenio para mantener la risa y el interés del espectador.
Por si fuera poco, la barrera de la cuarta pared se vuelve a derrumbar en más de una ocasión, manteniendo la esencia del personaje creado por Fabian Nicieza y Rob Liefeld en 1991 y que ha evolucionado para convertirse en un ente que es consciente de su propia existencia, que sabe que es un personaje de ficción que vive en el universo de los cómics –aprovechó la oportunidad para recomendarte la series Deadpool Kills the Marvel Universe, Deadpool: Killustrated y Deadpool Kills Deadpool.
Personajes de talla grande
La película está protagonizada por Ryan Reynolds, Morena Baccarin, Brianna Hildebrand, Leslie Uggams, Stefan Kapicic y Karan Soni, quienes repiten sus papeles como Deadpool, Vanessa, Negasonic, la ciega Al, Colossus y Dopinder, respectivamente; junto a ellos también aparecen Julian Dennison, Zazie Beetz y Josh Brolin, quienes interpretan a Russell, Domino y Cable.
Claro que hay más actores en pantalla, pero su participación no es tan relevante como la de los mencionados arriba, es más como un cameo gracioso. Y hablando de cameos, te aconsejo que no pierdas detalle de la primera hora de la cinta porque hay uno en especial que te hará gritar como Flanders.
Las actuaciones son buenas. Cada personaje está interpretado de tal forma que, en conjunto, logran crear una relación de amistas –con toques de amor y odio– muy divertida. Lo anterior se ve particularmente reflejado en la relación que tiene Wade con Domino, Cable y Russell.
También destacan los momentos aleatorios en los que parece que Reynolds está improvisando con sus mejores armas del baúl de la vulgaridad y la actuación de Brolin, quien después de haber interpretado al mejor villano del MCU, Thanos, ahora utiliza un brazo de metal para recrear un personaje totalmente diferente al señor morado.
Con extra de sangre, por favor
Visualmente, la cinta luce muy bien. Las secuencias de acción son sangrientas y seguramente te quedarás boquiabierto con algunos de los movimientos de Deadpool y compañía. Te advierto que habrá momentos en los que vas a decir “¡rayos! eso fue excesivo”, pero estos elementos son ideales para una cinta de esta naturaleza. El efecto es tan bueno, que mientras veía la cinta en más de una ocasión escuche a los demás hacer un ruido como de asco, ya sabes, ese sonido que viene acompañado de una mueca de desagrado.
La producción se ha encargado de recrear escenarios de forma verosímil. Por ejemplo, la escena en la que se introduce a Cable es justo como se debería ver, no está para nada exagerada, ni es alargada sin sentido, va directo al punto. Por otro lado, los elementos generados por computadora no son tan destacados, pero sí están bien implementados y hasta incluyen una graciosa broma sobre el CGI que te va a dejar con cara de “no memes, ¿realmente acabo de ver eso?”.
Ahora, sus encuadres y secuencias están bien logrados. Quizá aquí había espacio para explorar planos totalmente descabellados y hasta romper algunas de las reglas cinematográficas más comunes, después de todo es Deadpool, un sujeto que básicamente no se rige por las leyes de este universo, pero supongo que la producción decidió no arriesgarse en este sentido.
Para rematar todo lo anterior, el soundtrack de la cinta es una selección de grandes canciones como Take On Me, All Out of Love y Bangarang –porque el Dubstep no está muerto– entre otras. Todas están colocadas de tal forma que generan un contraste muy simpático con respecto a lo que estamos viendo en pantalla. Por su parte, el score de la cinta, compuesto por Tyler Bates, es hilarante y hasta es el primero en recibir la Parental Advisory Warning (advertencia parental), así que vale mucho la pena que antes de ver la película te limpies muy bien tus orejas para disfrutar la experiencia sonora de Deadpool 2 al máximo.
Maximum Effort
Ser una película de superhéroes y destacar del resto no es tarea fácil. Cada vez que una cinta de este tipo es anunciada su objetivo es tener mejores efectos especiales, un personaje más divertido y por supuesto, la mejor escena postcréditos. Si alguno de estos elementos falla, es poco probable que la película en cuestión se gane el corazón del público, como esas superproducciones live action que nomás no dan una.
Algunas de las anteriores –y muy a mi pesar– son las películas a cargo de Warner Bros., cuyas aproximaciones cinematográficas a los entrañables personajes de las historietas se han quedado por debajo de la expectativa de los fans; sin embargo, todo cambia cuando hablamos de las películas animadas de la productora, en donde claramente se nota la gran experiencia que tiene en el tema –no por nada son los responsables de productos legendarios como Looney Toons, Tiny Toons y los fantásticos Animaniacs-.
Con ejemplos de la talla de Space Jam, El gigante de hierro y muchas más, es claro que Warner Bros. Animation es el más picudo cuando hablamos de cintas de este tipo, a diferencia de su competencia directa, que tampoco da una.
Es así como hace poco menos de un año la productora anunció que los Teen Titans en su versión Go! –o en Acción, para latinoamérica– tendrían su propia película. Al principio, los fans no recibieron la noticia con mucha alegría, sobretodo cuando la referencia más reciente de los titanes eran las excelentes series animada que la productora canceló: Young Justice y Teen Titans. Después de ver algunos episodios de la serie, muchos de los que nos mostramos renuentes a la nueva propuesta nos dimos cuenta de que era sumamente divertida y que en efecto, estaba dirigida al público infantil, así que esperar que ocurriera una de las llamadas “Crisis” o que algún personaje desapareciera en la fuerza de la velocidad resulta prácticamente absurdo.
Desde su anuncio la cinta quería ser divertida en extremo, nada más, nada menos. Así que las ganas de ver la película, aumentaron de forma considerable pero, ¿será suficiente para que los Titanes prueban las mieles del éxito? Te lo contamos aquí, en la reseña de ¡Jóvenes Titanes en Acción! La película.
Esta es mi peli y es de superhéroes
Como decía unas líneas arriba, la película de los Teen Titans Go! No busca encontrar el hilo negro de las cosas o hacer que reflexiones sobre tu propia existencia y eso queda claro en la sencillez de su trama: Robin y el resto del equipo buscan ser reconocidos como superhéroes, debido a que el resto de “súpers” sólo los ven como patiños, como unos “payasitos”. Para ello, los doble T deciden que el mejor camino es tener su propia película, porque obviamente si eres un superhéroe y no tienes tu propia película prácticamente no existes. ¿Y qué necesitas para tener una película? Una buena historia, explosiones, muchos efectos especiales y claro, un archienemigo legendario.
Así es como inicia la aventura cinematográfica de Robin, Cyborg, Raven, Starfire y Chico bestia, la cual tiene un buen desarrollo, es divertida y te mantendrá muy atento a los eventos que en pantalla ocurren. Los titanes son alocados –algo que por lo visto, las generaciones más jóvenes adoran– y una trama simple como ésta resulta perfecta para que el producto final sea una grata experiencia sin importar la edad que tengas.
Lo que más me sorprendió fue la cantidad y calidad de bromas que hay en la película. Y es que aquí vas a encontrar desde los clásicos chistes de pastelazo, hasta bromas más picantes que hacen referencia a los productos de DC Comics e incluso a Deadpool, un personaje que es bien conocido en el cine por sus constantes burlas a DC y sus cintas. Durante la proyección de la película mi experiencia fue una risa constante, aunque eso sí, hay algunas bromas demasiado torpes que ni los niños encontraban divertidas.
También hay canciones y momentos emotivos que te sacarán un “awwww” en la sala de cine, pero no todo es perfecto. A pesar de que la cinta es sobre el equipo de los Jóvenes Titanes, Robin tiene demasiados diálogos, lo que le resta importancia al resto de los personajes. Adicionalmente, lo simple del conflicto hacen que el desarrollo de la cinta sea un poco cansado por momentos.
Otro de los puntos importantes dentro de la cinta es la tremenda cantidad de intertextos que aparecen en ella. Si eres fan de los superhéroes y particularmente de los cómics de DC, estoy completamente seguro de que cuando veas las referencias que aquí se incluyen tu mente va a explotar. Incluso hay un cameo en forma de cierto señor que siempre hace cameos, lo cual fue muy gracioso. Es claro que los escritores de Jóvenes Titanes en acción, Michael Jelenic y Aaron Horvath –conocidos por su participación en la serie animada The Batman y Mad, respectivamente–, siempre tuvieron en mente que los personajes debían superar cualquier barrera y divertirse con todo lo que sucede a su alrededor.
Ver a Robin robinear a Robin
El primer adelanto de la película presentó un elenco de voces en español latino distinto al original, lo cual no fue bien recibido. Posteriormente, se anunció que los personajes tendrían las voces originales y vaya que cambia la cosa. No me mal interpreten. No quiero decir que el trabajo del primer grupo de actores sea mejor o peor, simplemente quiero decir que la nostalgia y la forma “original” funciona mejor en esta ocasión.
La actuación de voz es muy buena y es una colaboración entre los actores venezolanos y algunos actores de doblaje mexicanos. El elenco de voz está compuesto por Reinaldo Rojas, Ángel Balam, Leisha Medina y Lileana Chacón –Robin/Chico bestia, Cyborg, Raven y Starfire–, quienes se acompañan de Erica Edwards y Octavio Rojas, por mencionar algunos. La combinación de ambas nacionalidades da como resultado un gran producto que hará que te identifiques fácilmente con alguno de los personajes.
Por último y no menos importante, está el diseño de la animación. El estilo en 2D es una de las tendencias más populares en el mundo de las caricaturas, pero es muy grato encontrar productos que no sacrifican la profundidad y las formas tridimensionales como Teen Titans Go! The Movie. La cantidad de colores que hay en pantalla transmiten una sensación alegre que sazonada con la trama y la actitud de los personajes entregan un producto excelente.
¿Portal? No, mejor conclusiones
Siempre he creído que el tópico religioso es, por mucho, el que más puede aterrar al grueso de la audiencia en la proyección de una cinta de terror; sobretodo si estamos hablando de la religión católica, pues tengo la impresión de que las personas más fáciles de espantar son las que tienen su fe depositada en Roma y su iglesia. Como sea, hablar de demonios católicos siempre generará un morbo muy particular, uno que para muchos de nosotros –que no somos creyentes, pero si morbosos– es difícil de ignorar.
Cuando Warner Bros. decidió que la cinta El Conjuro se convertiría en un universo cinematográfico completo, todos los que somos seguidores del género brincamos de emoción, pues la idea de ver más cintas relacionadas a los archivos del matrimonio Warren nos sigue dando una curiosidad impresionante. Así es como El Conjuro 2 (2016) y las cintas de Annabelle (2014 y 2017) fueron bien recibidas por los seguidores del género, despertando más preguntas sobre lo que Ed y Lorraine –el matrimonio de investigadores del fenómeno paranormal– vieron a lo largo de su carrera.
Un demonio en particular llamó la atención de muchos, uno que nos recordaba a esas hermanas que venden galletas y rompope. Se trata de Valak, el ente maligno con forma de monja que apareció por primera vez en El Conjuro 2 y que, debido a su popularidad, la productora decidió que la próxima película en agregarse al demoníaco universo estaría enfocada en este demonio.
Y no es de sorprender. Estoy seguro que algunos de ustedes seguramente buscaron en Internet cosas como quién es Valak –o Volac–, por qué es una monja, cuál es su conexión con los Warren, etcétera. Es así como el próximo 07 de septiembre llega The Nun, una cinta dirigida por Corin Hardy y que promete resolver todas las dudas que tenemos sobre el personaje pero, ¿realmente cumple lo prometido? ¿Será olvidada como La Monja de 2005? Te lo contamos aquí, en nuestra reseña de The Nun.
El Franchute de Rumania
The Nun –o La Monja, en Latinoamérica– es la primer cinta dentro del universo de El Conjuro. La película se desarrolla en el año 1952 y cuenta la historia del padre Burke y la hermana Irene, quienes son enviados por Roma a un claustro en Rumania para investigar los eventos que rodearon el suicidio de una de las hermanas que ahí vivían. El pasado de ambos personajes está marcado por eventos no tan divertidos que involucran a la fe y que se harán presentes al enfrentar el mal que surgió en el lugar.
Decirles más sobre la cinta arruinaría un poco la sorpresas que la hermana les tiene guardadas. Sin embargo, lo que sí puedo decirles, mi barrio, es que la trama es demasiado simple y desafortunadamente está llena de clichés que la hacen predecible y hasta incómodamente cómica en algunos momentos. Por ejemplo, el padre Burke forma parte de un equipo súper secreto de la iglesia que se dedica a… ¡Así es! ¡Adivinaste! A realizar exorcismos y combatir los constantes embates del patas de chivo, quien busca la eterna ruina del hombre.
A pesar de contar con la genialidad de James Wan en la redacción de la historia el director de la cinta Corin Hardy, conocido por su trabajo en The Hallow, no cumple con la expectativa de los fanáticos. Tal vez parezca que estoy siendo muy severo – después de todo se trata del segundo largometraje del director – pero no puedo pasar por alto la importancia que tiene la cinta y la gran expectativa que generó.
Y es que lo predecible del guion no es mi principal problema con la cinta. Mi mayor inconformidad tiene que ver con el exceso de comedia que hay dentro de ella, la cual le quita por completo la tensión al conflicto, algo indispensable en una película de terror. El mejor ejemplo de este exceso sin sentido es el personaje de Jonas Bloquet –Franchute como leí en los subtítulos–, el cual se siente completamente fuera de lugar. Creo que el director olvidó que éste es un universo completamente distinto al MCU, uno mucho más oscuro y diabólico que no necesita de bromas simplonas para tener éxito.
¿Hay monjas enanas?
Uno de los grandes logros de The Nun es su producción, la cual logra su cometido y transporta a los espectadores a la época y lugar que declara al principio de la cinta: la Rumania de 1952, posterior a la guerra.
El claustro en el que se desarrolla la mayor parte del conflicto tiene un aire espeluznante que se complementa con un puñado extra de crucifijos, lo cual está bien si tomamos en cuenta que el lugar esconde una interesante historia de origen para Valak.
Los efectos especiales están bien logrados y el CGI no resulta excesivo, algo que estoy seguro vas a agradecer si eres un fanático de los efectos prácticos.
Pero no todo es miel sobre crucifijos. El diseño de los demonios o apariciones que se hacen presentes en la cinta no está tan relacionado a lo que antes vimos. De pronto no sabía si estaba viendo a un demonio, a un fantasma o un zombie.
Otro punto en contra es su lenguaje. No, no quiero decir que sea malo; de hecho está muy apegado al manual y ese es precisamente el problema. Este tipo de cintas es ideal para que los cineastas den rienda suelta a la imaginación y hagan cosas locas y experimenten con varios de los trucos que el cine tiene para ofrecer. Desafortunadamente aquí no hay nada de eso.
En cuanto a la banda sonora de la cinta, la realidad es que se encuentra muy lejos de destacar. Sí, aumentaba la tensión lo suficiente como para hacerme enterrar las uñas en mi butaca, pero no creo que sea recordada como una banda sonora legendaria.
Hay momentos para rezar…
En una cinta de terror, el elenco es muy importante. Los actores que se encargan de contarnos una terrorífica historia deben de lograr cierta conexión con el público para que los sustos y las situaciones de tensión tengan una consecuencia. Si esto no se logra, terminarás riendo, como pasa en ésta cinta.
El elenco de The Nun está conformado por Demián Bichir, Taissa Farmiga, Jonas Bloquet y Bonnie Aarons, quienes interpretan al padre Burke, la hermana Irene, Franchute y a la Monja. Su actuación es buena, adecuada, estándar para una cinta del género, pero me hubiese encantado ver un poco más de terror en sus rostros. Supongo que las bromas del guion no permitieron que esto sucediera.
El lenguaje del diablo
En general, The Nun es una cinta decepcionante. Tiene un guion simple con un montón de clichés y situaciones que te harán decir no ma#@$. Su baja cantidad de sustos y el exceso de bromas probablemente te provocarán muchas ganas de reír y hasta te preguntarás a qué hora sale Tony Stark a decir un chistorete.
Aunque cuenta con una gran producción, falla como cinta de terror perteneciente al universo de El Conjuro, algo que resulta frustrante y que me lleva a pensar que sí, se trata de otra cinta con monjas que será olvidada con rapidez. Es verdad que responde varias de las dudas que muchos teníamos, pero lo hace de forma simple, con argumentos que resultan inverosímiles hasta para una cinta del género.
Tristemente, The Nun no cuenta con el sello de aprobación del Dr. Vikingo; sin embargo, yo les recomiendo que, si son muy asustadizos o muy apegados a la religión católica, vayan a ver esta cinta que seguro les provocará sensaciones muy diferentes a las mías.
La década de los noventa fue una gran temporada para los superhéroes. Estoy casi seguro de que la mayoría de nosotros encontrábamos un gran refugio en las historias que veíamos en las series animadas de Batman, los X-Men y Spider-Man, entre muchas otras. Mis dos favoritas siempre fueron Batman y Spider-Man porque, además de contar con protagonistas asombrosos, presentaban súpervillanos que te enamoraban y con los que hasta llegabas a sentir cierta empatía. En el caso de Batman, siempre fue el Joker, mientras que con Spidey, para mi y muchos otros, lo fue Venom, ese personaje hecho como de un chicle negro masticado por varias horas.
Con el pasar de los inviernos, muchos nos interesamos un poco más en él y una vez que conseguimos algunos pesos trabajando, decidimos que era hora de saber más sobre el origen del personaje para intentar comprender por qué nos encantaba. Fue así que leímos cosas como Secret Wars y The Amazing Spider-Man, para descubrir que muchos de nosotros teníamos más de Eddie Brock en nosotros que de Peter Parker, y es que muchos hemos sido víctimas de la “perra suerte” en más de una ocasión.
Años más tarde, nos enteramos de que Columbia Pictures incluiría al infame villano en su nueva película y vaya que fue algo que nos emocionó. Por primera vez veríamos a la versión más realista de Venom, ese amigo de nuestra infancia. La expectativa era muy alta. La película llegó y todos sabemos qué fue lo que pasó: el villano no lucía tan grande, rugía como velociraptor y, en general, nos quedó a deber.
La mejor versión del personaje creado por David Michelinie y Todd McFarlane se quedó en los cómics como un buen recuerdo. Los años pasaron, la versión cinematográfica de Spider-Man se hizo un desmadre, Eddie Brock de pronto ya no era Venom, luego se convirtió en el Anti-Venom; en fin, toda un tren de historias que si no tomaste en la estación adecuada, tal vez te cueste algo de trabajo entender.
Tuvieron que pasar casi 10 años para que Columbia Pictures anunciara que nuestro simbionte favorito regresaría con su propia película y que, por lo que prometían, sería el mejor acercamiento cinematográfico de Venom, uno que además contaría con una clasificación para adultos que encantaría a los fans del mole rojo. De la mano del director Ruben Fleischer –reconocido por su excelente trabajo en Zombieland– y protagonizada por el tremendo Tom Hardy, Venom es una combinación que se antoja deliciosa pero, ¿será lo suficientemente exquisita para ganarse el corazón de los fans? Te lo contamos aquí, en nuestra reseña.
Tantos bocadillos, tan poco tiempo
Venom cuenta la historia de Eddie Brock, un periodista que llega a San Francisco con la intención de rehacer su vida después de “aquel evento” que vivió en Nueva York. La vida pinta bien para Eddie hasta que se ve investigando las sospechosas actividades de la corporación Life Foundation, quienes han viajado fuera del planeta para capturar a una extraña forma de vida que ayudaría al ser humano a sobrevivir en el espacio y que termina en un desastre. El resto creo que de cuenta solo.
Aquí empiezan los problemas de Venom. Debemos recordar que la onda de las licencias impedía a Colombia Pictures utilizar la imagen de Spider-Man, lo que colocaba a los guionistas de Venom en una aparatosa situación, pues en el origen de nuestro simbionte favorito Spidey juega un papel importantísimo al ser el primer huésped del parásito.
Los escritores de la cinta, Jeff Pinkner y Scott Rosenberg, lo resolvieron, pero su solución se siente apresurada y simple en extremo. De hecho, muchas de mis inconformidades de la cinta tienen que ver con esto.
Aunque el desarrollo de la trama no tiene sorpresa alguna, en más de una ocasión los diálogos se sentían predecibles y hasta brumosos, como si la narrativa del guión hubiera sido elaborada a modo de un cadavre exquis, en el que varios escritores realizan una composición en un papel ocultando lo que el anterior escribió. Las motivaciones de los personajes y particularmente del villano, no son verosímiles, lo que provoca que el espectador diga algo como “no ma#%$, ¿neta?”.
Como en toda cinta de superhéroes, la comedia juega un papel muy importante –por razones que no entiendo– y en Venom las bromas no faltaron. La efectividad de éstas se debe, en buena medida, al simbionte, quien se vuelve un personaje ácido, como ese amigo que se la pasa ching@#$%, pero quieres un resto. Ese punto me dejó satisfecho.
Me parece que, en general, la banda que escribió esta película tuvo una gran oportunidad y la desperdició a lo grande.
¿¡PARÁSITO!?
La película está protagonizada por Tom Hardy, Michelle Williams y Riz Ahmed quienes dan vida a Eddie Brock / Venom, Anne Weying y Carlton Drake / Riot, respectivamente. Las tres actuaciones están bien, pero hay dos muy destacadas: la de Hardy por buena y la de Riz Ahmed por mala.
Mi carnal, Hardy, hace un excelente trabajo creando una relación muy divertida interpretando a dos personajes con diferentes motivaciones: el simbionte y Eddie. Ambas contrastan muy bien con otros trabajos del actor. Por su parte, Riz Ahmed, nos entrega una interpretación sin alma y en definitiva olvidable.
Al ser una película de origen y de un antihéroe, yo esperaba que el villano fuera un desalmado, un verdadero hijo de pu&%; en cambio resultó ser una combinación de Tony Stark, sazonada con una pizquita de Thanos y diluido con mucha agua.
El resto de los personajes no tienen mayor importancia dentro de la cinta. Nuevamente, un elemento que bien podríamos decir que fue desperdiciado.
Comeremos tu cara… pero nomás poquito
En cuanto a la producción tengo sentimientos encontrados. Por un lado todos los elementos que componen la puesta en escena son suficientes, los necesarios para llevarnos de la órbita terrestre a la ciudad de San Francisco, en donde se desarrolla prácticamente toda la cinta. Ahora, en cuanto a la animación del simbionte, creo que no está nada mal. Por momentos me recordaba a lo que vimos en algunas series animadas y hasta en un par de videojuegos como Marvel vs. Capcom. y sí provocó que mi niño interior exclamara algo como “chale aún quiero mi propio simbionte”.
Lo que no me deja completamente satisfecho es la cantidad de sangre que se me habían prometido y que no estuvo en el corte final de la película. Venom es un personaje que no escatima en arrancarle la cabeza a un sujeto y comerse sus entrañas. Hay algo de eso que sí está presente en la cinta, pero nos lo presentan cuidadosamente censurado para que en pantalla veamos la menor cantidad de sangre posible. Por ejemplo, de pronto Venom se come a un sujeto, pero no vemos cómo lo mastica o cómo le arranca alguna parte del cuerpo. Siento que Columbia Pictures se iba a subir al parachute, pero se arrepintió ya con el arnés puesto. Por tercera ocasión, tenía una gran oportunidad y la desperdició.
Por su parte, el score de la cinta a cargo del compositor Ludwig Göransson –conocido por participar en la música de otras cintas de Marvel como Black Panther y Avengers: Infinity War– es agradable, mas no impresionante. Sí, le da un toque extra de drama a ciertas secuencias pero no más.
¿La caca en el viento?
Me sorprende la manera en la que My Hero Academia ha alcanzado la fama en tan poco tiempo. Surgido en julio del 2014 en Japón, el manga del autor Kohei Horikoshi se ha vuelto popular a un ritmo tan veloz e impresionante que, en cuestión de sólo cuatro años, se encuentra posicionado ya como una de las historietas más conocidas del planeta entero y a tal grado que, inclusive, muchos ya la catalogan como uno de los principales pilares de la revista Shonen Jump, uno que se equipara al propio One Piece o a lo que en su momento fueron Naruto y Bleach.
Que My Hero Academia sea tan aclamado en todo el mundo se debe a varios factores, aunque considero que su sola premisa, la cual alude a elementos propios de la cultura de lo superhéroes occidentales (especialmente norteamericanos) es la que más ha influido en su gran aceptación. Y si a eso le sumamos que su adaptación animada – la más conocida de todas – resalte más esos aspectos, resulta obvio percatarse de las cuestiones por las que millones se han vuelto adeptos a su historia y a su elenco de entrañables personajes.
Ahora y tras haber conquistado ya los mercados del anime y el manga, el paso obvio para la serie es dar el salto hacia otros medios que le permitan explotar aún más su reconocida fama. Uno de ellos es precisamente el del cine, el cual ahora se ve engalanado con My Hero Academia: Two Heroes, la primera película de la franquicia. Seguramente y dado su perfil, pensarás que la cinta cae en varios de los clichés que suelen tener este tipo de adaptaciones; y si bien no voy a negar que los tiene, debo decir que el resultado final que expone es uno con geniales destellos que hacen que valga mucho la pena verla.
Todo está bien, ¿sabes por qué? ¡Porque yo estoy aquí!
Como muchas otras películas de anime, My Hero Academia: Two Heroes nos relata una historia original que fue pensada específicamente para el film. Sin embargo y comparado con otras cintas, la premisa que expone busca relacionarse con la trama central del manga/anime al ahondar más en el pasado de un personaje clave como lo es el poderoso All Might.
El asunto está así. Situada tras el final de la segunda temporada del anime y previo al inicio de los sucesos con los que comienza la tercera temporada, la película nos muestra el viaje que hacen Izuku y All Might hacia la I-Island, una isla móvil artificial en la que habitan los científicos más importantes del mundo y a la cual fueron invitados para asistir a la I-Expo, exposición en la que se muestran todos los avances que se han realizado en tema de inventos para el uso de superhéroes. Más allá de ser participes de tal convención, nuestros héroes aprovecharán la ocasión para visitar a David Shields, un reconocido inventor que fungió como compañero de All Might cuando éste se encontraba en un viaje de intercambio en América durante sus años de estudiante, así como a su hija Melissa Shields, quien aspira a ser una científica reconocida como su padre. No obstante, su estancia se verá interrumpida por un grupo de villanos que irrumpirán en el evento para llevar a cabo un misterioso y perverso plan.
En apariencia la historia se postra como una predecible e intrascendente que poco o nada aporta al universo de la serie. Si bien esto es verdad en parte, eso no evita que la misma exponga varios sucesos y secuencias emocionantes, así como detalles que enriquecen más a los personajes principales. Por un lado, resulta interesante ver la manera en la que la cinta aborda parte del pasado y los orígenes de alguien como All Might que tiene enorme peso en el manga pero del que poco se sabía. Conocer parte de su historia y a un compañero como David Shields que ayudó al héroe a darle esa identidad por la que es reconocido en el mundo, justifica la sola existencia de la película.
Los personajes de David y Melissa Shields son, por otro lado, elementos que hacen que la película sea aún más disfrutable ya que no se muestran como meros personajes secundarios, de relleno y sin fin alguno. Ambos son piezas clave para la narrativa y, a su modo, van aportando elementos que hacen que la historia se vaya desarrollando con coherencia hasta volverse convincente. Además, la forma en la que se van desarrollando termina por hacerlos sentir que tienen un propósito que puede trascender la simple trama de la cinta. En definitiva sería genial verlos regresar en el manga o anime.
Tristemente, hay cosas que no se acoplan del todo bien a la narrativa de la película o que, incluso, acaban siendo desperdiciados. Una de ellas es precisamente el rol que tiene Deku para la trama que lo limita a ser el simple protagonista que debe solucionar todos los conflictos que se presentan a como de lugar. No es como si Izuku no haga nada importante o no aporte algo para la narrativa pero, comparado con el peso que tienen All Might, David o Melissa, el suyo se siente más endeble y forzado.
El villano principal, Wolfram, es por mucho uno de los elementos que más decepciona de toda la película. Pese a que desde el inicio de la película se nos hace hincapié en que se encuentra presente en la isla y que desatará un enorme peligro para sus habitantes y visitantes, éste jamás se percibe como una amenaza por si solo y, de hecho, comienza a tomar acciones ya rumbo al final. En prácticamente toda la cinta está ausente y eso se resiente en todo momento, tanto así que ni siquiera el increíble duelo final que sostiene con los protagonistas logran enmendar su imagen. Simplemente, se trata de un antagonista olvidable.
Por otro lado, el elenco de personajes secundarios tiene sus altibajos. Para la ocasión la cinta reúne a varios de los compañeros de clase de Izuku – como Ochaco, Bakugou, Iida, Todoroki, Momo, Jiro, Denki, Mineta y Kirishima – y todos ellos cumplen cabalmente con su objetivo de brindar apoyo a los protagonistas y, a su modo, enriquecer muchas de las secuencias, ya sea con situaciones cómicas o dramáticas. Lo único que no termina por convencer del todo es la manera tan “conveniente” en la que se justifica su presencia dentro de la cinta, la cual es absurda y forzada. Pero reitero, al ser personajes secundarios, la sosa explicación sobre su presencia termina siendo algo encantador y tolerable.
Pero retomando el tema de su narrativa, My Hero Academia: Two Heroes cuenta con un ritmo estable que en todo momento te mantiene interesado en lo que acontece. Aunque no se salva de caer por momentos y de volverse un tanto floja, ésta se recompone rápidamente para volvernos a adentrar a la aventura. Por lo genera no hay momento alguno en el que te aburras o que sientas que ya fue demasiada explicación.
Por otro aldo, algo que me gustaría resaltar es la manera en la que la historia se aborda y que hacen que la película no le sea ajena a quienes desconocen la premisa de la historia principal. Durante el inicio y en buena parte de la primera mitad se presentan momentos de flashback que explican algunos de los temas que podrían confundir fácilmente a los espectadores que desconocen la obra de Horikoshi-san. Todos estos hacen más comprensible la trama y hasta se postran como un aliciente para que se convenzan de adentrarse en el manga o anime. Eso sí, recomiendo ampliamente que acudan a verla con un poco de trasfondo previo, hasta el final de la segunda temporada si les es posible. Si lo hacen, entenderán todo, incluso aquellas referencias que son más ocultas o no tan obvias para un espectador promedio.
Una animación con calidad Plus Ultra!
Pasando a su presentación general, My Hero Academia: Two Heroes es todo lo que los fans podrían esperar de una película. La animación realizada por el estudio Bones está a la par de la vista en el anime, pero la misma brilla una vez que pasamos a las secuencias de acción y combates, especialmente el duelo final que es, por mucho de los mejores que hay en toda la serie. Si creíste que el duelo entre All Might con Nomu o el de Deku contra Todoroki es de lo mejor que has visto hasta ahora en MHA, entonces espera a ver lo impresionante que es el último duelo contra Wolfram.
Tristemente, la música es un apartado que de igual forma se sintió desaprovechado. Para hacer todo más práctico, en la película se recurrió al uso de la misma banda sonora que hemos escuchado en el anime, la cual no es mala (todo lo contrario) pero que no deja espacio para la sorpresa. Escuchar temas como You Say Run! o You Can Become a Hero es todo un agasajo auditivo y logran darle mayor “punch” y “feeling” a los momentos que buscan amenizar, pero en definitiva hubiera estado de lujo escuchar algunas melodías nuevas para la ocasión.
El pasado mes de marzo del 2018 y luego de estar por poco más de dos años y medio al aire en la televisión nipona, los fans tuvieron que despedirse nuevamente de Gokú y sus amigos una vez que Dragon Ball Super concluyó con su última y emocionante del Torneo de la fuerza, misma que se volvió un fenómeno mundial. Aunque dicho final fue un tanto duro y hasta melancólico para muchos, durante aquel polémico último episodio se nos hizo una promesa, la de que ésta no sería una despedida sino un hasta luego, uno que no duraría mucho y en el que se nos aseguraba que los guerreros Z volverían pronto para continuar con sus aventuras y trepidantes combates.
Tras ver ese mensaje, todo mundo comenzó a especular sobre lo que le depararía en el futuro a Dragon Ball; pero para nuestra suerte, no tuvimos que esperar mucho para enterarnos lo que se vendría: ni más ni menos que una película. Pero no se trataba de cualquier cinta, sino de una vendría a seguir extendiendo la historia de la serie Super y, aún más sorprendente, a retomar a uno de los personajes más queridos y aclamados por los fans: el poderoso y salvaje Broly.
Teniendo cuenta el perfil que suelen tener las cintas de Dragon Ball y hasta el propio personaje de Broly, resultaba obvio lo que Toei Animation buscaría ofrecernos con esta película: una en la que se expusiera un combate explosivo y feroz entre Gokú y Vegeta con el que hasta ahora había sido considerado como el saiyajin más poderoso dentro del universo creado por Akira Toriyama, uno al que por desgracia se le seguía negando el privilegio de ser canónico en la franquicia. Sin embargo, ésta no se queda simplemente en ello y se atreve a ir más allá de las expectativas de los fans al ahondar más en Broly, ese personaje que hasta el momento contaba con un potencial inmensamente desperdiciado. Se postra pues como una de las propuestas cinematográficas más interesantes y emocionantes dentro de la serie de Dragon Ball y como una cinta que, por fin, le hace justicia al que alguna vez fue considerado el Super Saiyajin legendario.
Broly, el verdadero protagonista del film
Como su nombre lo indica. Dragon Ball Super: Broly es una película que gira en torno a Broly, personaje que en un inicio conocimos en el film de Dragon Ball Z: El poder invencible y que protagonizó una (cuestionable) trilogía. Si bien éste causó un enorme impacto desde su primera aparición y se alzó rápidamente como uno de los guerreros más interesantes en la serie, los fans sintieron que el su enorme potencial fue desaprovechado de diversas maneras, entre ellas por el tratamiento que le dieron en largometrajes posteriores. Toei sabía perfectamente que Broly era un personaje muy popular y uno que, en definitiva, merecía ser retomado para así darle un mejor tratamiento.
La manera en la que se logró limpiar la imagen de Broly es por medio de esta película que ahonda más en la historia del personaje y en la que se corrigen algunos aspectos de su perfil. En ella se nos narra los orígenes del personaje que, a resumidas cuentas, no cambian mucho respecto a lo que se nos mostró en un inicio dentro de su primer film puesto; esto en el sentido de que sigue siendo un saiyajin que fue exiliado desde pequeño al ser considerado como un gran “peligro” para su raza.
En cambio y en donde sí notamos un cambio hacia el personaje es en la manera en la que nos aproximamos a éste. En lugar de ser un poderoso saiyajin que puede volverse loco en cualquier momento por los tremendos e incontrolables poderes que posee, Broly se postra como un guerrero al que se le obligó a convertirse en un peleador desde pequeño, aún y a pesar de su noble personalidad, y como alguien al que todavía le cuesta trabajo controlar su ki.. Esto se va demostrando a lo largo de la película en diversos momentos en los que Broly combate más bajo ordenes directas que por propio instinto y hasta otros en los que parece recuperar la cordura cuando alguien intenta hacerlo entrar en razón.
En definitiva ese fue uno de los más grandes aciertos del film, el hacer de Broly un personaje más humano con un triste pasado que como una feroz máquina de pelea sin raciocinio alguno. Obviamente esto no quiere decir que por momentos no lo veamos como un saiyajin salvaje que lucha como un bárbaro sin conciencia alguna, pero cuando ésto ocurre sabemos que hay motivos más coherentes y convincentes que sustentan su comportamiento que van más allá de la escusa previa de su incontrolable poder.
Todo lo anterior influye directamente por igual en la manera en la que Broly se desenvuelve y relaciona con el resto de los personajes como Gokú, Vegeta, Freezer, Paragus o los debutantes Chilai y Lemo. En lugar de ser considerado como una inmensa amenaza con el potencial de destruir a la Tierra, todos ven a Broly como alguien que es incapaz de dominar sus poderes y que, por consiguiente, merece recibir ayuda y ser tratado como más que un simple guerrero. Esto en definitiva le da un mayor valor a la cinta puesto que hace de las interacciones algo más creíbles, disfrutables y naturales. Atrás quedó el absurdo motivo por el que Broly en verdad odia a Gokú desde bebés y que lo orillan a querer eliminarlo.
Para estas alturas estoy seguro que muchos piensan que, tras ver toda la cantidad de tráilers y adelantos que hubo de la película, ésta ya no cuenta con algún tipo de novedad. Si bien no voy a negar que buena parte de la trama momentos emocionantes ya fueron expuestos en los videos, debo decir que Toei se guardó algunas sorpresas más en la cinta. Ahondar en tales sorpresas sería ya caer en spoilers, por lo que me limitaré a decir que, incluso y sí y a viste todos los tráilers, aún hay varias cosas inesperadas y hasta algunos “plot twist” que te dejarán sorprendido.
No todos son peleas sin sentido
Que Broly sea el personaje principal del film no significa que los demás personajes no brillen por momentos. De hecho, creo que puedo decir que el peso que tienen muchos de ellos es el adecuado y balanceado. Empezando por Gokú y Vegeta, ninguno opaca al otro y ambos reciben un tratamiento adecuado, incluso al buen príncipe de los saiyajin que solía ser humillado de diferentes formas en las películas. Freezer por su parte, es un villano pasivo en esta ocasión y adopta más el rol de organizador de las desgracias que como el del principal antagonista, eso sin mencionar que también se nos muestra un poco de ese lado del emperador del universo que hasta ahora era desconocido.
Los personajes nuevos que aparecen en el film, Chilai y Lemo, son quienes más me sorprendieron ya que logran trascender el espectro del rol de soporte (o hasta de bufones que parecía tendrían) para colocarse como personajes de gran peso o enorme influencia, especialmente dentro del desenvolvimiento del propio Broly. En lo que respecta a Paragus, el padre del poderoso saiyajin, su presencia se mantiene casi idéntica a la de su contraparte original de la película de los noventa, pero tiene un mejor tratamiento que lo vuelven trascendente durante la primera parte de la cinta.
En lo que respecta al tono de la película, éste es por igual balanceado y no tiende a caer en un extremo como lo hicieron las películas previas de La batalla de los dioses y La Resurrección de Freezer. Mientras que para muchos la primera cargó un poco la mano a la comedia y la segunda al exceso de combates, Dragon Ball Super: Broly tiene las dosis adecuadas tanto de humor como drama y, obvio, acción. De las tres cintas que abarcan a la serie Super, creo que ésta es la que mejor ritmo narrativa tiene y se dosifica más inteligentemente. Vaya, no todo es peleas sin sentido, chistes simplones (pero simpáticos) o explicaciones extensas.
Algo que en lo personal me fascinó de la cinta es lo ambiciosa que ésta es ya que retomó los conceptos principales de tres películas tan queridas por los fans (El poder invencible, La batalla de Freezer contra el padre de Goku y La fusión de Goku y Vegeta) para así combinarlas en un largometraje original que las une y les da mayor sentido y relación. Puede que algunos fans se molesten de que ésta maneje de distinta manera cosas que hasta ahora se había establecido de otra forma en la serie (como la historia de Bardock y la destrucción del planeta Vegeta a manos de Freezer), pero aún así, resulta imposible ver como todos los elementos se conjugaron para dar pie a una historia más grande y emocionante de lo que fueron las mencionadas cintas.
Dragon Ball nunca se había visto tan bien
Pero, ¿qué sería de una película de Dragon Ball sin una increíble animación? Siguiendo la tendencia que de las dos películas previas, Dragon Ball Super: Broly recurre tanto al uso de animación clasica en 2D como en 3Dy CGI. Del lado de la primera, ésta resalta mucho ya que se ve colorida pero con un diseño más simple y animaciones muy detalladas. Por su parte, la animación 3D se uso para el diseño de algunas locaciones (como la Antártida en la que pelean los tres saiyajin) y en los combates principales.
Dragon Ball Super: Broly es todo un deleite visual gracias al inteligente manejo de los dos estilos animados. Mientras que las que son más pacíficas o cargadas de narrativa recurren a la animación en 2D para hacerlas lucir más y a los personajes, los combates, encuentros con explosiones y acción sacan jugo de la tecnología por computadora para así transmitir mejor todo ese caos y destrucción que se deriva de cada ataque y choque. No exagero cuando digo que lo que ves en pantalla te dejara maravillado.
En cuanto a su banda sonora, la música de la cinta es buena y adecuada, pero no sobresaliente. Eso sí, ésta es un poco más memorable de la que escuchamos en los últimos dos films y transmite a la perfección los sentimientos y sensaciones que buscan evocar cada momento y secuencia. Se gustas de las bandas sonoras, puede que la de Dragon Ball Super: Broly cuente con algunas melodías interesantes.
Un doblaje increíble con el retorno de icónicas voces
Por último, no se podría terminar este análisis sin hablar del excelente trabajo realizado con el doblaje de la película. Nuevamente el actor y director Eduardo Garza (voz de Kirllin) se sacó una calificación aprobatoria por el tremendo elenco que reunió para la cinta y en la que escuchamos desde voces indispensables como algunas más debutantes y, sobre todo, otras más que regresan para ocasión.
Para sorpresa y beneplácito de todos los fans, Ricardo Brust regresó para reinterpretar al feroz Broly, el cual se sigue escuchando poderoso y hasta inocente pese al paso de los años. Junto a él también retornó Roberto Sen (primera voz de Mr. Stan) en el papel de Paragus, personaje que también interpretó en la cinta debutante de Broly. En verdad fue un deleite escuchar de nueva cuenta las voces de ambos actores y, sobre todo, ver cómo los dos consiguieron reinterpretar a sus personajes de una manera prácticamente fiel a la original y en la que juegan con los matices de si voz.
Otras voces destacables son las de los personajes nuevos como Chilai (Ángelica Villa), Lemo (Oscar Gómez), Gine (Mireya Mendoza), Kikono (Roberto Carrillo) o Beriblue (Rocío Prado). Todos ellos son interpretados por reconocidos actores de voz – algunos con más trayectoria que otros – y su desempeño es sobresaliente. También debe destacarse el retorno de Jose Luis Castañeda, actor que tras varios años de ausencia del medio de doblaje volvió prestar su voz a Nappa, personaje al que interpretó en el anime original. Simplemente asombroso
Sobre las voces de Gokú/Bardock (Mario Castañeda), Vegeta (René García), Freezer (Gerardo Reyero), Bulma (Rocí Garcel), Whis (Arturo Castañeda) o Bills (Jose Luis Orozco), ¿qué les podemos decir? Resulta obvio que todos los actores y actrices están ya acoplados con sus personajes y, por ello, ofrecen actuaciones de calidad. Ninguno de ellos decepciona en lo más mínimo y todas son simplemente espectaculares.
La mejor película de Dragon Ball
La vida es un viaje mágico repleto de lecciones. Puede que lo que escribo suene raro (y hasta exagerado) pero, a veces, el ritmo tan acelerado en el que vivimos y los constantes retos cotidianos a los que nos enfrentamos nos hacen olvidar ese lado fantástico que acompaña nuestro día a día. Incluso aquello que consideremos como normal, guarda enorme magia en su interior; y eso, por desgracia, es algo que solemos pasar por alto a menudo.
Mamoru Hosoda, el reconocido director y animador japonés, es uno de esos pocos y talentosos creativos que consigue transmitir esta idea en cada uno de sus proyectos. Ya sea con cintas como La chica que saltaba a través del tiempo, Los niños lobo o El niño y la bestia, el cineasta nos ha ofrecido historias que pese a lo imaginativo y ficticio que llegan a lucir, siempre guardan enorme relación con la realidad y resaltan esa magia que a veces pasamos desapercibida. En 2018, el director volvió a sorprendernos con una nueva película que, siguiendo su misma visión, explora este concepto pero ahora desde una singular perspectiva: la de un niño pequeño.
Mirai no Mira (Mirai: Mi pequeña hermana en Latinoamérica) es el nombre de este nuevo proyecto de Hosoda que, desde su estreno, consiguió hacerse de inmenso reconocimiento internacional. Pero, ¿a qué se debe que ésta película lograra llamar tanto la atención? ¿Qué es lo que guarda y que la ha llevado a ser considerada como una de las mejores cintas animadas de la historia y a ser nominada al Oscar? Ciertamente su impecable animación es uno de esos factores que le ayudaron, aunque considero que su valioso mensaje y la manera tan encantadora en la que lo transmite es lo que hacen de ésta una de las producciones más memorables que hayamos visto de Japón en los últimos años.
Un viaje mágico desde la perspectiva de un niño
Fiel a su singular estilo, Mamoru Hosoda nos expone en Mirai: Mi pequeña hermana una historia mágica que si bien inicia con una premisa simple y mundana, pronto se transforma en un viaje asombroso en el que la fantasía da forma a la narrativa y nos lleva a explorar diversas perspectivas de la trama, todo al tiempo que nos conduce hacia una conclusión con enseñanzas certeras y muy valiosas. Ésta se centra en Kun, un pequeño niño de cuatro años que, tras vivir como el consentido del hogar, un día ve su vida transformarse cuando llega a su familia Mirai, su hermana bebé.
Aunque en un inicio a Kun le agrada la idea de tener una hermanita, con el paso del tiempo comienza a sentir celos de ella, especialmente cuando se percata de que sus padres ya no le suelen prestar la misma atención que antes recibía. Es en medio de todo ese enojo que siente cuando, de repente, el pequeño empieza a toparse con diversos personajes dentro de misteriosos mundos que aparecen de la nada en el jardín su hogar. Uno de ellos es precisamente una versión del futuro de Mirai que llega a visitarlo para pedirle su ayuda y para hacerle entender que, pese al “odio” que siente por ella, siempre será su hermana.
Algo que destaca a primera vista de la película es la manera en la que se estructura su narrativa. Sin ahondar en detalles o spoilers, ésta se compone de cinco pequeños relatos en los que Kun se adentra a diversos mundos en los que se topa con personajes distinto que, a su modo, lo acompañarán a vivir una nueva aventura. Todos estos viajes son cortos y guardan poca relación entre sí pero, al final, conducen a múltiples enseñanzas que harán a Kun aprender algo nuevo y, sobre todo, cambiar su perspectiva de lo que vive en su vida cotidiana.
Me resulta fascinante ver cómo fue que Hosoda concibió esta historia desde la perspectiva de un niño y el modo en el que ilustra el impacto que tiene en su vida la llegada de alguien con el que está destinado a compartir su vida. Como adultos (o gente joven) solemos ver este hecho de una determinada manera que difiere por completo del modo en el que lo ve un niño. Es en este sentido en donde la película demuestra parte de su magia: en ponernos en los zapatos de Kun y tratar de hacernos comprender la importancia que tiene para él saber que ahora tiene una hermana. Eso es algo que sólo algunas pocas personas han podido experimentar pero que, con el paso del tiempo, llegaron a olvidar.
Para ilustrar mejor esta idea la película recurre al tan mencionado elemento fantástico que Hosoda imprime en sus cintas. Más que ver a Kun viajar a diversos mundos o tiempos históricos y conocer gente nueva, lo que vemos en Mirai: Mi pequeña hermana es una recreación de la realidad vista desde los ojos del protagonista, desde otro ángulo, uno más personal y único que sólo un niño de su edad podría concebir con ayuda de su imaginación. Esto se ve complementado por diversos símbolismos que lucen simples pero que tienen enorme significado para el pequeño.
La película tiene un tono alegre y hasta cómico, es amena y emotiva, su premisa es comprensible y siempre nos mantiene interesados en lo que nos presenta. Sin embargo, eso no evita que su ritmo narrativo llegue a decaer en ciertos momentos al mostrarnos secuencias que cortan de tajo el enérgico paso en el que éste progresa. También, en ocasiones su trama se siente un tanto saturada en el sentido de que sus historias exponen conceptos e ideas que pudieron haberse abordado de mejor manera o, incluso, omitirse.
Al final, toda la narrativa de la cinta nos recompensa con una conclusión que liga adecuadamente cada una de los viajes de Kun y nos deja varias valiosas enseñanza que van desde el reconocimiento de los propios errores o el atreverse a enfrentar los miedos hasta lidiar con las diferencias y, aún más importante, a aprender a amar a la familia. De hecho, creo que es precisamente esa las lecciones más importantes que la cinta transmite: las de darle su debida importancia a la familia, sentir empatía por ellos y reconocer todo lo valioso que nos transmiten y ayudan a forjarnos como personas.
Tan colorida y alegre como la imaginación
Mirai: Mi pequeña hermana estuvo nominada como Mejor película animada dentro de la pasada entrega de los premios Oscar. Por todos es sabido que Spider-Man: Into the Spider-Verse fue la cinta que terminó por arrebatarle esa distinción pero, tras mirar el trabajo realizado por Studio Chizu, me quedó claro que ésta es una producción sobresaliente.
En su mayoría, la película tiene un formato de animación clásico en 2D, pero hay secuencias y partes en las que ésta hace uso de la tecnología y los modelados en 3D para resaltar determinados conceptos; no son muchas las ocasiones en las que la vemos aparecer en pantalla pero, cuando lo hace, el resultado que vemos nos maravilla y hace comprender mejor muchas cosas. Dicho esto, amé que ésta no tuviera reparo alguno en jugar con diversas paletas de colores puesto que ésto hace sentir más a la cinta como lo que es, una gran aventura de un niño.
Musicalmente hablando, la banda sonora de la cinta cumple con el cometido de transportarnos hacia las versiones del mundo que Kun imagina. Todas las piezas incluidas son encantadoras y algunas de ellas tienen lo necesario como para quedar plasmadas en tu memoria. Además, ésta se ve engalanada por un par de canciones compuestas por el músico y rockero Tatsuro Yamashita que transmiten esa alegría que provoca vivir.
Por último, me resulta imposible no hablar del increíble trabajo de doblaje realizado en la película. Para la ocasión, Mirai: Mi pequeña hermana cuenta con el talento de diversos actores de doblaje – tanto veteranos como algunos más jóvenes – y entre quienes figuran Laura Torres (Kun), Susana Moreno (Mirai), Cristina Hernández (Mamá), Eduardo Garza (Papá), Óscar Flores (Yuko), entre otros. Todas las actuaciones están a la altura del proyecto y cada uno de los histriones se adueña magníficamente de sus personajes. Eso sí, debo reconocer que, al menos para los fans más veteranos de las caricaturas, resultará imposible no confundir por momentos la tierna voz que Laura Torres imprime en Kun con la de otros de sus personajes más entrañables como Tommy Pickles, Gokú/Gohan o Shin-chan.
Imposible no encariñarse con ella
Por: Sergio “Aaarrrggghhh” Atahualpa Maya (@s_atahualpa)
Las diferentes historias que se han transmitido de generación en generación y que están llenas de mitología, sitios embrujados, fantasmas, apariciones y espectros que no encuentran la paz, llegan a formar parte de la identidad de un país. En México tenemos una buena cantidad de estas leyendas y relatos, entre los cuales resalta la de “La Llorona”; ésta no solo es una de las más importantes, sino que es una que ha logrado trascender barreras culturales al convertirse en una de las más conocidas a nivel mundial.
Si bien algunos historiadores consideran que “La Llorona” tiene un origen prehispánico, su atuendo posterior a la colonia, así como sus diferentes adaptaciones, van más de la mano con la historia aterradora en tiempos coloniales. Explicar la leyenda es muy simple: se trata de una mujer que perdió a sus hijos –en algunas versiones de la leyenda, los mata– y que se convierte en un alma en pena que los busca todas las noches gritando por las calles “ay mis hijos”. Si donde vives la historia es parecida, mas no igual en circunstancias, también lo podemos platicar en la sección de comentarios –guiño–.
Este año, Warner Bros. decide tomar la trágica leyenda como inspiración para crear una cinta de terror, a cargo del director Michael Chaves, titulada “The Curse of La Llorona” o “La Maldición de La Llorona”. Una historia de suspenso que se desarrolla dentro del mismo universo de El Conjuro y que nos muestra que las posesiones demoníacas y “el Diablo” no son lo único que acecha en la oscuridad.
EL LAMENTO DE LA MUJER DE BLANCO
Esta historia con el puro nombre prometía una buena trama y, al saberse que pertenecía al mismo universo que “Annabelle” y “La Monja”, se esperaba que estuviera llena de situaciones incómodas y con una buena dosis de sustos. Si bien muchos han cuestionado la calidad de las cintas que acabo de mencionar, lo cierto es que la taquilla ha demostrado lo contrario, hasta el punto de apoyar este tipo de producciones.
“La Maldición de La Llorona” se desarrolla en el año de 1976 y cuenta la historia Anna García (Linda Cardellini), una trabajadora infantil que tiene a su cargo dos niños de origen latino en quienes se concentra todo el conflicto y a quienes La Llorona estará acosando. Cuando el conflicto se va desarrollando entra en juego el curandero de la zona, Rafael Olvera (Raymond Cruz), quien será el encargado de proteger a la familia García hasta que la amenaza desaparezca.
Tristemente la trama no cumple con las expectativas, ya que todo se torna absurdo en un dos por tres. Desde el principio la película hace que te preguntes cómo es que una leyenda latinoamericana terminó en Los Ángeles para atormentar a un par de niños latinos. La forma en la que se desarrolla el desenlace fue de cierta forma una burla, simple y predecible. En vez de ser una cinta aterradora, “La Maldición de la Llorona” es más bien una comedia con elementos terroríficos que no te va a dar miedo, sino mucha risa – como a mí y a los compañeros en la sala de cine -.
¿PROBLEMAS DE IDENTIDAD?
La línea de terror que nos muestra la cinta es muy horizontal, lo que la convierte en una película lenta, con un ritmo progresivo pero con tropiezos muy evidentes; incluso abusa de ciertos elementos que al verlos en repetidas ocasiones te da un preámbulo de qué va pasar, haciendo que pierdas el interés. Si de vez en cuando prefieres revisar las notificaciones de tu teléfono, no te voy a culpar, pues “La Maldición de la Llorona” tiene graves problemas en su guión.
Por otro lado, la caracterización del personaje oscuro es muy similar a otra que ya conocemos dentro de este mismo universo: rostro blanco, ojos amarillos contorneados de color negro y boca negra. Al parecer, sólo decidieron cambiar el hábito por un vestido blanco de novia.
NO TODO ES TAN MALO…
Dentro de las cosas buenas que pude rescatar de esta cinta es la fotografía, la cual logra momentos interesantes gracias a un buen manejo de la luz y que dio como resultado secuencias bastante buenas. Los movimientos lentos y el juego constante de cámara se vuelve algo interesante, mientras que las locaciones –aunque no son abundantes–, están bien aprovechadas con los encuadres y efectos prácticos.
La composición musical a cargo de Joseph Bishara, es muy similar a la que escuchamos en el “El Conjuro 2”. Regresan esos terribles cantos y esos agudos muy clásicos del género e incluyen pequeñas aportaciones a la banda sonora de otros spin-offs del propio universo. Sólo por mencionar un ejemplo, la canción de cuna en versión terror que incluyen, suena algo rara y hasta un poco fuera de lugar.
SÍ, PERO NO
Los años pasan y la fiebre por Pokémon sigue por las nubes. Creo que nadie se imaginó que lo que en un inicio comenzó con un par de juegos para el querido Game Boy, se convertiría en una exitosa franquicia de cuya popularidad no ha hecho sino aumentar a lo largo de las últimas dos décadas hasta llegar a un punto en el que, fácilmente, se posiciona como una de las más importantes y reconocidas del mundo del entretenimiento. Ya sea mediante sus videojuegos, series animadas, películas, juguetes, tarjetas ropa o diversas mercancías; no hay nadie en el mundo que simplemente no conozca a Pikachu y/o sepa lo que es un pokémon.
Irónicamente y pese a la inmensa popularidad que tienen los monstruos de bolsillo en el planeta, aún hay rubros que éstos todavía no han explorado, incluso dentro de espacios en los que creíamos ya los habíamos visto. Uno de esos casos es el del cine; si bien hasta ahora contamos con 21 largometrajes animados protagonizados por los pokémon, aún carecíamos de una cinta live-action. ¿Cómo es posible que, a sabiendas de la tremenda impresora de dinero que es, nadie se hubiese animado a crear un film con personas basado en la serie de Nintendo?
Sabíamos que era cuestión de tiempo para que alguien se animara a llevar a la pantalla grande una adaptación real de Pokémon y, aunque esto tomó más de 20 años, por fin alguien lo hizo realidad. Los valientes fueron Legendary Pictures y Warner Bros. Pictures, compañías que hoy nos traen Pokémon: Detective Pikachu, un film basado en un juego spin-off homónimo para Nintendo 3DS que vimos apenas el año pasado.
La emoción que hay en torno a este proyecto es inmensa, sobre todo por parte de los fanáticos que por fin verán cristalizados sus sueños de ver una versión real de lo que sería el mundo pokémon. Sin embargo, con ella también surge la inevitable pregunta que siempre sale a colación con este tipo de películas: ¿en verdad logra hacerle justicia a todas esas expectativas? Podríamos decir que, si eres un amante de la franquicia, Detective Pikachu te llevará a vivir una increíble aventura que de seguro disfrutarás, pero que deja de estar exenta de fallos y de caer en clichés que la alejan de ser esa fabulosa adaptación a película de un juego que muchos esperábamos.
Una historia de detectives al estilo pokémon
Como ya establecí arriba, Pokémon: Detective Pikachu se basa en el juego homónimo de Nintendo 3DS que vimos hace ya unos años. En ésta se nos narra la historia de Tim Goodman (Justice Smith) un joven que tras pasar su niñez viviendo con su abuela y de descubrir que es pésimo con los pokémon, se resigna a tener una vida como una persona cualquiera: con un empleo “estable” y alejado de todo sueño. No obstante su vida dará un giro inesperado cuando, tras recibir la noticia sobre la desaparición de su padre – que era detective – en un misterioso accidente de auto, se tope con el Pikachu que era su compañero de trabajo que, además de todo, puede hablar… o mejor dicho, del que puede entender todo lo que dice.
¿Por qué Tim es el único que puede entender lo que dice Pikachu? Esta incógnita es la que dará inicio a una tremenda aventura que llevará al joven y al pokémon a investigar un misterioso caso que les permita dar con el paradero de su desaparecido padre, el cual a su vez los conducirá a desentrañar los oscuros secretos de un importante evento que podría poner en riesgo la vida tanto de los humanos como de los monstruos de bolsillo.
Pese a estar basada en un juego, la trama de la cinta es muy amigable. Si bien ésta retoma la premisa básica del título original del que se inspira y de muchos de los sucesos importantes que en éste se suscitan, también tiene escenas completamente originales que hacen del film algo más digerible y comprensible para el espectador. Incluso y si eres de los que jugó el juego de 3DS, te llevarás varias sorpresas con la película ya que muestra cosas inéditas que le dan un giro inesperado a varios de los aspectos que de seguro recordabas.
Lamentablemente, el hecho de que la trama de la película sea accesible no evita que ésta cuente con muchos fallos que perjudican al relato en general. En primer lugar, su ritmo tiene demasiados altibajos; por momentos se percibe que llega a ir demasiado rápido y, en otros, todo se vuelve muy lento de golpe. Junto a ello y para salir rápidamente de sucesos que pudieran complicar un poco la historia, la cinta recurre a diversos elementos que resultan demasiado convenientes, incluso para la propia narrativa, y que hacen que todo se vuelva demasiado inverosímil; vaya, parecen recursos que los guionistas se sacaron de la manga para justificar todo lo increíble que vemos en pantalla.
Debido a lo anterior, Detective Pikachu se llega a tornar un tanto exagerada, en especial para quienes no dominen el universo pokémon o no estén maravillados con todos los elementos y criaturas que hacen alusión a los juegos y el anime. Si eres uno de ellos, entonces sentirás que ésta pierde un poco el sentido, que es demasiado predecible y que no expone algo que no hayas visto ya en otros largometrajes, caricaturas o series. Y no es para menos ya que el film cuenta con un argumento muy básico que se va demasiado a la segura al exponer una idea ya explorada a la que sólo se le añadieron pokemones.
Por suerte el alegre tono del film, en conjunto a los momentos cómicos, hacen que ésta sea algo más llevadera y amena. Algunos la disfrutarán más que otros pero, al final del día, la gran mayoría de quienes la vean saldrán con una sonrisa.
Fanservice pokémon, hecho realidad
Aunque la historia no es perfecta, es predecible y llega a ser ingenua por momentos, lo que hace que ésta sea más que disfrutable es el obvio elemento pokémon. Resulta imposible no asombrarse con el increíble mundo que Legendary forjó para la película que se ve plagado de monstruos de bolsillo. Ver a todos esos Charmander, Squirtle, Snolax o Aipom caminar por la tecnológica ciudad Rhyme, o a los Bulbasaur, Pidgeys o Morelull en su habitat natural es algo asombroso. En definitiva ésta se postra como un enorme festival de fanservice pokemonezco con el que los fans no dejarán de maravillarse mientras aprecian detenidamente el diseño de las criaturas o en lo que buscan encontrar todas las referencias y alusiones a los demás juegos y el anime que yacen ocultos en el film.
Como muchos fans, yo tampoco pude evitar sonreír al ver los elementos que se incluyeron en la cinta. Sin embargo, considero que la película pudo darle mejor tratamiento al fanservice. Con esto no quiero decir que la cinta haga un mal uso de todo el material de la franquicia, sino que tiene aspectos con los que en definitiva pudo jugar más y aprovechar de mejor manera. Por mencionar algunos ejemplos, me hubiera encantado ver un poco más de batallas pokémon, que se visitara un centro pokémon, que aparecieran más artefactos icónicos dentro del universo de los juegos más allá de las pokébolas, que se hicieran referencia a otras regiones del mundo o que se explicará la importancia que tiene la ciudad Rhyme dentro del mundo del film, o hasta que se hiciera mención a algunos personajes u organizaciones.
La manera en la que también se manejaron a los pokémon es otro aspecto que deja algo a desear. Estoy consciente de que hubiera sido imposible meter en la película a los más de 800 monstruos existentes hasta ahora, pero se nota que los productores dieron cierta preferencia a algunos de ellos ya que son los que suelen aparecer más tiempo en pantalla aunque no tengan un rol importante (sí, te hablo a ti Charmander). Esto también se refleja con los pokémon menos conocidos (como Greninja o Torterra) que pese aparecer a cuadro, apenas y se pueden apreciar sus diseños de manera clara.
Fuera de esas observaciones, creo que la película logrará satisfacer a todos esos fans que ansían ver la cinta más por su mundo en el que todo se desenvuelve y para mirar el look real de los pokémon que por la historia misma. Porque reitero, sin el factor pokemon, Detective Pikachu sería una película demasiado regular y predecible.
Divertida y encantadora, pero lejos de la perfección
En lo que respecta a las actuaciones, creo que éstas distan de ser memorables. Justice Smith logra darle cierta personalidad a su personaje de Tim Goodman pero su desempeño es muy ambivalente: por momentos exagera mucho sus acciones, en otras no logra transmitir correctamente sus emociones y en otras simplemente luce pésimo. Lo mismo se puede decir de Kathryn Newton, quien interpreta a la reportera Lucy y que nunca logra demostrar tener química con el protagonista.
De todos el que mejor desempeño tiene es Ryan Reynolds. Aunque el actor solamente presta su voz para Pikachu, su genial personalidad hacen de su interpretación del ratón eléctrico algo divertido, irreverente y encantador. Podrá sonar un tanto rebuscado pero, para que se den una idea, su papel se siente como si fuera una versión más amigable e inocente de Deadpool.
Obviamente lo que se lleva las palmas a lo largo de la película son los pokémon. Fuera de Pikachu y Tim, todos ellos son las verdaderas estrellas de la cinta y siempre que aparecen en pantalla logran opacar las de por si cuestionables actuaciones de los actores reales. Saldrás recordando más lo que hicieron o dijeron los monstruos de bolsillo que los personajes en sí. ¡Y ni se diga de Omar Chaparro! Su personaje, aunque secundario, simplemente es olvidable y su actuación es de las menos creíbles de todas.
Por último y hablando del tema musical y sonoro, Detective Pikachu cuenta con una banda sonora que solamente se limita a ambientar cada una de las escenas. Ninguna de éstas es mala pero no cuentan con lo necesario para quedarse en tu memoria. Y no, por si te lo estás preguntando, no se usaron remixes o arreglos de melodías de los juegos principales.
Por: Sergio “Aaarrrggghhh” Atahualpa Maya (@s_atahualpa)
En 2014 Warner Bros. nos dio una nueva versión de Godzilla, la cual tuvo un acertado e increíble apego a la idea original del señor Toho y, aunque fue una gran película, tuvo opiniones encontradas. Muchos la catalogaron de “buena película” a un “buen intento”, pero esto no impidió que el sueño de los fans de ver a Godzilla enfrentarse a otros monstruos se hiciera realidad.
En ese mismo año después del éxito que tuvo en taquilla, se anunció una secuela y la idea de una película donde pudiéramos ver a nuestros Kaijus favoritos juntos, envueltos en una épica y espectacular batalla. Personalmente, creo que sonaba a una buena idea. Sobre todo si tomaban como referencia una película del estilo de Ghidorah, The Three Headed Monster de 1964, entonces ya podíamos esperar algo espectacular.
En diciembre de 2016, revelaron el título oficial de la secuela, Godzilla: King of the Monsters, y no pude evitar emocionarme, pues una batalla colosal era lo único que podía esperar con dicho título. Tampoco les mentiré: este caso me preocupaba un poco, ya que podían caer en los mismo problemas y errores que habíamos visto anteriormente con Godzilla (2014). Llegó el día de poder ver esta secuela dirigida por Michael Dougherty y bueno, tendré que decirles que… lo volvieron a hacer.
EL REGRESO DEL REY, GODZILLA
Godzilla: King of the Monsters se ubica cinco años después del incidente ocurrido en San Francisco con los MUTOs y Godzilla. Tras toda la destrucción y al sentirse muy vulnerables, los altos mandos militares estadounidenses buscan predecir apariciones de estos monstruos gigantescos y eliminar esa enorme “amenaza”. Por su parte Monarch, quienes son los estudiosos del tema, intentan negociar por la supervivencia de los titanes argumentando que la radiactividad que emanan crea un efecto positivo en la naturaleza y esto hace suponer que los Kaijus pueden ser parte importante del equilibrio natural del planeta. Ishiro Serizawa (Ken Watanabe), representante de esta teoría, confía fielmente que Godzilla es un protector y que, llegado el momento, el enorme titán podría necesitar de ellos.
A la par, esta organización se ha dedicado a investigar y analizar más a fondo todo acerca de Godzilla. En esta ardua búsqueda de respuestas, descubren que existen más monstruos colosales dormidos alrededor de todo el mundo y tienen la idea que podrían despertar gracias a los eventos de hace cinco años. Monarch, en manos de la Dra. Emma Russell (Vera Farmiga) retoma un proyecto que desarrolló con su ex esposo el Dr. Mark Russell (Kyle Chandler): crear una forma de comunicación con los monstruos.
La investigación resulta ser exitosa y, según parece, alguien más se encuentra interesado en ella… con intenciones distintas al proyecto original. Así que nuestro conflicto paralelo es cómo Monarch tendrá que lidiar con las nuevas amenazas, ¡y Godzilla podría ser el único que puede detener todo lo que se avecina! Ya saben, nunca está de más un poco de ayuda del llamado “Rey de los Monstruos”.
EL REY DE LOS MONSTRUOS
Godzilla: King of the Monsters sigue la misma línea gráfica que su primera entrega, por lo cual les cuento que sigue espectacular. Los efectos especiales y todo el entorno que se crea al paso de cada titán es algo que me pareció muy bueno. El diseño de los Kaijus es perfecto; Godzilla con su rayo atómico, Rodan con sus alas encendidas, Mothra con su transformación y Ghidorah con sus tres cabezas, se ven enormes, fuertes y con un nivel de detalle que te impresionaran cada momento que aparecen en pantalla y, sobre todo, en las batallas que protagonizan.
El audio al igual que su parte gráfica, está bien cuidado, te permite sentir el vuelo, caminata o rugido de cada titán como si estuviera fuera de la pantalla, como si en cualquier momento pudiera aparecer uno frente a ti.
Hablando del pie que cojea, empezaremos hablando de las actuaciones: son buenas, no espectaculares, pero cumplen con su objetivo. Sin embargo, a mi parecer un par de personajes “estelares” están de sobra, tales con el de Millie Bobby Brown como “Eleven”… digo, como Madison Russell, la hija de Emma y Mark. Si ella no hubiera aparecido en pantalla, la película no lo habría resentido; prácticamente no marca ninguna diferencia en el argumento o ritmo de la cinta. Lo mismo sucede con el señor Charles Dance en el papel de Alan Jonah; si bien sonó como un rol interesante – debido al perfil de este gran actor –, tiene poca relevancia y, si otra persona hubiera tomado su lugar, hubiera funcionado de la misma manera.
En términos generales la historia de la película no es mala pero, de nueva cuenta, la justificación de ciertos eventos o acciones se ven muy forzados o puestos como parches. Y esto, señoras y señores, hace que la historia termine siendo un poco dispersa. El conflicto principal de Godzilla: King of the Monsters también pudo trabajarse de otra manera, pero decidieron irse por una estructura más segura y al verla, en vez de salir extasiado con lo visto en pantalla, seguro tendrás un “pudo haber estado mejor” en la cabeza. Tampoco quiero dejar de lado el hecho de que, por alguna razón, la palabra “Kaiju” ha sido eliminada casi de toda la película, por lo que escuchamos a todos los involucrados hablando de “titanes” una y otra vez.
CONCLUSIÓN
A pesar de sus emocionantes y grandes escenas de acción, Godzilla: King of the Monsters queda como una película que de nueva cuenta tiene problemas de guión, pues se le dificulta explicarnos varios detalles que, en lo personal, dejó como una enorme incógnita. A estas alturas resulta difícil no ser quisquilloso, pues las películas de acción han tenido una evolución interesante durante los últimos años.
No puedo quejarme del ritmo de la película; es bueno y los momentos con Rodan, Mothra y Ghidorah son bastante agradables. En general, sus efectos especiales me parecieron muy bien logrados y, en conjunto, su mezcla de sonido hace que al estar acompañado de una buena dotación de palomitas puedas pasarla muy bien, sin importar los problemas que ya había mencionado.
Naces, creces, te reproduces, envejeces y mueres. Ese es el ciclo de la vida, un concepto que está presente en todos y cada uno de nosotros y que, por su inata naturaleza, tomamos como algo común. Sin embargo y pese a que esto es algo que rige nuestras vidas, solemos (y algunos hasta prefieren) ignorar la última instancia del proceso a la que todos habremos de llegar en algún momento: la muerte.
Todos morimos sin excepción alguna, es algo inevitable. Pero lo que a veces ignoramos es que la muerta podría sorprendernos en cualquier momento, incluso en nuestra juventud. Muchos dan por hecho que la muerte les llegará cuando sean mayores, pero esto es algo que no necesariamente se cumple. ¿Te has imaginado lo que harías si supieras que morirás dentro de tan sólo unos días?
En I Want to Eat your Pancreas, película de anime basada en una novela homónima del autor Yoru Sumino, se explora esta idea: la de jóvenes lidiando con el concepto de la muerte prematura y al hecho de que dejarán este mundo en cuestión de días. No obstante, ésta lo hace desde una perspectiva que busca denotar eso que precisamente pasamos por alto, que se trata de algo natural que es parte de la vida, aunque en un tono romántico que fascinará a los amantes de las historias de amor.
Viviendo con la muerte
Pese a lo que su nombre pudiera hacernos creer, I Want to Eat your Pancrear es una cinta perteneciente al género Coming-of-age y Slice of life, mismos que suelen abordar historias enfocadas en el desarrollo de sus protagonistas y en su estilo de vida cotidiano. Por esa misma razón, ésta cuenta con una premisa un tanto más tranquila y mundana que, a su vez, se ve influenciada por un factor tan determinante como lo es la muerte. Vaya, no se trata de una narración de terror gore, sino de una de romance y el significado del título se explica prácticamente desde el inicio del film.
La trama de la cinta se centra en dos personajes principales: por un lado en el protagonista masculino, un chico callado, antisocial, cerrado en su propio mundo y de cuyo nombre no sabemos sino hasta avanzada la historia (por cuestiones narrativas); y de Sakura Yamauchi, una joven totalmente opuesta al joven que se caracteriza por su alegre y enérgica personalidad, su popularidad y su torpeza al actuar. Ambos parecen no tener mucho en común, pero sus vidas se verán entrelazadas cuando el chico descubre un libro llamado “Viviendo con la muerte”, un diario escrito por Sakura en el que ella revela estar enferma de una enfermedad pancreática terminal que acabará con su vida en cuestión de sólo unos meses.
Sakura se percata de que el protagonista encontró su diario pero, en lugar de enojarse, decide confiarle su secreto. No obstante, la chica decide aprovechar la situación para acercarse al joven y solicitarle que laude a realizar los últimos deseos que anhela hacer antes de morir. Es así como esto da pie a una amistad que, conforme al paso del tiempo, empezará a evolucionar hasta llegar a una relación que raya en los tintes del romance.
Si bien I Want to Eat your Pancreas se postra como una historia de amor adolescente cualquiera entre jóvenes de preparatoria, el factor de la muerte es algo que influencia a la narrativa y le da mayor variedad a la trama. Desde el inicio sabemos que la historia acabará en la muerte de Sakura (incluso ésta se nos confirma desde sus primeros minutos), pero es precisamente el hecho de querer saber la manera en la que esto sucede y el camino que se recorre hasta ese fatídico momento lo que hace que el espectador quiera verla en su totalidad. Y mejor aún, podemos decir que esto mismo deriva en algunos giros inesperados que dan enorme sorpresa a una historia que, desde sus primeros momentos, parecía predecible.
De igual manera, resulta interesante ver cómo es que el tema de la muerte afecta a la evolución de los personajes. En un inicio tanto el protagonista como Sakura parecieran caer en los típico estereotipos cliché vistos en cualquier otro anime (como el del chico antisocial, callado y sin emociones o el de la chica alegre y torpe pero de buenas intenciones) pero, conforme avanza el film, vamos observando cómo sus personalidades cambian al percatarse que el tiempo se acaba y la muerte de la chica se acerca. Ésto deriva en momentos en los que ambos expresan aquello que guardan profundamente o que muestren sus lados desconocidos. En ese sentido, da gusto ver que ninguno se queda encasillado en un solo tipo de personaje plano.
La historia de I Want to Eat Your Pancreas es hermosa y cuenta con momentos que, no dudo, te harán sacar una lágrima o, incluso, generar un nudo en la garganta; se trata de una trama que pese a lo fantasiosa o típica que pueda llegar a ser, logra congeniar con el espectador y hacer que nos identifiquemos con ella. Sin embargo, ésta se ve afectada por su ritmo narrativo que suele ser demasiado pacífico – incluso más de lo que debería – al mostrarnos momentos que poco aportan al desenvolvimiento de los protagonistas y que se llegan a extender más de la cuenta. Dicho esto, su pasividad se ve corregida en la última parte de la película cuando se presentan los giros narrativos más fuertes que aceleran todo y conducen hacia una conclusión digna para la historia.
Hermosa y colorida presentación con genial doblaje
Comparado con otras películas recientes que han llegado a nuestra región, I Want to Eat Your Pancreas fue producida por Studio VOLN, un estudio prácticamente nuevo (se fundó en 2014) y de cuyo primer gran proyecto cinematográfico consistió de esta adaptación. Para ser su primera película, la calidad visual de la cinta es excelente, más no así asombrosa, pero eso no evita que nos presente un mundo colorido en el que las ambientaciones y los tonos jueguen con las emociones de los momentos y en cuyos diseños de los personajes, aunque básicos, son adecuados y bien estructurados. Toda la animación realizada es en 2D por lo que en ningún momento se juega con perspectivas o modelados en 3D. Esto último no resulta algo necesariamente malo, pero tras ver producciones románticas recientes como Your Name o Koe no Katachi, sentimos que pudieron haberle caído bien algunas de ellas.
Musicalmente hablando, la banda sonora de la película cumple con su cometido de ambientar cada una de las escenas y hasta de resaltar los momentos importantes de éstas. Su música es adecuada, pero ninguna de sus piezas se sienten como algo sobresaliente.
Por último, no se puede dejar hablar del doblaje de la película; porque sí, también llegará con doblaje al español latino. Con una dirección a cargo de Eduardo Garza (voz de Elmo y Krillin en Dragon Ball Z), I Want to Eat your Pancreas cuenta con la participación estelar de Miguel Angel Ruiz (Panda en Escandalosos y Peter B. Parker en Spider-Man: Into the Spider-Verse) en el papel del protagonista y Erika Ugalde (Desagrado en Intensa Mente y Mantis en Guardians of the Galaxy/Avengers) como Sakura Yamauchi. El trabajo realizado por ambos resulta maravilloso dado lo versátil de sus voces y que logran jugar con la propia personalidad de sus personajes; mientras que Miguel Angel logra plasmar a un joven sereno y callado que llega a explotar diversas emociones en momentos clave, Erika transmite a la perfección esa personalidad alegre y enérgica en Sakura que en ocasiones saca a relucir todo el dolor y miedo que guarda en su interior y que teme demostrar a los demás.
Lo mismo se puede decir para el resto del elenco y en los que podemos escuchar a otros talentosos actores y actrices como Andrea Orozco, Cony Madera, Elena Ramirez, Alan Fernando Velázquez y más. Si ves la película doblada al español, ten por seguro que te encantará el trabajo realizado en este proyecto.
No es una típica historia de amor
El trabajo de adaptación no es sencillo. Cada proyecto tiene que enfrentarse a diversos retos que se aplican a sus propios medios. ¿Cómo puedes llevar la sensación de un videojuego a una película? ¿Cómo le das forma a las líneas y líneas de descripción que un libro ofrece? ¿Cómo haces que un largometraje sea interactivo? Estas son cuestiones bastante complicadas que usualmente no se responden de manera efectiva. Es posible, tenemos casos exitosos como The Lord of the Rings y Harry Potter, pero cuando hablamos de la forma de entretenimiento interactiva que tanto amamos, las cosas son totalmente diferentes.
Incluso cuando nos referimos a los videojuegos que son adaptados a la pantalla grande tenemos el caso de la primera película de Silent Hill… y ya. En los últimos años hemos visto un par de intentos que se acercan poco a poco a una buena aceptación general, pero usualmente fallan al final del día. Este es el caso de Detective Pikachu, Sonic the Hedgehog y la nueva cinta de Mortal Kombat. Cada una cuenta con elementos positivos que las hacen superiores a sus predecesoras, no obstante, siguen cometiendo varios errores. Ahora, a este grupo se les suma Resident Evil Welcome to Raccoon City.
Después de seis películas de Resident Evil a cargo de Paul W. S. Anderson, el público tuvo suficiente de su interpretación de la obra de Capcom. Es así que a los cines ha llegado un reboot, el cual se jacta de ser completamente fiel a los juegos originales. Resident Evil Welcome to Raccoon City no solo trata de cautivar a la audiencia presentando nuevas versiones de Albert Wesker, Chris Redfield, Jill Valentine, Claire Redfield y Leon S. Kennedy, sino que ha levantado la preocupación de más de uno al adaptar las tramas de los primeros dos títulos en un lapso de menos de dos horas. ¿Acaso este largometraje logra cumplir las expectativas? ¿Esta aventura es mejor que las protagonizadas por Alice? Descubre las respuestas a estas y más interrogantes en nuestra Atomix Movie Review.
Dos por el precio de uno
Adaptar un juego es complicado. Sin embargo, Johannes Roberts, director y escritor, decidió que Resident Evil Welcome to Raccoon City no solo se encargaría de contar los eventos que ocurrieron en la Masión Spencer en 1998, sino que también suma el brote de infección que se llevó a cabo en Raccoon City. En lugar de enfocarse completamente en una serie de sucesos y tomarse su tiempo para rendirle un homenaje a un de los juegos originales o su remake, tenemos frente a nosotros una cinta que no hace bien su trabajo, y simplemente se queda a medias en más de una ocasión.
Sin embargo, parecía que este no iba a ser el caso. La cinta no solo comienza con algo completamente nuevo, sino que los primeros minutos hacen un trabajo decente al establecer la atmósfera de horror. Escenas icónicas, como el camionero comiendo su hamburguesa de Resident Evil 2, dan una buena primera impresión. Lamentablemente, conforme la cinta avanza, todo se reduce a simplemente cumplir con un lista de escenas. Rápidamente, los personajes se sienten como simples piezas de ajedrez que son movidas solo para cubrir con los momentos que todos esperamos, pero sin el peso emocional.
Todo comienza de una forma muy similar. Claire Redfield llega a Raccoon City en busca de su hermano. Leon S. Kennedy tiene su primer día como policía en el pueblo. Chris Redield, Jill Valentine y Albert Wesker van a investigar la desaparición del equipo Bravo. La única diferencia es que en esta ocasión esos eventos ocurren al mismo tiempo, y no en días separados. Fuera de los primeros minutos de la cinta, en donde estas dos tramas básicamente son una en donde los cinco personajes principales interactúan entre ellos, la historia se divide en dos caminos marcados, y no es hasta los últimos segundo de la película que estos dos se vuelven a unir. Durante la mayor parte del largometraje, las aventuras paralelas no tienen relación entre ellas, lo cual es una decepción considerando el potencial que el inicio presenta.
Junto a esto, estar cambiando de escenario constantemente se siente bastante torpe, ya que usualmente una escena es cortada abruptamente para dar pie a otra diferente. Esta es una de las peores decisiones que se llevaron a cabo. Cada sección cuenta con el suficiente potencial para ser su propia historia, y dividirlo causa que no solo ciertas escenas de los juegos sean eliminadas o no duren lo suficiente, como toda la estación de policía, sino que esto también tiene repercusiones negativas en los personajes.
Cambios controversiales
Hay que aclarar algo, estos no son los personajes que piensas. Albert Wesker, Chris Redfield, Jill Valentine, Claire Redfield y Leon S. Kennedy tal vez tienen los mismos nombres de sus contrapartes en los videojuegos, pero sus personalidades y hasta motivaciones son completamente diferentes. Esto, para variar, es bastante interesante, pero en más de una ocasión se siente como una bofetada para los fans, y nunca se llega a hacer algo con ellos, lo cual considero que es el insulto más grave. Por ejemplo, Leon S. Kennedy no es el policía cool y tenaz que conocemos por los juegos, sino un bufón del que todos se burlan y nunca llega a ser interesante en pantalla. El resto del elenco cambiaron de forma similar, con la excepción de Claire, quien, en un giro inesperado, se siente más como su hermano que ella misma.
Estos no son personajes, son simplemente pedazos de cartón con una capa de pintura familiar. Ninguno tiene un solo arco. Nadie cambia a lo largo de la historia. No hay alguien que pueda ser considerado carismático. Todos se reducen a simples piezas de carne que se mueven para activar alguna escena que nos acerca más y más a los preciados créditos. Por si fuera poco, las actuaciones son terribles. Hannah John-Kamen, a cargo de Jill, Robbie Amell, responsable por Chris, y Avan Jogia, el actor de Leon, son terribles. La forma en que otorgan sus líneas hacen que cualquier persona se apene por su trabajo. En más de una ocasión se nota que se usaron las primeras tomas que se tenían de ellos para la versión final. El resto del elenco tampoco lo hacen muy bien, pero no son tan notorios como los tres mencionados.
De igual forma, el guion no les ayuda. Cada diálogo parece que lo escribió un robot que no sabe cómo es que los humanos hablan de verdad. La exposición de información es terrible, ya que las diferentes conversaciones son interrumpidas de forma abrupta solo para explicar algo que al final del día el público puede intuir por sí solos, o que no es tan necesario. Sumándose a esta montaña de problemas, tenemos la duración. 90 minutos no son óptimos para esta película. Varios personajes del principio desaparecen solo para ser reintroducidos al final. Un evento en particular sucede sin previo aviso y es inesperado, dando a entender que no se incluyó alguna escena que sirviera como cimiento.
Parte de los problemas de la película se hubieran solucionado si el tiempo de duración se hubiera extendido unos 30 minutos. Esto le daría más tiempo a ciertos eventos de suceder sin ser imprevistos, y ofrecería el espacio para que los personajes tuvieran algún tipo de desarrollo. Sin embargo, hay un apartado que cualquier duración no solucionaría.
¿Y el presupuesto?
Pese a que Resident Evil Welcome to Raccoon City cuenta con un par de tomas bastante interesantes, todos y cada uno de los efectos especiales son terribles. Las películas de GCI que hay en Netflix se ven mejor en múltiples ocasiones. Cada locación luce como si fuera un set, eliminando por completo la iconicidad de la Mansión Spencer o la estación de policía. Nada luce real. Sin embargo, son los monstruos los que reciben el peor tratamiento. Cada zombi s ve como un miembro de un evento de fans, y no como las criaturas con millones de dólares en maquillaje que en teoría son.
Los monstruos como los lickers y Lisa Trevor son horripilantes, pero no por su diseño, sino por lo barato que se sienten. Creo que una película del canal Sci-fi luce mejor. Hay una toma de un campo abierto al final de la cinta, la cual no puedo creer lo mal que se ve. Nunca en mi vida había visto un CGI moderno tan, pero tan espantando. No hay una excusa en este apartado. Cuando una explosión sucede frente a los actores, claramente se ve que hay una pantalla verde. La sangre es falsa, y ni siquiera llega a ser tan ridícula como en una película de Quentin Tarantino. Solo hay un momento en donde esto se soluciona, y esto es gracias a que la iluminación es básicamente inexistente. Cuando los zombis aparecen por solo un segundo esto no es un problema, pero cuando hay un acercamiento o una toma incluye a muchas de estas criaturas, uno puede notar fácilmente el mal trabajo que se llevó a cabo en esta ocasión.
Incluso el audio es espantoso. Múltiples escenas cuentan con grabaciones que claramente se llevaron a cabo en un estudio, y no están colocadas de buena forma en la película. En un momento un personaje puede estar agonizando, pero un segundo después su voz no refleja su claro estado. Esto demuestra la falta de atención que se le dio a este apartado.
De lo peor del año
Resident Evil Welcome to Raccoon City no es una buena película, y creo que eso no es una sorpresa para muchos. La historia y las actuaciones son pésimas. Los personajes son básicamente piezas que se mueven para activar ciertas escenas. Aunque las nuevas interpretaciones de los protagonistas son interesantes, algunas versiones se llegan a sentir como una falta de respeto para la serie de Capcom, y ninguna atraviesa algún tiempo de evolución o arco. La duración de solo 90 minutos es un problema que termina perjudicando varios apartados.
Pese a que la cinematografía cuenta con un par de tomas decentes, los efectos especiales son un chiste y la falta de atención en el audio y diálogos es ridícula. Resident Evil Welcome to Raccoon City se vende como la gran adaptación de los videojuegos, pero en momentos se llega a sentir inferior que muchos proyectos de fans que se pueden encontrar en YouTube. Al menos esta es una cinta mejor que cualquiera de las películas que estuvieron a cargo de Paul W. S. Anderson.
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